時間の儚さを捉える - 杉本博司の写真
マリアン・グッドマン・ギャラリーのパリとロンドンの両会場で12月22日まで開催されている二つの展覧会では、人間の知覚の神秘に迫る写真家、彫刻家、概念芸術家として高く評価されている杉本博司の作品が紹介されています。ロンドンの展覧会は「Snow White」と題され、1978年から取り組んでいる「シアター」シリーズに焦点を当てています。このシリーズの各写真は、画面中央にスクリーンがある映画館を写しています。スクリーンは銀色の光のように明るく輝いています。これらの写真を撮るために、杉本は大判カメラを設置し、シャッターを開けたまま映画の全フレームを一枚のフィルムに収めます。写真は時間の経過を捉え、何が現実で何が虚構かという問いを投げかけます。一方、パリの展覧会「Surface Tension」では、杉本が取り組んでいる他の二つのシリーズに焦点を当てています。ひとつは1980年から続けている「海景」シリーズで、世界中の穏やかな海を撮影しています。すべての写真は完璧に均衡が取れており、画面の中央に水平線があり、水と空が半分ずつ写っています。そして「海景」シリーズとともに展示されているのは、「五大元素」と呼ばれるシリーズの五つの彫刻作品です。これらの彫刻は地、水、火、風、空を象徴する五つの幾何学的形状で構成されており、それぞれに水を象徴する球体があり、その中に「海景」シリーズの写真が収められています。これらの展覧会はどちらも必見ですが、杉本の膨大な作品群のほんの一部に過ぎません。もし彼の作品に馴染みがなければ、ここで杉本博司の多様な側面をいくつかご紹介します。
カメラのように見る
杉本博司は1948年に東京で生まれました。子どもの頃に写真を撮ることを覚えましたが、写真を職業と考えたのはずっと後のことです。日本の聖ポール大学で経済学を学びましたが、卒業後4年でロサンゼルスに移り、アートセンター・カレッジ・オブ・デザインの大学院課程に入学しました。同じ年、彼は写真が世界の隠された真実を明らかにする芸術的可能性に気づく啓示を得ました。その啓示はニューヨーク市への旅の際、アメリカ自然史博物館を訪れた時に起こりました。この博物館は、歴史上の人々や動物の実物大模型を当時の遺物とともに展示するジオラマで有名です。各ジオラマの背景には自然の写真や絵画があり、二次元の要素が加わっているため、明らかに偽物であり、しばしばやや陳腐に見えます。
そのジオラマを見ているとき、杉本は偶然片目を閉じました。すると、片目で見ることで全体の場面が平坦になり、カメラのレンズで撮影したように見えることに気づきました。こうして見るとジオラマ全体がより現実的に見えたのです。そこで杉本はカメラを持って博物館に戻り、ジオラマの白黒写真を撮りました。驚くべきことに、写真は背景だけでなくジオラマのすべての要素を平坦にし、場面は不気味なほどリアルに見えました。彼の「ジオラマ」シリーズは、その後彼が追求する多くの作品群の最初のものであり、何かを再撮影したり、蝋人形館の人物のような偽物を撮影したりする作品群につながっています。2014年にゲティ美術館館長ティモシー・ポッツとのインタビューでこの過程への魅力について尋ねられた際、杉本は「写真は現実の写しですが、二度撮影すると再び現実に戻る。それが私の理論です」と答えました。
杉本博司 - 華厳の滝、1976年、ゼラチンシルバープリント、ネガ＃00.001、画像サイズ：47 x 58 3/4インチ（119.4 x 149.2 cm）、額装サイズ：60 11/16 x 71 3/4インチ（154.2 x 182.2 cm）、限定5部、（20200）
あなたが見ているもの
杉本は「ジオラマ」シリーズの後に最初の「シアター」写真を制作しました。「ジオラマ」シリーズと同様に、「シアター」シリーズも写真に写っているものが現実かどうかを問います。ハリウッド映画を観ると、実際に起こったことではなく脚本に基づく虚構だとわかります。しかし、杉本が撮るこれらの写真は、映画の全フレームの視覚情報を含みながらも、映画の上映という実際に起こったことを捉えています。特にドライブインシアターのバージョンでは、映画の上映中に飛行機が通過する際の空の光の筋が写り込み、現実を強調しています。では、私たちが見ているものは現実でしょうか、それとも虚構でしょうか？画面中央の明るい銀色の光は単なる光ではなく、物語です。脚本に基づいていますが、確かに起こったことなのです。杉本が指摘するように、二度撮影することでそれは再び現実になるのです。
