デイヴィッド・ボンバーグの幾何学的およびバンガードアート
熱意は芸術において重要な要素です。刺激的な作品は、すべての観客、コレクター、ギャラリスト、キュレーターが渇望するものです。いくつかの稀なアートワークは、その本質的に自らの興奮を持っていますが、熱意は最も多くの場合、アーティストから生まれます。彼らの内面にある何か – 彼らの情熱、彼らの好奇心 – が作品に現れます。デイヴィッド ボンバーグは、20世紀の最初の四半期にイギリスから出てきた最も熱心なアーティストだったかもしれません。彼の形と構成に関する実験は非常に前衛的で、ロンドンの名門スレード美術学校からの追放を引き起こしました。しかし、その叱責にもかかわらず、ボンバーグは落胆することなく繁栄し、爆発的に創造的であり、優れたデッサン技術を持ち、新しいアイデアを求める熱心な探求者であることを証明しました。第一次世界大戦前の数年間に彼が作り出した大胆なモダニストのイメージは、その楽観的な時代の抑制のない興奮とエネルギーの独特なひ glimpse を提供します。
デイヴィッド・ボンバーグって誰？
多くの偉大なアーティストを悩ませる悲劇的な皮肉があります。アート市場で成功するためには、興味深く、売れる作品を作らなければならず、興味深く、売れる作品を作るためには、創造的で、オープンで、個性的でなければなりません。しかし、あまりにも創造的で、オープンで、個性的であってはいけません。知的な群れの先を行きすぎたアーティストは、しばしば嘲笑されます。「先駆者は屠殺され、入植者は富を得る」という言葉があります。アーティストが、アートの売り手や買い手が文脈を理解できるような大きなムーブメントに関連付けられると、売れることにも役立ちます。皮肉なことに、本当に創造的でオープンマインドな個人主義者は、明確な目的や厳格な美的理想を持つムーブメントと自分を結びつけることを耐え難いと感じることが多いのです。彼らはマニフェストを制約と見なします。選択肢を広く保ちたいのです。そのため、多くの優れたクリエイターは歴史の教科書から取り残され、貧困の中で亡くなってしまいます。すべては、彼らが自分自身に忠実であり続け、好奇心と熱意を満たすために最後まで実験的であり続けたからです。
ボンバーグはそのようなアーティストの一人でした。ボルティシズムを研究すると、最初に気づくことは、運動の創始者が20世紀のイギリスの芸術と文学で最も著名な名前の一つであるウィンダム・ルイスであるということです。しかし、その後、運動の最も有名で象徴的なイメージである泥浴がデイヴィッド・ボンバーグによって描かれたことに気づくでしょう。ボンバーグはボルティシストには参加しませんでした。彼はいくつかの同じ美的概念を試み、同じ視覚的な領域に見えるいくつかの絵を制作しましたが、ボンバーグの関心はボルティシストの限られた関心よりもはるかに広範囲でした。しかし、ウィンダム・ルイスは、ボルティシズムの創設によって得た勢いのおかげで、生涯にわたって名声を享受しました。ボルティシズムの最高の絵を描いた非ボルティシストの画家ボンバーグは、無名のまま、無一文で亡くなりました。
エッセンシャルピュアフォーム
ボンバーグの作品がヴォルティシズムと共通していたのは、形式主義に根ざしていました。ヴォルティシズムの美学は、他の二つの既存のモダニズムスタイルから借用されました。それは、キュビズムの抽象的な幾何学的形状と、イタリアの未来派の硬い線と派手な色を結びつけました。この運動の背後にある概念は、動きと現代性を表現することでした。ボンバーグの興味も当初は都市や機械に関連していましたが、彼のヴォルティシスト風のイメージの使用は偶然のものでした。彼は特定の外観を達成することよりも、正しい感情を達成することに焦点を当てていました。彼が言ったように、彼の願望は「偉大な都市の生命、その動き、その機械を、写真的ではなく、表現的な芸術に翻訳すること。」でした。
