カラーフィールドの先駆者たちから私たちは何を学んだのか？

抽象表現主義を考えると、何が思い浮かびますか？絵画をキャンバスに感情的に充満したジェスチャーで投げたり、垂らしたり、飛び散らせたり、塗りたくったりする画家を想像しますか？アクション・ペインティングはアブストラクト・エクスプレッショニズムの大きな部分を占めていましたが、運動にはより控えめな側面もありました。カラー・フィールド・ペインティングと呼ばれるものは、色の空間で構成された平坦で非絵画的な表面を含んでいました。カラー・フィールド・ペインティングでは、アーティストの個性はアクション・ペインティングよりも目立たなくなります。アクション・ペインターが自らの無意識の思考を作品を通じて伝えたのに対し、カラー・フィールド・ペインターは観客が自らの啓示を体験するためのアリーナを提供する作品を創造しました。

ポストペインタリー・アブストラクション

「ペインタリー」という用語は、絵画の表面が持つことができる特性、例えば筆致やテクスチャーなど、作品においてアーティストの手が明らかである特性を指します。例えば、筆致がはっきりと見え、画家の個々の技法が明らかな厚く塗られた絵画は、ペインタリーであると言えるでしょう。ポスト・ペインタリー・アブストラクションは、1960年代に登場した運動で、ペインタリーな作品を避ける画家たちが特徴です。

「ポスト・ペインタリー・アブストラクション」というフレーズは、アート批評家クレメント・グリーンバーグによって造られ、1964年にロサンゼルス郡美術館でデビューした展覧会のタイトルとして使用されました。その展覧会には31人のアーティストが参加し、その多くは抽象表現主義に関連していました。以前の抽象表現主義の画家、ジャクソン・ポロックやウィレム・デ・クーニングのような画家たちは、彼らの個々の技法が作品の表面の質感に明らかに表れている絵画を制作しましたが、ポスト・ペインタリー・アブストラクショニストたちは、アーティストの手が明らかでない平坦な表面を持つ抽象作品を制作しました。

ロバート・マザーウェル- スペイン共和国へのエレジー第110号、1971年、アクリル、グラファイト、チャコールをキャンバスに使用、ロバート・マザーウェル © デダラス財団、インク/ライセンス供与 VAGA, ニューヨーク, NY

カラーフィールドアーティスト

ポストペインタリー抽象主義者の中には、カラーフィールドの画家たちとして知られるグループがいました。彼らの名前は、これらのアーティストが作品に大きな色の領域を取り入れる傾向を指していました。彼らのカラーフィールドは、作品をじっくりと観察することで観客を完全に包み込むことができました。それは単なる塗られた表面ではなく、内省が行われる領域でもありました。

カラーフィールドの画家たちは革命的でした。なぜなら、彼らは表面を主題を描くための背景として使用するのではなく、表面自体が主題となるようにしたからです。彼らは絵画の中で形を避けました。何のイメージも存在しませんでした。背景と前景は一体でした。カラーフィールドには独自の文脈はなく、むしろ観客が個人的な何か、あるいは神話的な何かとつながり、イメージの限界を超えることができる場所でした。

フランク・ステラ - ハラン II, 1967, ポリマーおよび蛍光ポリマーペイント、キャンバス上、120 × 240 インチ、デ・ヤング美術館、サンフランシスコ, © 2019 フランク・ステラ / アーティスト権利協会 (ARS), ニューヨーク

キャンバス上のアリーナ

アブストラクト・エクスプレッショニズムは、キャンバスを何かが起こるアリーナと見なします。アクション・ペインターの作品にはドラマと感情が存在します。一方、カラーフィールド・ペインターもキャンバスをアリーナとして利用しますが、彼ら自身のドラマが展開されるのではなく、観客自身の内省が、出現するドラマに寄与したり、さらには完全に創造したりする場所です。カラーフィールドの絵画は観客を作品に引き込み、単なる絵の具、色、表面以上のことを考えるように招待します。彼らは、自分自身を考察するように招かれ、絵画のアリーナをその個人的な旅のタリスマンのように使います。

カラーフィールドの絵画を見るときには、持続的な反省が必要です。アクションペインティングからの即時的な刺激を体験したり、幾何学的抽象作品から調和を感じたり、具象作品からノスタルジー、ロマンス、喜びを感じたりするのではなく、カラーフィールドの絵画の観客は新たな啓示に向かって内面を見つめなければなりません。しかし、自由はまた、重荷にもなり得ます。アクションペインターたちの苦悩は、彼らの内なる自己を表現する完全な自由から来ることが多いです。カラーフィールドの絵画では、その忌まわしい自由の感覚が観客に引き継がれます。

非目的的感情の領域

ラベルを拒否したにもかかわらず、マーク・ロスコは、多くの人々によって最も影響力のあるカラーフィールドの画家と見なされています。ロスコの象徴的な絵画は、色の水平バンドで構成されており、それぞれがあいまいな方法で相互に関与し、エッジで混ざり合っています。彼の絵画は時にはオレンジ、黄色、赤などの明るい色合いで構成され、他の時には青、茶色、黒が特徴です。これらの絵画に直面する観客は、興奮や喜びから厳粛さ、さらには絶望に至るまで、しばしば感情に圧倒されます。ロスコは自分の作品について次のように述べています。「私の絵の前で泣く人々は、私がそれらを描いたときに持ったのと同じ宗教的体験をしている。」

マーク・ロスコ - オレンジとイエロー、1956年、キャンバスに油彩、180.3 x 231.1 cm、アルブライト・ノックス美術館、バッファロー、NY、アメリカ

