アーティスト・イン・スポットライト - シリル・ランスラン

フランスの芸術家Cyril Lancelinは、芸術、建築、おもちゃの間に本当に違いがあるのか疑問を抱かせるようなハイブリッド彫刻を制作しています。Lancelinは見世物の専門家です。金属を使うこともありますが、彼が最もよく知られているのは巨大な膨張式の芸術作品のデザインです。彼の作品は、まるでクレース・オルデンバーグ、アンディ・ウォーホル、ジェフ・クーンズがパーティー用品のウェブサイトのふわふわ遊具のページで出会ったかのようなハイブリッドな視覚言語を取り入れています。非常に写真映えし、数年間にわたりギャラリーやインスタグラムで話題を呼んでいます。最近では、より広い公共の場にも登場し始めています。直近では、Lancelinはフィラデルフィアのメイド・イン・アメリカ・フェスティバルの慈善的な屋外集会スペースであるコーズ・ビレッジの芝生に、巨大なピンク色の膨張式ピラミッドを二つ設置しました。これらのピラミッドは忘れ去られたキャンディランドの遺跡のように地面からそびえ立ち、訪れた人々を中に招き入れ、その遊び心あふれる奇抜な通路を歩き回らせました。外から見ると、風景に衝撃を与える—ばかげていてけばけばしく、自然な環境とはまったく異質な偽物の突起物であり、背景の高層ビルとさほど変わりません。内側からは、奇妙さに感覚が浸されます。布地からの揮発と圧倒的なピンク色が組み合わさり、まるで巨大な綿菓子機に楽しく吸い込まれるような感覚を想像させます。かつては公共の場で珍しい光景であり、しかも主に世界的に有名な影響力のある芸術家の履歴書に限られていたこのような巨大でポップな公共作品が、私たちの造られた環境の中でますます一般的になり、新進気鋭や無名の芸術家によっても制作されるようになっています。私たちがそれらをどう思おうと、Lancelinが明らかに楽しんでいることは、彼や他の芸術家たちがこれからも作品を作り続けることを保証しています。問題は、私たちがなぜそうなのかを理解し、知的に作品について語るだけの読み書き能力を持っているかどうかです。必要でしょうか？それとも結局のところ、これらの作品を芸術、建築、見世物、あるいは日常生活からの単なる気晴らしとして理解するかどうかはあまり重要ではないのでしょうか？

すべてが見世物

おそらくそれはシカゴ・ピカソから始まったのかもしれません。あるいはもっと前、6世紀のバーミヤンの仏像からかもしれません。いつどこで始まったにせよ、今日の世界は様々な理由や目的で人間が作り出した巨大な美的形態で満ちています。これらの物のどれが特に芸術として区別されるかは議論の余地があります。しかし、巨大な彫刻の基礎となる形態は今や完全に自由です。文字通りすべてが見世物にできます。かつてオルデンバーグの巨大な矢印やクーンズの巨大な風船ウサギに尻込みした人々は、今日の彫刻公園や公共広場、アートフェアをぼんやりと歩き回ることでしょう。ここには巨大な塗られた石の山、あそこには巨大なパンダ、こちらには地下から這い出る巨大なゾンビ、そして高層ビルサイズの中華料理の箱があります。

Cyril Lancelin - フラミンゴ・グラウンド、ピクニック・フェスティバル2019、ニューヨーク市。© 2019 Cyril Lancelin

個人的には、この大胆な新しい巨大芸術の世界が大好きです。自然環境からそびえ立つ巨大でかっこいい抽象形態を見るのは、建物の側面を這う巨大なテントウムシを見るのとほぼ同じくらい好きです。しかし、これらのすべての意味について議論が必要かもしれないと思います。これは、芸術家が夜遅くに一人でアトリエで制作し、食事や睡眠を犠牲にして制作を続けるという意味での芸術ではありません。これはデスクトップコンピューターの前にいる誰か、あるいはデスクトップコンピューターの前にいる何人かの集団です。これらの新しい巨大な芸術作品にかかる個人的な苦労は、シカゴ・ピカソのような作品にかかったものと比べると微々たるものです。デジタル設計ソフトウェア、ロボット製造工程、超軽量で超安価な素材により、インターネット接続さえあれば誰でも次の大きな芸術作品をデザインできるのです。なぜそうするのかを問うべきでしょうか？芸術家が既に成し遂げられたことの文脈で自分の行為を正当化する思考の流れに導かれていた昔の良き時代を懐かしむべきでしょうか？それともただ肩をすくめて「はい！もっと巨大なベリーを！もっと巨大なすべてを！」と言うべきでしょうか？

Cyril Lancelin - ハーフ・ライン、ギャラリーMR80、2018年、パリ。写真：ダナン・ワン。© 2019 town.and.concrete

合理的な解決策

Lancelinが巨大な膨張式彫刻をデザインする理由の一つは、膨張式素材が軽量で輸送が容易だからだと述べています。これは公共芸術家が直面する現実的な問題です。巨大な金属彫刻を製作し、輸送し、設置するためにどれほどの労力がかかるか想像してみてください。リチャード・セラの「ティルテッド・アーク」を思い出してください。鉱石の採掘、鋼の製造、彫刻の制作、輸送、設置に数十万ドルと無数の時間が費やされましたが、結局は撤去され倉庫に押し込まれました。それは無駄だったのでしょうか、それともその努力と理論的議論は価値があったのでしょうか？公共芸術とは何でしょうか？壮大なビジョンのための人間の偉業でしょうか？かつてはそうだったかもしれません。今日では、儚く一時的な衝動や瞬間の記念碑の方が重要です。予算がますます厳しくなる現実と相まって、仮設で軽量な膨張式（つまり空気を抜ける）彫刻を作ることは合理的な解決策のように思えます。

Cyril Lancelin - アーチ、リーニュ・ロゼ・ウェストエンド、ロンドン・デザイン・フェスティバル2018。© 2019 Cyril Lancelin

それでも、芸術ジャーナリストとして、この種の作品について語る際にどのような言葉を使うべきか理解したいと思います。例えばLancelinは、自分の作業場を創作スタジオと呼んでいます。それは芸術スタジオやデザインスタジオとどう違うのでしょうか？私たちは芸術後の時代にいるのでしょうか？想像の時代の到来を聞いたことがあります。もしかすると、控えめに、あるいは傲慢に、自分の作品を博物館の壁に掛けてもらうことを望んで苦労する芸術家の時代は終わったのかもしれません。今や創造者たちが芸術家に代わっているのかもしれません。あるいはこれはすべて言葉遊びに過ぎず、公園で巨大な膨張式のピンクのピラミッドを見つけるような気晴らしなのかもしれません。

表紙画像：Cyril Lancelin - インナー・サークルズ、イーストマン・ガーデン、クリーブランド公共図書館、クリーブランド、2019年、アメリカ。ランド・スタジオ企画 © 2019 Cyril Lancelin
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フィリップ・Barcio 著