今日のアーティストたち：ロスコのカラーフィールドペインティングスタイルに触発されて
沈黙は、これほど正確なのです。
Mark Rothko
今日、Mark Rothkoの象徴的なカラーフィールド・ペインティングのスタイルを受け継ぐ人々を探すとき、私たちは彼の作品に似た見た目の作品だけを探すことはできません。同じような思想に基づく作品にも目を向けなければなりません。現代のカラーフィールド・アーティストがRothkoの視覚的なスタイルを模倣することと、Rothkoの意図を共有し、それを見事に伝えることは別物です。では、Rothkoの意図が何だったのかを、どうすれば知ることができるのでしょうか。答えは簡単です。彼自身が語っているからです。
1971年、テキサス州ヒューストン市は、唯一無二の芸術作品を受け入れました。それがRothko Chapelです。これは、Rothkoの大判絵画14点を収めたモダニズム様式の八角形の建物です。入口には、世界各地の宗教の聖典が来訪者のために用意されています。来訪者は本を一冊持って中に入ってもよく、持って入らなくてもかまいません。Rothkoは、建物とその内部に収められた作品を、一つの作品とみなしていました。このチャペルは、彼の芸術における決定的な成果です。それは、彼の絵画がそれ自体で完結するものとしてではなく、鑑賞者が色を通じてより大きな体験に触れるための手段として見られるべきだというRothkoの意図を明確にしています。
つまりRothkoは、鑑賞者に色の配置を鑑賞する以上のことを求めていました。彼は、色との出会いによって、感情や内省、そして自らの内的体験への高まった意識のための空間が開かれることを望んでいたのです。彼自身の言葉を借りれば、「色彩の関係性に心を動かされるだけなら、要点を見失っている」。
以下の10人のアーティストは、その意図を受け継いでいます。そのうち5人はIdeelArtで取り扱っており、私たちは彼らの制作活動をスタジオで詳しく見てきました。残りの5人は私たちのラインナップ外で活動しています。誰一人としてRothkoを模倣してはいません。それぞれが異なる媒体を通じて、色や光を目的地ではなく、通過点として扱っています。
Rothkoの意図を共有するIdeelArtの5人のアーティスト
Paul Snell
タスマニア州ローンセストンを拠点に活動するオーストラリア人アーティスト、Paul Snellは、場所や物を撮影した写真から制作を始め、デジタル処理によって認識できる要素をすべて取り除き、色の帯、リズム、光だけが残るまで変容させます。完成した作品は、金属光沢紙に印刷したクロモジェニックプリントをプレキシグラスにマウントしたもので、絵画のような輝きを放ちます。Snellは自身の目的を明快に語っています。「色、リズム、空間に鑑賞者を没入させ、内省と超越の感覚体験を生み出すこと」。私たちが取り扱うアーティストの中で、彼の言葉はRothko自身の言葉に最も近いものです。
Anne Katrine Senstad
ニューヨークとオスロを拠点に活動するノルウェー人アーティストAnne Katrine Senstadは、写真、映像、ネオン、没入型インスタレーションを横断して制作しています。2020年にニューヨークのFreight + Volumeで発表されたシリーズColor Kinesthesiaは、ロスコのカラーフィールド・ペインティングとの対話の中で構想されました。タイトルは、色の変化に対する身体の反応を指しており、彼女はそれをカラーフィルムのネガを撮影することで捉えています。Senstadは、自身の作品を精神的なものではなく、光、音、色に対する知覚的・認知的な反応として説明しています。この違いが、彼女を魅力的な継承者にしています。彼女は信仰ではなく知覚を通じて、ロスコの開かれた内的空間へと到達するのです。彼女はジェームズ・タレルとともに、ジェッダのAthr Galleryで開催された光のアート展Through The Spectrumにも出展しています。
SenstadはテレビシリーズImmersive Worldにも取り上げられました。このエピソードでは光の彫刻が探求され、彼女の実践がAnthony McCallやDan Flavinの活動と並べて紹介されています。この文脈は、記事の中心的な考えを広げるものです。色は、没入型の体験となるために、必ずしも絵画の表面にとどまる必要はありません。
Yari Ostovany
サンフランシスコを拠点に活動する、イラン生まれのアメリカ人画家Yari Ostovanyは、顔料を加え、洗い流し、削り取り、溶かすという長いプロセスを通じて、豊かな層を持つカラーフィールドを生み出します。それぞれの絵画は、彼が「身振りの爆発」と呼ぶものから始まります。それは書のような痕跡で、彼はそれをこすり、薄めながら、下にある層と溶け合わせていきます。彼の実践は、抽象表現主義とカラーフィールド・ペインティング、そして東西の複数の神秘思想に根ざしています。『Numinous』『Missa in Angustiis（苦難の時代のミサ）』『鳥たちの会議』といったタイトルが、その意図を明確に示しています。これらは、単に眺めるためではなく、入り込むための絵画です。
Arvid Boecker
ドイツ人画家Arvid Boeckerはハイデルベルクで制作しています。彼はそれぞれの絵画を鉛筆で描いた構図から始め、色の層をゆっくりと重ねていきます。その後、シルクスクリーン用のスキージーで一部を取り除き、浸食の痕跡を見えるまま残します。彼はその結果を「色彩の考古学」と呼んでいます。ロスコのヴェールに包まれた長方形のように、Boeckerの地層はじっくりと見ることで真価を発揮します。表面とともに過ごす時間が長いほど、視線は色と光を通り抜け、静かに過ぎゆく時間への意識へと、さらに内側へ進んでいきます。「真面目で、あまり真面目ではない：14の質問で知るArvid Boecker」で、彼との対話をお読みください。