ジップライン

バーネット・ニューマンはロスコの作品と似たような作品を制作しましたが、観客に与える影響は大きく異なりました。ニューマンのカラーフィールド絵画は、非常に薄い色の帯で分けられた垂直の色の帯を特徴とし、これらは時に「ジップ」と呼ばれます。ニューマンのジップ絵画は、時には単一のジップ、時には複数のジップを特徴とします。ジップのエッジは時にははっきりとしており、他の時には周囲の色のフィールドと混ざり合います。ニューマンの作品の垂直性とジップの存在は、ロスコの作品とは異なる感情的な反応を生み出します。

ジップの何かが、目が一つの場所に長く焦点を合わせるのを妨げます。垂直の線は擬人化された特性を持つことがあり、まるでそれが人物やレーンを表しているかのようです。それは目を引き寄せ、再び色のフィールドへと目を移させます。ニューマンの作品は勇敢さを伝え、このためにロスコの作品よりも少し不安を感じさせます。それらは神経質で非常に現代的な考察を招きます。

バーネット・ニューマン - オネメント I, 1948年, キャンバスに油彩およびキャンバス上のマスキングテープに油彩, 27 1/4 x 16 1/4インチ (69.2 x 41.2 cm), © 2019 バーネット・ニューマン財団 / アーティスト権利協会 (ARS), ニューヨーク

ユニオンと啓示

クライフォード・スティルのカラーフィールドの絵画は、ロスコやニューマンの作品とはまったく異なる存在感を持っています。それらの中の色彩空間は、変化や進化の状態にあるように見えます。彼らには有機的な質があります。特定の形は存在しないものの、領域は移動し、相互作用し、未来の形の可能性を示唆しているようです。ロスコやニューマンが作った絵には安定感がありますが、スティルの絵画は変化の感覚をより強く投影しています。異なる力が彼らの中で結びつき、すべてが流動的であるため、内省の時間は限られていることを示唆しています。スティルは彼の絵画についてこう述べています。「これは通常の意味での絵画ではない。恐ろしい結合の中で生命と死が融合している。私にとって、彼らは火を灯し、彼らを通して私は再び呼吸し、黄金の糸を持ち、自分自身の啓示を見つける。」

クライフォード・スティル - PH-971, 1957年, 油彩, 113 1/4 インチ x 148 インチ x 2 1/4 インチ, SFMoMAコレクション, © デンバー市および郡, クライフォード・スティル美術館 / アーティスト権利協会 (ARS), ニューヨーク

感情の溢れ出し

ヘレン・フランケンセラーは、最も革新的なカラーフィールドの画家の一人でした。彼女は、薄めた絵具を直接キャンバスの表面に注ぐことで、下地処理をしていないキャンバスに染み込ませる革新的な技法を開発しました。絵具を道具で広げるのではなく注ぐことによって、彼女はアーティストの手の痕跡を完全に避け、より平坦な平面を作り出しました。また、絵具がキャンバスと予期しない方法で広がり、相互作用することを許しました。染み込んだ部分は互いに滲み合い、互いに変化し、組み合わさることが許されました。フランケンセラーの染み技法の結果は、深く有機的な自然のプロセスを伝える絵画でした。

ヘレン・フランケンタラー - キャニオン, 1965年, アクリル画, 44 x 52 インチ, © 2019 アーティスト権利協会 (ARS), ニューヨーク

汚れた外観

モリス・ルイスはフランケンターラーの染み技法に深く影響を受け、それを修正して自らの独自の美的アプローチを発展させました。フランケンターラーのように、ルイスも薄めた絵具をキャンバスに注ぎ込み、染みのような外観を得ましたが、彼はキャンバスを漏斗のように折りたたむことに似た、厳重に保護された独自の技法を利用して行いました。ルイスが創り出した色のフィールドは、観る者を神秘的で内省的な思考空間へと引き込む不気味な質を持っています。

モリス・ルイス - サリエント, 1954年, アクリル樹脂（マグナ）キャンバス上, 74 1/2 x 99 1/4 インチ (189.2 x 252.1 cm), © 2019 アーティスト権利協会 (ARS), ニューヨーク

もう少し雰囲気を

フランクセンラーとルイのアイデアを基に、ジュール・オリツキは彼自身のユニークな技法を発展させました。彼はスプレーガンを使ってキャンバスにペイントを施し、各層の上に軽くペイントをスプレーして、今日でも未来的に感じられる光り輝く大気的な色のフィールドを作り出しました。オリツキの特徴的なスタイルは、キャンバスの外縁近くに追加されたハードエッジのラインでも特徴づけられました。その境界のジェスチャーは、フレーム内に提示される主題の概念を再導入するかのように、カラー・フィールド・ペインティングの終焉を予告しているようです。

ジュール・オリツキ - パトゥツキー・イン・パラダイス, 1966, © ジュール・オリツキ・エステート/ライセンス提供 VAGA, ニューヨーク

考察としての永続的な遺産

これらのカラーフィールドの先駆者たちは、単なるアートオブジェクトとしてだけでなく、観客の超越的な美的体験への仲介者として機能する絵画を創造することに成功しました。色そのもの以外に主題を持たない作品を創造することで、彼らは絵画の認識方法を変え、絵画を新しい神話的かつ精神的な領域へと導きました。考察はカラーフィールドの先駆者たちの不朽の遺産です。私たちの多くにとって、彼らの絵画はお守りであり、より内省的な心の状態へと導く道筋を示しています。

特集画像: ヘレン・フランケンタラー - 山と海, 1952年, 油彩と木炭を使用した未処理のキャンバス, 86 3/8 × 117 1/4 インチ (219.4 × 297.8 cm), © 2019 ヘレン・フランケンタラー財団, Inc./アーティスト権利協会 (ARS), ニューヨーク
すべての画像は説明目的のみで使用されています
フィリップ Barcio による