時間の儚さを捉える - 杉本博司の写真

マリアン・グッドマン・ギャラリーのパリとロンドンの2つの場所で、12月22日まで開催されている二重展は、著名な写真家、彫刻家、概念アーティストである杉本博司の作品を探求しています。彼の作品は人間の知覚の神秘に取り組んでいます。ロンドンの展覧会は、Snow ホワイトというタイトルで、杉本が1978年から取り組んできた写真の一群、シアターシリーズに焦点を当てています。このシリーズの各写真は、中央にスクリーンがある映画館を示しています。スクリーンは明るく輝き、銀色の光のようです。これらの写真を撮るために、杉本は大判カメラをセットアップし、シャッターを開け、そのままフィルム全体の間シャッターを開けたままにして、映画の各フレームを1フレームのフィルムにキャッチします。これらの写真は時間の経過を捉え、現実とフィクションの何が本物で何が虚構であるかについての疑問を提起します。一方、パリの展覧会は、サーフェス テンションというタイトルで、杉本が取り組んできた他の2つの作品群に焦点を当てています。最初は彼のシー・スケープシリーズで、1980年から発展させています。このシリーズでは、杉本は世界中の穏やかな海の写真を撮影します。すべての写真は完璧にバランスが取れており—半分が水、半分が空気で、地平線の線が写真の中央にあります。そして、シー・スケープの写真と並んで展示されているのは、五元素と呼ばれるシリーズからの5つの彫刻作品です。これらの彫刻は、地球、水、火、空気、そして空虚を象徴する5つの幾何学的形状で構成されています。各彫刻には水を象徴する球体があり、各球体にはシー・スケープシリーズの写真が含まれています。これらの展覧会はどちらも必見です。しかし、多くの杉本の展覧会と同様に、彼の広大な作品の表面をかすめるだけです。ですので、彼の作品に不慣れな方のために、杉本博司の多くの側面のいくつかを以下に示します。

カメラのように見る

広志杉本は1948年に東京で生まれました。彼は子供の頃に写真を撮ることを学びましたが、ずっと後まで写真をキャリアとして考えませんでした。彼は日本の聖パウロ大学で経済学を学びました。しかし、卒業から4年後、杉本はロサンゼルスに移り、アートセンター・カレッジ・オブ・デザインの大学院コースに入学しました。そしてその年、彼は写真が世界の隠れた真実を明らかにする芸術的な可能性についての啓示を受けました。彼の啓示はニューヨーク市への旅行中に起こり、その際にアメリカ自然史博物館を訪れました。この博物館は、歴史を通じての人々や動物の等身大の模型がその時代の遺物の中に展示されているジオラマでよく知られています。各ジオラマの背景には、自然の写真または絵画があり、シーンに明らかに偽物であり、通常はやや陳腐な二次元の要素を加えています。

これらのジオラマの一つを見つめているとき、杉本は偶然に片目を閉じた。それによって、片目で何かを見ることで、全体のシーンが平坦になり、カメラレンズで撮影したかのように見えることに気づいた。このようにジオラマを見ることで、全体がよりリアルに見えた。そこで杉本はカメラを持って博物館に戻り、ジオラマの白黒写真を撮影した。驚くべきことに、写真はジオラマの背景だけでなく、すべての要素を平坦にし、シーンは不気味なリアリティを帯びた。彼のジオラマシリーズは、彼がその後追求した多くの作品群の最初のものであり、何かを再撮影すること、またはワックスミュージアムのフィギュアのような偽物の写真を撮ることを含んでいる。2014年にゲティ美術館の館長ティモシー・ポッツとのインタビューでこのプロセスへの魅力について尋ねられたとき、杉本は言った。「写真は現実のコピーを作ることだが、二度撮影されると再び現実に戻る。それが私の理論だ。」

Hiroshi Sugimoto - Kegon Waterfall, 1976, Gelatin silver print, Neg. #00.001, Image: 47 x 58 3/4 in. (119.4 x 149.2 cm), Frame: 60 11/16 x 71 3/4 in. (154.2 x 182.2 cm), Edition of 5, (20200)

あなたが見ているもの

杉本は彼のジオラマシリーズの後に、最初のシアター写真を発表しました。ジオラマシリーズと同様に、シアターシリーズは、写真に見えるものが本物であるかどうかという問いを投げかけています。ハリウッド映画を観るとき、私たちは実際に起こったことを見ているわけではないと知っています。それは脚本があり、だから偽物ですよね？ しかし、杉本が撮影したこれらの写真は、映画全体の視覚情報を含んでおり、実際に起こったこと—映画の上映—を捉えています。これらの写真は現実を捉えており、その事実はシリーズのドライブインシアター版で強調されています。そこでは、映画の間に飛行機が通過する際に、スクリーンの後ろの空に光の筋が映し出されています。では、私たちが見ているものは本物なのか偽物なのか？ 画像の中心にある明るい銀色の光は、単なる光ではなく—それは物語です。そして、たとえそれが脚本であったとしても、それは実際に起こりました。杉本が指摘するように、何らかの形でそれを二度撮影することが、それを再び本物にするのです。

