メアリー・コース：ホイットニー美術館における光の調査
メリー・コースのキャリアに関する大規模な回顧展が、ニューヨークのホイットニー美術館で今夏開催されています。メリー・コース：光の調査というタイトルのこの展覧会は、過去50年間に彼女がスタジオで行ってきた多くの重要な発見に触れています。ほとんど回顧的に、現在の学問はコースを1950年代と60年代にカリフォルニアで生まれた光と空間の運動の一員として定量化しています。実際、これは表面的には、このアーティストについて言うのに適切な表現のように思えます。なぜなら、光と空間は彼女が制作した多くの作品にとって不可欠だからです。しかし、この展覧会が示すように、彼女の作品は実際にはその便利なラベルが示唆するよりもはるかに分類が難しいのです。光と空間に加えて、コースはキャリアの過程で平面性、知覚、主観性、そして「少ないことはより多いこと」という考えを含む多くの他のアイデアに取り組んできました。ある意味で、彼女はアートと同じくらい科学や哲学にも興味を持っています。彼女の最大の関心の一つは、アート作品はそれを知覚できる人間の心がなければ存在できないという考えです。
木がなければ森もない
古い謎があります。おそらくあなたも聞いたことがあるでしょう。「もし森の中で木が倒れたとしても、誰もそれを聞いていなければ、音はするのか？」メアリー・コースは2015年にブルックリン・レールのアレックス・ベーコンとのインタビューでその質問についての見解を述べました。彼女は「知覚なしに外部の現実は存在しない。言い換えれば、誰も見ていなければ木は倒れない」と言いました。この謎に関するすべては人間に依存しています。森の中に認知的知覚能力を持つ人がいなければ、木は音を出さないだけでなく、木自体も存在しません。なぜなら、木という言葉、森の概念、音の概念—これらはすべて人間の構築物だからです。それらは私たちの心の中だけで具体的な現実とは独立して存在します。存在の概念は知覚を要求します。
メアリー・コース - 無題（ブラックアースシリーズ）、1978年。セラミック、2枚のタイル、96 x 48 インチ（243.8 x 121.9 cm）。提供：ケイン・グリフィン・コーカラン（ロサンゼルス）、レーマン・マウピン（ニューヨーク）、リッソン・ギャラリー（ロンドン）。写真 © メアリー・コース
したがって、芸術とは、身体によって顕現され、心によって翻訳される存在の再形成です。コースは、光と空間のアーティストというよりも、光と空間の特性によって現実の経験が影響を受けたアーティストです。彼女の影響は、1960年代のある夜、運転中に道路の白いラインの反射的な性質に気づいたときに始まりました。彼女はその経験を通じて光と空間の存在を感じました。スタジオに戻り、その経験を翻訳し、物理的なオブジェクトに再形成しようとしたとき、彼女の努力は、ペイントされた道路のラインに見られる同じガラスの球体を探し求めることにつながりました。これにより、観客が彼女の作品に出会ったとき、彼女が車の中で感じたのと同じ感覚を共有する可能性が生まれました。
メアリー・コース - 無題（ブラックアースシリーズ）、1978年。セラミック、2枚のタイル、96 x 48 インチ（243.8 x 121.9 cm）。提供：ケイン・グリフィン・コーカラン（ロサンゼルス）、レーマン・マウピン（ニューヨーク）、リッソン・ギャラリー（ロンドン）。写真 © メアリー・コース
光、空間、色、地球、心
彼女のガラスオーブの絵画に加えて、ホイットニーの回顧展はコースが発展させた他の多くの作品群も探求しています。一例として、彼女のライトボックスがあります。彼女は最初、電球で満たされた箱を壁に吊るし、そこからワイヤーを垂らして作りました。それから彼女は壁を取り除き、天井に取り付けたワイヤーからライトボックスを吊るしました。そして、彼女はワイヤーを完全に取り除きたいと思い、物理のコースを受講し、テスラコイルを使って自分の発電機を作る方法を学びました。コースは、作品に彼女の手の痕跡が全く残らないように、体験を隔離しようとしていました。彼女は完全に客観的な体験を作りたいと考えていました。
