パターンと装飾運動の主要人物
パターン・アンド・デコレーション運動は現代美術史において特別な位置を占めています。1960年代のフェミニスト美術運動から生まれたパターン・アンド・デコレーションは、具象と抽象の間にある「第三の方法」として自らを位置づけました。この運動の指導者たちは、装飾美術を制作する本能が文明の始まり以来、すべての人類文化にとって不可欠な側面であることを認識していました。しかし、彼らはまた、父権制の西洋文明がなぜか途中で、装飾美術を他のいわゆる純粋美術よりも重要でなく、真剣でないものとして従属させる立場を採用してきたことに気づきました。パターン・アンド・デコレーション運動の創始者たちはその前提を断固として拒否し、装飾的な作品に対する形式主義的アプローチが他のどの美学的立場と同様に関連性があり、意味深く、歴史的に重要であると宣言しました。パターン・アンド・デコレーション運動の全体的な哲学は、1978年に運動の創始者の一人であるヴァレリー・ジョードンとジョイス・コズロフによって、その壮大な宣言文『進歩と文化の芸術的ヒステリー的概念』で明らかにされました。その冒頭の一節はこう述べています。「私たちはフェミニストであり、装飾的なものを自分たちの絵画で探求する芸術家として、現代美術界で『装飾的』という言葉が軽蔑的に使われていることに興味を持ちました。モダンアートの基本的な文献を再読する中で、装飾的なものに対する偏見は長い歴史を持ち、階層構造に基づいていることに気づきました。純粋美術は装飾美術より上、西洋美術は非西洋美術より上、男性の美術は女性の美術より上という階層です。これらの階層に注目することで、西洋文明の美術の道徳的優越性に基づく不穏な信念体系を発見しました。」この運動の指導者たちは、こうした時代遅れで無用な階層を歴史の塵芥に追いやることを目指しました。彼らの仕事の遺産は、感覚的な美しさと知的な驚異に満ちています。実際、今になってようやく観客はこの重要な運動の力を真に理解し、現代美術の分野をより公平で、より寛容で、より充実したものにする上で果たし続けている役割を認識し始めています。
運動の五人の指導者
1960年にはすでに、ミリアム・シャピロは当時の主流の美学的傾向を捨て、主に女性としての自己のアイデンティティに基づく独自の視覚的声を見出そうとしていました。彼女の最初の原型的フェミニスト作品は「聖域」と呼ばれ、女性性、精神性、そして区分されたモダニズムの格子言語の間の神聖な橋渡しの役割を果たしました。彼女はその後、巨大な「扇」や、典型的な女性の象徴を大胆かつ輝かしいイメージで表現した硬質で幾何学的な抽象作品群など、いくつかの特徴的なフェミニスト作品群を制作しました。1973年には、史上最も重要なフェミニスト作品の一つである「ウーマンハウス」に参加しました。また、コラージュやアッサンブラージュのような純粋美術の技法と、縫製のような工芸技法を融合させる独特の方法を「フェマージュ」と名付けました。
ミリアム・シャピロ - ドーマー、1979年。アクリル、織物、紙をキャンバスに使用。178.5 x 102 cm。アーヘン国際美術フォーラム所蔵。写真：カール・ブルン / アーヘン国際美術フォーラム © ミリアム・シャピロ遺産 / ビルトレヒト・ウィーン、2019年。
ジョイス・コズロフは1970年代初頭にメキシコに住み、その後モロッコやトルコを訪れた際に、装飾美術の歴史的な軽視に関する啓示を得ました。これらの地で古代の美的伝統が日常生活の中で今なお生き生きと息づいていることに触発され、彼女はこのテーマに関して様々な方面で自身の考えを追求しました。伝統的に装飾工芸に割り当てられてきた方法や素材を用いた大規模な絵画やマルチメディアのインスタレーションを制作し、フェミニストの社会運動に参加し、芸術と政治に関するフェミニスト出版物『HERESIES』を発行したヘレシーズ・コレクティブに加わり、前述のパターン・アンド・デコレーション宣言文の共著者でもあります。運動を創設して以来の数十年で、コズロフは公共芸術の分野でより活発に活動し、地図作成という概念を地理的および文化的な意味で基盤とした独特の美学的声を発展させました。