彼のシアターシリーズを始めた後、杉本はシーケープシリーズに着手しました。このシリーズのイメージは、形式的に言えば、幾何学的であり、抽象的です。グループで見ると、これらの画像は、ベルントとヒラ・ベッヒャーの伝統における類型的な存在感を持ちます。これらは彼の以前のジオラマやシアターシリーズの画像のように「画像の画像」ではありませんが、それでもなお同様の機能を果たしています。杉本は、見た目が同じ異なるものの画像を私たちに見せています。彼は、異なる時間帯や異なる大気条件での姿を私たちに見せています。それらは明らかに異なります。しかし、それらはまた明らかに同じです。空気と水は物理的な世界の一部に過ぎません。しかし、それらは抽象的な特質も持ちます。海は象徴となります。そして、私たちは再び何を見ているのかを問うことができます。これらの画像は現実の世界のものなのか、それとも寓話や隠喩に溶け込んでしまったのか？

Hiroshi Sugimoto - N. Pacific Ocean, Ohkurosaki, 2013, Gelatin silver print, Neg. #582, Image: 47 x 58 3/4 in. (119.4 x 149.2 cm), Frame: 60 11/16 x 71 3/4 in. (154.2 x 182.2 cm), Edition of 5, (20192)

世界の画像

杉本はこの現象を現実が非現実に溶け込む、そしてその逆もまた然りと呼び、彼の作品の中で、「人間の知覚を調査するためのテスト方法」と述べています。そして彼は数十年にわたり、このテスト方法をいくつかの魅力的な方法で続けてきました。1990年代、彼は日本に戻り、7年間の煩雑な手続きを経て、仏教寺院の中にある「千手観音」の古代のインスタレーションを撮影する許可を得ました。このインスタレーションは、来世の物理的な具現としての仏陀の多様な彫刻表現を特徴としています。杉本は異なる時間帯にインスタレーションを撮影し、影と光が異なる要素を異なる時間に照らし出す様子を示しました。その結果生まれたシリーズ、仏の海は、形と時間の抽象的な探求です。

彼の建築シリーズは1990年代に始まり、スギモトはワールドトレードセンターの塔やエッフェル塔などの象徴的な建築形態の完全にぼやけた画像を撮影しています。一方、「影の賛美」シリーズでは、毎晩開いた窓のそばでキャンドルに火を灯し、キャンドルが燃え尽きるか消えるまでシャッターを開けたままの状態で一回の露光を行います。彼の「松の木」シリーズでは、日本の皇居にある完璧な松の木のぼやけた画像を撮影し、それらを16世紀の松林図屏風に匹敵するシュールな構成にコラージュしました。これらのシリーズは、現実の世界をぼやけた夢のような形で示しています。すべての作品は長時間露光を特徴としており、私たちを時間の中に戻し、古代の普遍的な建築、光、自然のビジョンとつながることを可能にします。これらは、これらのものを記憶とアイデアの両方として見る手助けをしてくれます。

Hiroshi Sugimoto - Salle 37, Palais de Tokyo, Paris, 2013, Gelatin silver print, Neg. #279, Image: 47 x 58 3/4 in. (119.4 x 149.2 cm), Frame: 60 11/16 x 71 3/4 in. (154.2 x 182.2 cm), Edition of 5, (20218)

白と黒の世界

これまでに言及された各作品群に加えて、杉本は他にもいくつかのシリーズに取り組んでおり、それぞれは数年、あるいは数十年にわたります。彼の写真作品に加えて、彫刻を制作し、パフォーマンスに参加し、特定の場所に特化した作品を創作しています。これらの活動は一見異なり、つながりがないように思えますが、その根底には、杉本がなぜしばしば白黒で写真を撮ることを選ぶのかという質問に答えるときに使うのと同じ理由で理解することができます。彼のその質問への答えは、「信頼性はカラーよりも白黒の方が良い。」です。

カラー写真は、私たちの色の真の体験を決して捉えることができません。したがって、彼は白黒を選ぶことで、より抽象的で、より普遍的なイメージを作り出します。これは、日本の概念である本歌取りの一種であり、他のアーティストの作品を模倣することです。杉本は、さまざまな形で既に存在するものを表現していますが、完璧なコピーは不可能であり、また望ましくもありません。したがって、彼は現実を抽象的な形で私たちに示しています。彼は私たちの記憶や共同の過去を参照しています。彼は、自身の言葉で言うように、「メロディを引き継ぐ」ことで、誰もが理解できるような、似たようで普遍的な何かを呼び起こそうとしています。

Hiroshi Sugimoto - Tasman Sea, Rocky Cape, 2016, Gelatin silver print, Neg. #584, Image: 47 x 58 3/4 in. (119.4 x 149.2 cm), Frame: 60 11/16 x 71 3/4 in. (154.2 x 182.2 cm), Edition of 5, (20193)

特集画像: 杉本博司 - パラマウントシアター、ニューアーク、2015年 ゼラチンシルバープリント、ネガ番号 #36.002、画像サイズ: 47 x 58 3/4 インチ (119.4 x 149.2 cm)、フレームサイズ: 60 11/16 x 71 3/4 インチ (154.2 x 182.2 cm)、エディション5部、(20220)

すべての画像 © Hiroshi Sugimoto, アーティストおよびMarian Goodman Galleryの提供

フィリップ Barcio による