ジェームズ・シエナ – あなたの典型的な抽象アーティストではない
James Sienaの絵画を見ることは、色と線の曲がりくねった、秩序立った迷路に引き込まれることです。見るべき絵はありません。代わりに、さまよえる超越的な領域があります。表面、空間、光が一体となり視覚的な振動を生み出し、心は分析か受容かを選ばざるを得なくなります。忍耐強く見るという単純な行為がこれほどまでに報われることはめったにありません。これらの色と線の絡まりを見ることが催眠的なら、それを描くことを想像してみてください。特に最近の大作におけるその労力は想像しがたいものです。Sienaが一つの画面の上で線を一つ一つ加えていく様子は、イギリスの彫刻家リチャード・ロングによる初期のランドアート作品「A Line Made By Walking」（1967年）をかなり思い起こさせます。ロングは同じ草地を何度も往復して歩きました。彼は後にこう振り返っています。「自然を作品の主題にしたかったが、新しい方法で。歩いて作った最初の作品は草原の直線で、それは自分自身の道でもあり、『どこにも行かない』ものでした。」ある意味で、Sienaはどこにも行かない線を作っており、その過程でロングのように、完成した作品自体よりも、その制作に関わる計画や人間の労働により多くの注意を向けさせています。同様に、Sienaが作り出す筋肉質な構成は、アルベルト・ブッリの傑作「グランデ・クレット」とのつながりを呼び起こします。地球の表面に刻まれたその線状のひび割れの迷路は、鑑賞者に選択を迫ります。ひび割れの中を歩くか、十分に離れて眺めるか。二つの体験は全く異なり、相互に排他的です。同様に、私たちはJames Sienaの絵画を離れてじっと見つめることも、近づいてその線の絡まりをたどろうとすることもできます。どちらの体験も全く異なりますが、どちらも純粋な喜びの可能性を秘めています。
思考と感情
Sienaは自身の絵画制作を二つの異なる言葉で語ります：思考を促すこと、そして感情を引き起こすこと。鑑賞者にとって、その二分法は明白です。私たちが見る線や形は現実に似ているとは言えず、しかしそれが何であるか、何を表しているのか、何を意味するのかを考えずにはいられません。どのように作られたのか、何でできているのかを考えます。同時に、考えることに疲れてしまいます。単に感じることを許すと、認知では認識できない何かが起きていると信じ始めます。模様の感覚は自己主張し、それは調和的であったり、不協和音的であったりします。色の関係性の感覚は未知の力と合流させ、喜びをもたらすこともあれば、嫌悪をもたらすこともあります。この半分考え、半分感じる状態で、私たちはただ手放す機会を得ます。ロスコのカラーフィールドのように絵の中を見つめたり、透かして見たりすることは、純粋な喜びの解放をもたらします。
James Siena - タナグラ、2006年。リトグラフ。構図（不規則）：28 7/8 x 43 3/16インチ（73.4 x 109.7 cm）；用紙：29 1/2 x 43 7/8インチ（75 x 111.4 cm）。ユニバーサル・リミテッド・アート・エディションズ、ベイショア、NY。エミリー・フィッシャー・ランドー寄贈。MoMAコレクション。© 2019 James Siena
しかし、思考と感情の違いについて語るとき、Sienaは鑑賞者である私たちだけでなく、自身の芸術的手法についても言及しています。一見そうは見えませんが、彼の絵画はすべて事前に計画されています。彼は構成の構造を決定するシステム、彼が「視覚的アルゴリズム」と呼ぶものを考案します。Sienaはこのシステムに従い、絵画が自ら完成するまで進めます。これが思考の段階です。しかし、その過程は必然的に彼の心身の限界によって変化します。計画は機械的かもしれませんが、彼は芸術家として機械ではありません。彼の手は機械と同じ正確さで動くことはできず、制作過程で心も完璧に集中し続けることはできません。作品は計画と行動の協働であり、アルゴリズムの先見性と人間の弱さが要求する代替の間の協働です。その狭間に、情報時代の終わりと想像力の時代の夜明けという私たちの時代への抽象的なコメントがかかっています。
James Siena - 十二葉の鋸歯状非有機体、2013年。アルミニウムにエナメル。19 1/4 x 15 1/8インチ。作家およびペース・ギャラリー所蔵。写真：トム・バラット。
制作と作業
James Sienaの絵画を見るときに時折感じる難しさの一つは、どこで視線を止めるべきかがわからないことです。絵のどの部分も焦点として際立ちません。主題はなく、ただ物質があるだけです。これはSienaが作品の連続性にどれほど献身しているかの証です。彼は過去に時間について語り、時間を要する過程に関わるとき、すべての一秒が他の一秒と同じくらい重要であるという考えを述べています。彼はその哲学を視覚的な意味で絵画に込めています。絵は時間の記録です。制作のどの瞬間も他の瞬間より重要ではなく、絵のどの要素も他の要素より自己主張しませんが、それぞれが独自のものです。
James Siena - ドクター・ミシェル・カールソン、2011-2014年。アルミニウムにエナメル。19 1/4 x 15 1/4インチ。作家およびペース・ギャラリー所蔵。© 2019 James Siena
彼の作品の連続性は制作の連続性へとつながり、Sienaは次々と絵画を制作し続けています。彼の激しい制作活動は、より大きく複雑な模様の作品へと進化させましたが、その手法の基本は変わりません。増す複雑さは成熟と献身を示しています。同じことを繰り返し行うことは困難であり、わずかな変化を加えつつも反復の概念に忠実である必要があります。想像力と創意工夫はますます微妙な場所に見出されなければなりません。助手を使わないSienaのような芸術家は、なぜこれらの線が作られるのか、なぜこれらのシステムが考案されるのかを問わず、ただ制作と発明を楽しむべきです。同様に、鑑賞者がこうした作品の思索に取り組むには、単純さへの同等の献身、想像力への同等の献身、そして喜びへの同等の開放性が必要です。
表紙画像：James Siena - コアリション、2011年。11色リトグラフ。22.50 x 18.00インチ（57.1 x 45.7 cm）。21部限定。© 2019 James Siena
すべての画像は説明のために使用しています
著：Phillip Barcio