「シアター」シリーズを始めた後、杉本は「海景」シリーズに取り組みました。このシリーズのイメージは形式的には幾何学的で抽象的です。複数の写真を並べて見ると、ベルントとヒラ・ベッヒャーの伝統にある類型学的な存在感も帯びています。これらは以前の「ジオラマ」や「シアター」シリーズのように写真の写真ではありませんが、似た機能を果たしています。杉本は異なるものが同じように見える写真を見せています。異なる時間帯や気象条件で撮影された写真は明らかに異なりますが、同時に明らかに同じです。空気と水は物理的な世界の一部ですが、抽象的な性質も帯びています。海は象徴となり、私たちは再び何を見ているのか問うことができます。これらは現実世界の写真なのか、それとも寓意や比喩に溶け込んでいるのか？
杉本博司 - 北太平洋、大黒崎、2013年、ゼラチンシルバープリント、ネガ＃582、画像サイズ：47 x 58 3/4インチ（119.4 x 149.2 cm）、額装サイズ：60 11/16 x 71 3/4インチ（154.2 x 182.2 cm）、限定5部、（20192）
世界のイメージ
杉本は作品の中で、現実が非現実に溶け込み、またその逆も起こる現象を「人間の知覚を調べるための試験方法」と呼んでいます。そして彼は数十年にわたりこの試験方法をいくつかの魅力的な形で続けています。1990年代には日本に戻り、七年にわたる官僚的手続きを経て、仏教寺院内の「千手観音菩薩」の古代の設置物を撮影する許可を得ました。この設置物は死後の世界の物理的な現れとしての仏を多数の彫刻で表現しています。杉本は異なる時間帯に撮影し、影や光が異なる要素を照らす様子を示しました。結果として生まれたシリーズ「仏の海」は、形と時間の抽象的な探求です。
1990年代に始めた「建築」シリーズでは、世界貿易センターの塔やエッフェル塔などの象徴的な建築物を完全にぼかした写真を撮っています。一方、「陰翳礼讃」シリーズでは、毎晩窓辺でろうそくに火を灯し、ろうそくが燃え尽きるか消えるまでシャッターを開け続けて一回の露光で撮影します。「松」シリーズでは、皇居の完璧な松の木をぼかして撮影し、それらを16世紀の松林図屏風に匹敵する超現実的な構成でコラージュしました。これらのシリーズはすべて、現実世界をぼんやりと夢のように表現しています。すべて長時間露光を用いており、私たちを過去へと連れ戻し、建築、光、自然の古代かつ普遍的なビジョンとつながらせてくれます。これらは記憶であり、また観念としての世界の見方を助けてくれます。
杉本博司 - サル37、パレ・ド・トーキョー、パリ、2013年、ゼラチンシルバープリント、ネガ＃279、画像サイズ：47 x 58 3/4インチ（119.4 x 149.2 cm）、額装サイズ：60 11/16 x 71 3/4インチ（154.2 x 182.2 cm）、限定5部、（20218）
白黒の世界
これまでに述べた作品群に加え、杉本は数年、場合によっては数十年にわたる他のシリーズも制作しています。写真作品に加え、彫刻、パフォーマンス、場所に特化した作品も手がけています。これらは一見異なり、つながりがないように見えますが、根底には杉本がなぜ白黒写真を好んで撮るのかという問いに対する同じ理由があります。彼の答えは「信頼性はカラーよりも白黒の方が高い」というものです。
カラー写真は私たちの色の体験を真に捉えることはありません。白黒を選ぶことで、より抽象的で普遍的なイメージを作り出しています。これは日本の概念である本歌取りの一種で、他の作家の作品を模倣することを指します。杉本は既に存在するものを様々な形で表現していますが、完全なコピーは不可能であり、望ましくもありません。彼は現実を抽象的な形で示し、私たちの記憶や共有された過去を参照しています。彼が言うように「旋律を引き継ぐ」ことで、誰もが理解できる似た普遍的な何かを呼び起こそうとしているのです。
杉本博司 - タスマン海、ロッキーケープ、2016年、ゼラチンシルバープリント、ネガ＃584、画像サイズ：47 x 58 3/4インチ（119.4 x 149.2 cm）、額装サイズ：60 11/16 x 71 3/4インチ（154.2 x 182.2 cm）、限定5部、（20193）
表紙画像：杉本博司 - パラマウント劇場、ニューアーク、2015年、ゼラチンシルバープリント、ネガ＃36.002、画像サイズ：47 x 58 3/4インチ（119.4 x 149.2 cm）、額装サイズ：60 11/16 x 71 3/4インチ（154.2 x 182.2 cm）、限定5部、（20220）
すべての画像 © 杉本博司、作家およびマリアン・グッドマン・ギャラリー提供
フィリップ・Barcio 著