メアリー・コース - 無題（ホワイト・マルチプル・インナー・バンド）、2003年。ガラスミクロスフィアとアクリル、キャンバス上、96 x 240 インチ（243.8 x 609.6 cm）。提供：ケイン・グリフィン・コーカラン（ロサンゼルス）、レーマン・マウピン（ニューヨーク）、リッソン・ギャラリー（ロンドン）。写真 © メアリー・コース
しかし、彼女の物理学の研究は量子物理学に導き、彼女に木と森の教訓を教えました：客観性など存在しないということです；すべては主観的です。彼女が知覚の主観性を再び受け入れると、コースはプラスチックと光から離れ、彼女が「ブラックアースペインティング」と呼ぶ作品群を作りました—彼女のカリフォルニアの田舎の家の周りの土の印象を模した黒い陶器のスラブです。ホイットニー展に明らかなように、これらのブラックアースペインティングの陶器の表面はまだ光を反射しますが、その光は彼らの唯一の関心事ではありません。観客がそれらの周りを歩くにつれて、その存在は変化し、作品は動的になります。つまり、それらは実際にはエネルギー、動きと光の両方の根本的な原則についてのものです。
メアリー・コース - 無題（ホワイトダイヤモンド、ネガティブストライプ）、1965年。アクリル画、84 x 84 インチ（213.36 x 213.36 cm）。マイケル・ストラウスのコレクション。写真 © メアリー・コース
アートは心の状態である
彼女のライトボックス、ホワイトライトの絵画、ブラックアースの絵画に加えて、ホイットニーの調査には、コースが制作する自立型の多パネル彫刻の例も含まれています。これらの作品は、白く塗られた表面から光を反射させることで光を利用し、パネルの間に存在する空の細い帯も利用しています。その分割は、空虚で構成されており、コースがしばしば戻ってくるアイデアです。彼女の初期の作品では、彼女は絵画を縦のストライプで分割しました。最近の作品のいくつかでは、中心線も存在しますが、正面からのみ見ることができ、横から見ると消えてしまいます。同様に、彼女の自立型彫刻の一つを横から見ると、その分割も消えてしまいます。これにより、存在と知覚の関係についての疑問が再び提起されます。
メアリー・コース - 無題（2つの三角柱）、1965年。アクリル、木材およびプレキシガラス、2部構成、92 x 18 1/8 x 18 1/8 インチ（233.7 x 46 x 46 cm）および 92 x 18 1/16 x 18 インチ（233.7 x 45.9 x 45.7 cm）。ホイットニー美術館、ニューヨーク；マイケル・ストラウスからハワードとヘレイン・ストラウスの愛の記憶としての贈り物 2016.6a-b
興味深いことに、そのような質問は彼女の職業キャリアの中心でもあります。コースの作品への関心は近年、非常に大きく広がっています。彼女は常に静かに活動し、展示は稀で、同時代の人々と関わることもほとんどありませんでした。今、多くの人々や機関が彼女の業績を認識するようになり、彼女のキャリアはより具体的になっています。これが、今こそホイットニーでのこのような展覧会が重要である理由です。それは、コースが時代を超えた存在であり、分類不可能であることを示すことで、アート界の気まぐれという病気に対抗する消毒剤のような役割を果たします。彼女の作品は、光と空間のアーティストとしての定義を否定し、心が認識できる限りにおいて複雑であることを示しています。
特集画像: メアリー・コース - 無題 (空間 + 電気光), 1968年。アルゴン光、アクリル板、高周波発生器、45 1/4 x 45 1/4 x 4 3/4 インチ (114.9 x 114.9 x 12.1 cm)。サンディエゴ現代美術館; アネンバーグ財団からの資金で美術館購入。写真: フィリップ・ショルツ・リッターマン
フィリップ Barcio による