ジョイス・コズロフ - もし私が植物学者なら 地中海。9パネルのうちの3パネル。アクリル、アーカイバル・デジタル・インクジェット印刷、コラージュをキャンバスに使用。54インチ x 360インチ。© ジョイス・コズロフ
パターン・アンド・デコレーション宣言文の共著に加え、ヴァレリー・ジョードンは運動の中で最も自信に満ちた美学的声の一つとしての地位を確立しました。彼女の独特のスタイルは、書道的な筆跡と中東の装飾様式を想起させる模様やデザインを融合させています。絵画や紙作品に加え、ジョードンは床の象嵌、天井画、巨大な公共公園の設置作品など、12以上の大規模な公共プロジェクトを手がけています。その中で最大のものは、ミズーリ州セントルイスの連邦裁判所敷地内にある巨大な「フィリピン庭園（2004年）」というセメントの小道です。その構成は彼女の作品群に典型的で、同時に親しみやすくも異国的であり、その起源は美しく曖昧で、自然や建築の環境に見事に溶け込んでいます。
ヴァレリー・ジョードン - ハティスバーグ、1979年。油彩、キャンバス。223.5 x 335.5 cm。アーヘン国際美術フォーラム所蔵。写真：カール・ブルン / アーヘン国際美術フォーラム。© ビルトレヒト・ウィーン、2019年。
1960年代後半にはすでに、スーザン・ミコードはモダニズムの抽象と様々な古代先住民の伝統的美学の中間に位置する美学的立場を発展させていました。彼女の作品はこれら二つの協調的視点の境界線上にあり、オプ・アートの催眠的な驚異と、前コロンブス期中央アメリカの美術形式に見られる厳粛な幾何学模様の両方を想起させます。ミコードはパターン・アンド・デコレーション運動にアーティストとして貢献しただけでなく、シカゴのアルテミシア・ギャラリーの共同設立者でもありました。そこはジュディ・シカゴ、ミリアム・シャピロ、ジョイス・コズロフ、ナンシー・スペロなど多くの著名な女性芸術家が初期の作品を発表した影響力のある展示空間でした。
スーザン・ミコード - アステカの覆い、2003年。アクリル、紙。40 x 30インチ。© スーザン・ミコード
ミリアム・シャピロと共に、ロバート・クッシュナーは最も初期のパターン・アンド・デコレーション展覧会のいくつかを組織しました。クッシュナーは広告イラストの世界から美術の世界に入り、1961年にフランツ・クラインの作品展を見て広告業界を離れました。しかし、独自の声を確立するまでには数年を要しました。抽象表現主義、ミニマリズム、カラーフィールド・ペインティングなど様々なスタイルを試した後、1972年に当時の主流の傾向を捨て、キャンバスにステンシルで「形」を「全面的に」配置する個人的な様式的飛躍を遂げました。1970年代を通じて、これらのパターン化されたステンシル絵画はより多くの花のイメージを取り入れ、装飾の形式主義的祝福と対称的な庭園の具象表現の中間の立場を受け入れました。
ロバート・クッシュナー - ピンクの葉、1979年。アクリル、様々な織物。205 x 330.5 cm。ブダペスト現代美術館ルートヴィヒ美術館所蔵。Peter und Irene Ludwigの寄贈。写真：ブダペスト現代美術館ルートヴィヒ美術館。© ロバート・クッシュナー
表紙画像：スーザン・ミコード - 無題、1977年。水彩、紙。30インチ x 22.5インチ（76.2 cm x 57.15 cm）。ニューヨーク州ロングアイランドシティのRoGallery所蔵。© スーザン・ミコード
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作成者 Phillip Barcio
