ジェームズ・シエナ – あなたの典型的な抽象アーティストではない

ジェームス・シエナの絵画を見ることは、色と線の曲がりくねった、体系的な迷路に引き込まれることです。見るべき絵はありません。代わりに、さまよえる超越的なゾーンがあります。表面、空間、光が視覚的な振動に溶け合い、心は分析と受容の間で選択を強いられます。忍耐強く見るという単純な行為は、これほど無償で報われることはめったにありません。これらの色と線の絡み合いを見ることが催眠的であるなら、それを描くことを想像してみてください。特にシエナが最近制作した大規模な作品に関わる労力は、想像するのが難しいです。シエナが自分の表面の上で線を加え続ける姿を思い描くと、イギリスの彫刻家リチャード・ロングの初期のランドアート作品「歩くことによって作られた線」（1967年）を思い出します。それを作るために、ロングは同じ草地を何度も往復して歩きました。彼は後にこう振り返りました。「私は自然を自分の作品の主題にしたかったが、新しい方法で。私が歩くことによって作った最初の作品は、草原の中の直線であり、それはまた私自身の道でもあり、‘どこにも行かない’ものでした。」ある意味で、シエナはどこにも行かない線を作っており、その過程で、ロングのように、完成した作品自体にあまり注意を向けず、その制作に関わる計画と人間の労働により多くの注意を向けています。同様に、シエナが創り出す筋状の構成は、アルベルト・ブルリの傑作「グランデ・クレット」とのつながりを呼び起こします。地球の表面に彫刻されたその線状の亀裂の迷路は、観客に選択を強います：彼らはそれを通り抜けることも、遠くから見つめることもできます。この二つの体験はまったく異なり、相互に排他的です。同様に、私たちはジェームス・シエナの絵画を遠くから見つめることも、近づいてその線の絡み合いをナビゲートしようとすることもできます。これらの体験はまったく異なりますが、どちらも純粋な喜びの可能性を秘めています。

考えることと感じること

シエナは彼の絵画の実践について、思考を刺激することと感情を引き起こすことの二つの異なる観点から語ります。観客にとって、その二項対立は明らかです。私たちが見る線や形は現実との類似性を混乱させますが、それでも私たちはそれらが何であるか、何を表しているのか、または何を意味しているのかを考えずにはいられません。私たちはそれらがどのように作られたのか、何でできているのかを考えます。同時に、私たちは考えることに疲れてしまいます。ただ感じることを許すと、認知が認識できる以上の何かが起こっていると信じ始めます。パターンの感覚は自らを主張します—それは調和的であったり、不協和音であったりします。色の関係の感覚は、私たちを未知の力との合流に導きます—それは喜びをもたらすこともあれば、あるいは嫌悪感を引き起こすこともあります。この半分考え、半分感じる状態では、私たちはただ手放すチャンスを得ます。ロスコのカラーフィールドのように、絵画を見つめたり、その中を通り抜けたりすることは、純粋な喜びをもたらす解放を提供します。

ジェームス・シエナ - タナグラ、2006年。リトグラフ。構成（不規則）：28 7/8 x 43 3/16インチ（73.4 x 109.7 cm）；シート：29 1/2 x 43 7/8インチ（75 x 111.4 cm）。ユニバーサル・リミテッド・アート・エディションズ、ベイショア、NY。エミリー・フィッシャー・ランドーの寄贈。MoMAコレクション。© 2019 ジェームス・シエナ

しかし、彼が思考と感情の違いについて話すとき、シエナは私たち視聴者だけでなく、彼自身の芸術的手法についても言及しています。一見そうは見えないかもしれませんが、彼の絵画はすべて事前に計画されています。彼は構図の構造を決定するシステムを考案し、それを「視覚アルゴリズム」と呼んでいます。シエナはこのシステムに従い、絵画が自ら完成するまで進めます。それが思考の段階です。しかし、そのプロセスは彼の心と体の限界によって必然的に変わります。計画は機械的かもしれませんが、彼自身はアーティストです。彼の手は機械と同じレベルの正確さで動くことはできず、彼の心も絵画を制作する過程で完全に集中し続けることはできません。この作品は、計画と行動のコラボレーションであり、アルゴリズムの先見性と人間の脆弱性によって要求される代替の間のものです。バランスを保っているのは、私たちの時代に対する抽象的なコメントです：情報の時代の終わりと、想像の時代の夜明けです。

ジェームス・シエナ - 十二葉の鋸歯状非生物、2013年。エナメル、アルミニウム。19 1/4 x 15 1/8インチ。アーティストとペースギャラリーのご厚意により。写真提供：トム・バレット。

制作と作業

時々、ジェームス・シエナの絵画を見ているときに直面する難しさの一つは、どこで視線を止めるべきかを感じることです。絵のどの部分も焦点として際立つことはありません。主題はなく、ただ物質だけがあります。これは、シエナが作品の連続性に対して持っている献身の証です。彼は過去に時間について、時間を要するプロセスに関与しているときは、すべての瞬間が他の瞬間と同じくらい重要であるという概念について語っています。彼はその同じ哲学を視覚的な意味で彼の絵画に注入しています。絵は時間の記録です。作品の創造において、どの瞬間も他の瞬間よりも重要ではなく、絵のどの要素も他の要素よりも重要であると主張することはありませんが、各要素は独自です。

ジェームス・シエナ - ミシェル・カールソン博士、2011-2014年。アルミニウムにエナメル。19-1/4インチ x 15-1/4インチ。アーティストとペースギャラリーのご厚意により。© 2019 ジェームス・シエナ

彼の作品の連続体は、シエナが次々と絵を描く中で、彼の実践の連続体に移行します。彼の激しい生産は、より大きな絵画とより複雑なパターンを作るように彼を進化させましたが、彼の方法の基本は持続しています。彼の増大する複雑さは成熟と献身を示しています。アーティストが同じことを何度も繰り返すのは難しく、行動を微妙に変化させながらも、反復の概念に忠実でいることが求められます。想像力と独創性は、ますます微妙な場所に見出されなければなりません。アシスタントを使わないシエナのようなアーティストは、これらの線がなぜ描かれているのか、またこれらのシステムがなぜ発明されているのかを問うべきではなく、ただ制作と発明を楽しむべきです。同様に、こうした作品の考察に乗り出すためには、視聴者もまた、シンプルさへの同等の献身、想像力への同等の献身、そして喜びへの同等の開放性が必要です。

特集画像: ジェームス・シエナ - コアリション, 2011年。11色リトグラフ。22.50 x 18.00 インチ (57.1 x 45.7 cm)。エディション21部。© 2019 ジェームス・シエナ
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フィリップ Barcioによる