彼が創造した視覚言語は、形の削減に基づいていました。彼は、彼の主題の本質を表現する最良の方法は、それらを最も基本的な状態に単純化することだと感じていました。その方法で、彼は彼らの本質について何か重要なことを明らかにすることを望んでいました。ボンバーグの絵画『エゼキエルのビジョン』は、1912年に描かれ、彼が求めた形の抽象的な削減、具象的な活力、表現的な感情のバランスを達成しました。それは、彼の非常に単純化されたイメージへの関心と、彼のユダヤ人家族の遺産の伝説を組み合わせ、神話的でありながらモダニスト的な美的ビジョンを独自に創造しました。
より強い表現
形式の削減を限界まで進めたとは満足していなかったボンバーグは、実験を続けた。彼の初期の指導者の一人であるアーティスト、ウォルター・シッカートは、ボンバーグに被写体の「粗い物質的事実」を描く重要性を教えた。そのアプローチは、ボンバーグが印象的な具象的描画技術を発展させるのに役立った。しかし、それは彼の主観性への興味を妨げた。彼は、単に被写体の正確な特徴を示そうとするのではなく、自分の個人的な反応を表現することも同様に重要だと感じていた。
1914年に彼が展示した一連の人物構成の中で、ボンバーグは意図的にすべての「粗雑な物質的事実」を排除しました。その展示に添えられたアーティストステートメントの中で彼は書いています。「私は形の感覚に訴えかけます…私は自然主義と伝統を完全に放棄します。私はより強烈な表現を探求しています…自然主義的な形を使用する場合、私はそれをすべての無関係な物から剥ぎ取っています。私は鋼鉄の都市に住んでいる間、自然を見つめています。装飾が起こる場合、それは偶然です。私の目的は純粋な形の構築です。私は純粋な形でないすべてのものを絵画の中で拒絶します。」
大衆への革命
彼の純粋な形への焦点を拡張する中で、ボンバーグは抽象にさらに深く入り込みました。彼の絵画「行列」では、人間の姿の列を本質的な形にまで還元し、そのイメージはほぼ完全な幾何学的抽象に近づきます。形は表現的な特性を帯び、高層ビルから棺桶までのさまざまな連想を呼び起こします。
ボンバーグは進化を続け、壊れて再び組み立てられたステンドグラスの窓に似た一連の絵画に分岐しました。イン・ザ・ホールドとジュージツは、ダイヤモンド型のグリッドに分割されたイメージプレーンを特徴としています。ボンバーグは、縮小された形から構成を作るのではなく、グリッドと表面自体を形として使用します。その結果、得られた画像は、オプアートのように、目を欺き、観客を幻想的な空間に引き込む能力を持っています。彼の初期の作品とは異なり、彼らの質量感は、完全に形式的で非表象的な手段を通じて達成された感情の表現から来ています。
ミサの中の霊
第一次世界大戦の勃発時、ボンバーグは徴兵されました。歩兵としての彼の経験は、同僚や支持者、家族が機械化された武器によって粉砕されるのを見て、機械時代への魅力を打ち砕きました。戦争が終わると、彼は絵画を再開しましたが、はるかに有機的で絵画的な技法を採用しました。彼の新しい方向性は、彼を完全に無視され、当時のアート界から忘れ去られる原因となりました。
ボンバーグはキャリアの残りの期間、経済的に苦しみましたが、広範囲にわたって旅行し、絵を描くことをやめませんでした。彼は絵の触覚的な特性を実験し続け、テクスチャーやブラシストロークの強力な感情的可能性に焦点を当てました。抽象画、風景画、または具象作品を描く際にも、彼は「質量の中の精神」と呼ぶものを追求することに専念していました。彼は、絵の厚さやストロークの変化を通じて、そして主題の最も本質的な形へのオープンマインドな探求を通じて、主題の最も真実な表現が伝えられることを知っていました。拒絶や商業的敗北に逆らって、彼の絵画に対する疲れを知らない熱意は、物事の本質的な質とつながるという稀な贈り物を彼に与え、それを私たちが見ることができないかもしれない人々のために翻訳することを可能にしました。
特集画像: デイヴィッド・ボンバーグ - 行列, 1912-1914, パネルに貼られた紙に油彩, 28.9 x 68.8 cm, アシュモレアン美術考古学博物館, © デイヴィッド・ボンバーグ財団
すべての画像は説明目的のみで使用されています
フィリップ Barcio による