Kim Uchiyama
ニューヨークの画家Kim Uchiyamaは、色によって光と形を構築し、絵画空間が持つ形而上学的な可能性を開きます。彼女は、ハンス・ホフマンに学んだ画家ニコラス・カローネに師事し、色を絵画の構造として捉える彼らの姿勢を共有しています。制作を始める前、彼女は何も描かれていない画面に最初の色が「見える」まで待ち、そこから不透明な色や半透明の色を使って色の形によるグリッドを組み立てます。特定の場所の光に触発されることも多く、外観ではなく、その場所の感情的な本質を伝えるために色を用います。見えるものから感じられるものへと移し替えるこの営みこそ、ロスコが求めたものでした。
私たちの所属作家以外の5人のアーティスト
Sean Scully
1945年にダブリンで生まれたSean Scullyは、今日活動する最も影響力のある抽象画家の一人であり、ロスコと最も頻繁に比較される画家です。その比較には根拠があります。ウォール・オブ・ライト シリーズを始めた翌年の1999年、彼は《Rothko: Bodies of Light》と題したエッセイを執筆しました。スカリーは、自身の課題を抽象表現と現実世界を再び結びつけること、つまり人々が抽象画の前で直接的な感覚を得られるようにすることだと述べています。同時に、自らの違いも示しています。彼は、ロスコとは異なり、自分は受動的ではないと語っています。積み重ねられた色のレンガは、構築され、重みを持ち、物質的な存在感を備えています。2026年には、ザルツブルクのThaddaeus Ropacで展覧会《To Feel》が開幕し、プロヴァンスのシャトー・ラ・コストでは《Stack》シリーズ全作品が公開されました。
Sean Scully - Wall of Light Peru - 2000 - ノースカロライナ美術館所蔵
James Turrell
James Turrellは1943年にロサンゼルスで生まれ、60年にわたり光そのものを扱ってきました。天井の開口部を通して空に開かれた空間であるスカイスペースや、没入型の光の部屋によって、色をその中に立つものへと変えます。彼の中心的な言葉は、ロスコへの注釈のように響きます。「私の作品は、あなたが見ることについてのものです。」クエーカー教徒の家庭で育った彼は、礼拝者たちが内なる光を待ちながら共に静かに座る、沈黙の集会に参加しました。2026年6月、デンマークのARoSオーフス美術館で、彼の美術館内最大のスカイスペース《As Seen Below》が開場しました。これは彼にとって100作目のスカイスペースです。
James Turell - Skeet - 1989 - カルティエ現代美術財団
Mary Corse
1945年にバークレーで生まれたメアリー・コースは、カリフォルニアのライト・アンド・スペース運動の中心となった数少ない女性の一人です。1968年、道路標示に使われるビーズ状のガラス微小球を発見し、それを絵具に混ぜ始めました。彼女の「White Light」作品は、鑑賞者が動くと変化します。光が絵に描かれているのではなく、絵の中に存在しているからです。彼女は「アートは壁にあるのではなく、鑑賞者の知覚の中にある」と語っています。ロスコと同じく、彼女は作品の所在を出会いの中に置いています。彼女の初の美術館回顧展は2018年にホイットニー美術館で開幕し、2019年にLACMAへ巡回しました。
ペース・ギャラリーでのメアリー・コース - 2025年
オラファー・エリアソン
1967年にコペンハーゲンで生まれ、デンマークとアイスランドで育ったオラファー・エリアソンは、ベルリンの大規模なスタジオを拠点に活動しています。色のついた光、霧、反射で構成される彼の空間は、彼が「自分が感じていることを感じ取る」と呼ぶ考えを軸に作られています。つまり、体験しながら、自分が体験していることを意識するということです。エリアソンは、この表現が、知覚する自分自身を知覚することについて語ったライト・アンド・スペースの作家、ロバート・アーウィンに大きく負っていると認めています。ロスコは鑑賞者に、自身の内的体験への意識を高めることを求めました。エリアソンはその意識自体を主題にしました。彼はしばしばタイトルに「your」という言葉を置き、観客への信頼を示します。
オラファー・エリアソン - ターニャ・ボナクダー・ギャラリーでの展覧会Reality Machinesより - 2016年
レイチェル・ガラード
1984年にデヴォンで生まれ、ニューヨークとメキシコを行き来しながら暮らすイギリス人アーティスト、レイチェル・ガラードは、旅先で採取した岩石や鉱物から自ら顔料をすりつぶして作ります。その中には水晶や灰も含まれます。彼女は自身の実践を、科学的研究と秘教的実践の間を行き来する旅と表現しており、作品は瞑想から影響を受けています。彼女の絵画にはイメージも固定された意味もありません。言語を超えた体験、外の世界と内なる世界とのつながりを目指しています。同世代のアーティストの中でも、絵画は物体ではなく敷居であるというロスコの確信に最も近い作家の一人です。
レイチェル・ガラード - Inflect, 2015
表面を超えて
ロスコの晩年の絵画は、時間と静けさを求めます。この10の作品群も同じです。油彩、水彩、岩石顔料、フィルムのネガ、ガラスビーズ、あるいは空そのものを用いて制作された作品群です。それらを結びつけるのは、長方形でもパレットでもなく、共通する確信です。十分な注意を向けられた色彩は、私たちを自分自身へと立ち戻らせることができるという確信です。
当ギャラリーのミニマルな作品で、さらに静謐な抽象表現を探求するか、マーク・ロスコ完全ガイドをお読みください。
フランシス・ベルトミエ
注目の画像：Yari Ostovany - The Third Script 45, 2023（ディテール）すべての画像はイメージ目的でのみ使用されています
