メアリー・コースのアートがスポットライトを浴びる – ついに

メアリー・コースがスポットライトを浴びていると言うのは、ある意味でダジャレのようなものです。この多分野にわたるアーティストは、1960年代から光を芸術的な媒体として扱ってきました。しかし、コースが何十年にもわたって光とその神秘に私たちの注意を向けてきた一方で、制度的なアート界が彼女のアイデアや業績に目を向けるようになったのは比較的最近のことです。彼女のキャリアの過去50年を網羅した回顧展がロサンゼルスのケイン・グリフィン・コーカランギャラリーで終了しました。それには「コールドルーム」と呼ばれるモニュメンタルな作品が含まれていました。これは、40度ファーレンハイトに冷却された12フィート x 12フィート x 12フィートの正方形の部屋です。部屋の中には、壁に掛けられた正方形の白いネオンライトボックスがありました。このネオンライトは、観客を何か神秘的で潜在的に超越的なものに引き寄せることを意図しています。コースは、冷たい空気が観客の意識を高めると信じています。コースは1967年に「コールドルーム」を初めて考案しましたが、実際にそれを作ったのは今回が初めてです。彼女は代わりに、他の多くの光を基にした作品にエネルギーを注ぎ、光、空間、時間が人間の知覚をどのように変えるかを探求するさまざまな方法を見つけてきました。彼女の回顧展を見逃した場合でも、心配はいりません。もっと多くのものが待っています。2018年5月には、彼女の作品4点を展示する新しいギャラリーがディア：ビーコンで公開され、その翌月には、ニューヨークのホイットニー美術館で彼女の作品の大規模な調査展が開かれます。この認識は長い間待たれていましたが、コースが今ようやく認められるのは適切なことかもしれません。私たちは、現実が再交渉の余地があるように思える人類の歴史の瞬間にいます。そして、彼女のような作品が論理や理性の限界に対処するのに役立つかもしれません。

レトロリフレクティビティはストリートアートです

メアリー・コースは1945年にカリフォルニア州バークレーで生まれました。思春期の頃、彼女はプライベートスクールの小さなグループの生徒の一員として、ロサンゼルスの北に位置する進歩的な芸術大学であるチュイニャード・アート・インスティテュート（現在のカリフォルニア芸術大学）を卒業した教師の下で芸術を学ぶ特権を持っていました。同年代のほとんどの生徒が基本的なアートやクラフトを学んでいる時、コースはハンス・ホフマンの理論や抽象表現主義者の絵画技法を学んでいました。その教師はコースに深い影響を与え、彼女はすぐにロサンゼルスに移り、ダウンタウンにアートスタジオを借りました。そして1968年、彼女もチュイニャードで美術の修士号を取得しました。

ロサンゼルスで、コースは光を使った作品を始めました。彼女は光が表面を照らしたり色を表現したりする方法だけでなく、光が知覚において果たす役割にも興味を持っていました。このテーマに関する彼女の調査は、光を元の源に戻すことを指す「逆反射性」と呼ばれるものに導きました。逆反射性は、夜間に街路標識を見えるようにするために、主に市の交通部門が依存している原則です。標識に光を入れるのではなく、彼らは小さな反射ビーズを挿入します。それらのビーズは、当たった光を拡大し、元の方向に戻します。だからこそ、わずかな周囲の光でも道路標識が光って見えるのです。コースは、道路標識に使用されるものと似た小さなプリズマティックビーズを混ぜることで、同様の効果を得られることを発見しました。彼女の逆反射性の絵画は、展示の光を直接元の源に戻し、観客の動きに応じて変化する動的なオブジェクトに彼女の絵画を変えます。

Mary Corse - Untitled, 2017, glass microspheres in acrylic on canvas, 78 x 234 in, 198.1 x 594.4 cm, Photo: Ron Amstutz. Courtesy the artist, Lehmann Maupin, New York and Hong Kong, and Kayne Griffin Corcoran, Los Angeles

光で描く

彼女のレトロリフレクティブな絵画に加えて、コースは長い間、直接光をメディウムとして実験してきました。彼女はライトボックスを作り、時にはそれを壁に直接掛け、時には天井から吊るし、また別の時にはボードやキャンバスのような二次的な表面にライトを掛け、その表面を壁に掛けます。このような作品は、1966年の「無題（ホワイトライトシリーズ）」のように、美的期待や一般化を混乱させます。それらは絵画のように壁に掛かっていますが、同時に彫刻的でもあります。それに加えて、主題は光のように思えるので、作品はその表面や支持体についてではなく、照らされている周囲の空間についてなのです。そして、知覚的かつ概念的な何かが起こっています。光は引き寄せる力ですが、同時に眩しいものでもあります。これらの作品には矛盾が積み重なっています。それらは単なる美的なオブジェクト以上のものであり、私たちが現実と考えるものに内在する多様な次元を考察するための招待状なのです。

コースが同時代のアーティストたちと異なるのは、彼女が形而上学的なプロセスと物質的なプロセスの両方に関与していることです。彼女はオープンであり、時間が経つにつれてさらにオープンになったようです。彼女は好奇心旺盛で、言葉に慎重であり、自分の現実に対する認識を疑っています。人間の存在の本質について尋ねられたとき、彼女は「私たちは抽象的な知覚のマルチバースに生きている」と言いました。そして、彼女の作品を説明する際には、人々がそれを「思考を超えた抽象的な知覚体験」として相互作用することを望んでいると述べました。これが、ホイットニー美術館やダイア：ビークンのような機関をコースに引き寄せた理由です。彼女が美しく、完璧に作られ、概念的に反論の余地がない作品を作るだけでなく、彼女の思考からも興味が湧いてきます。彼女が創り出す美的遺物は、彼女の精神的プロセスの成長物です。それらは、引き起こす効果に対して二次的なものです。そして、論理や理性には限界があることを見出した人々にとって、まさにその効果が心地よいものとなるかもしれません。これらの作品は、現実が主観的であり、複数の真実が同じ空間と時間に共存できることを思い出させてくれます。

Mary Corse - Untitled (White Light Series), 1966, Wood, plexiglass, fluorescent tubes (left) and Untitled (Space + Electric Light), 1968, plexiglass, fluorescent tubes (right), © Mary Corse

特集画像: メアリー・コース - 無題（ホワイト・インナー・バンド、ベベルド）、2008年、アクリルにガラスミクロスフィア、96 x 144 インチ、243.8 x 365.8 cm、アーティストおよびレーマン・マウピン、ニューヨークと香港提供

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フィリップ Barcio による