ノーマン・ルイス、抽象表現主義の見過ごされた宝石

2015年にペンシルベニア美術アカデミーが「行列：ノーマン・ルイスの芸術」展を開催した際、多くの観覧者にとってこの展覧会は衝撃的なものでした。展示の主題であるアメリカの画家ノーマン・ウィルフレッド・ルイス（1909年 – 1979年）は、初期の抽象表現主義者の中で唯一の黒人芸術家と考えられています。彼の作品は同時代の画家たちとは全く異なり、美的かつ知的な糸をたどることで、今日においても新鮮さと独創性を感じさせます。しかし、ジャクソン・ポロック、ウィレム・デ・クーニング、マーク・ロスコなど、彼がしばしば共に展示された画家たちとは異なり、ルイスは生涯にわたり大きな名声や経済的成功を得ることはありませんでした。彼は主に教師として自分と家族を支えていました。彼が市場で苦戦した主な理由の一つは、戦後の白人アメリカ美術界が抽象芸術を受け入れたにもかかわらず、黒人芸術家の作品は抽象であろうとなかろうとほとんど評価されなかったことにあります。同時に、多くの戦後の黒人アメリカの美術商や収集家も、社会正義は社会正義の問題を直接扱う芸術によってのみ達成されるという信念から、抽象芸術を否定していました。実際、1930年代にキャリアを始めた当初、ルイス自身もそのような信念を持っていました。彼はワークス・プログレス・アドミニストレーションの一環として具象的な社会的リアリズムの絵画を描き、その仕事で同じく抽象表現主義者のポロックと出会いました。しかし第二次世界大戦中、ルイスはアメリカ軍が白人至上主義の敵と戦いながらも、自軍の部隊を人種隔離しているという偽善に気づかざるを得ませんでした。戦後、ルイスはリアリズムの芸術が文化を変える重要な役割を果たせるという信念を捨てました。彼は「かつては黒人が土地を奪われる様子や差別を描いていたが、それが誰の心も動かさず、状況を良くしなかったことに気づいた」と語っています。代わりに彼は、生涯を通じて美の普遍的な側面を探求し、色彩、線、質感、形の力を動員して、人々を瞑想と超越の視覚空間に結びつけることに専念しました。

線と空間の対話

ルイスが発展させた抽象絵画のスタイルの最も特徴的な側面の一つは、彼の線の使い方です。彼の筆致は繊細で力強く、時に叙情的でありながら、建築的な構造を持ち、強さと重みを感じさせます。彼は線を互いに関係づけるように用い、空間の中の具体的な物体を描写するのではなく、形の存在を示唆しました。例えば「ストリート・ミュージシャンズ」（1948年）では、線の集まりがキャンバスの中央に位置し、ピンクがかった大気の霞に囲まれています。この絵は完全に抽象的ですが、空間の分割の仕方から何か認識可能なものの絵のように見えます。キャンバス中央の線のパターンは実際の音楽家の姿を示唆し、キュビスムの多様な視点や面に分解されたかのようです。しかしこれは音楽家の絵ではありません。これはむしろ、街頭で演奏される音楽のエネルギーと感情、空間を突き抜ける音符の興奮、そして空気を満たす色と音の祭典の表現です。

ノーマン・ルイス - フローレンス、1947年。メイソナイトに油彩。14 x 18インチ。個人蔵。© ノーマン・W・ルイス遺産、ニュージャージーのイアンドール・ファインアーツ提供。

線の使い方に加え、ルイスは視覚空間との独特で効果的な関わり方も発展させました。彼の作品はジャクソン・ポロックのような「全体にわたる」絵画ではなく、キャンバスのすべての部分が同等に注目されるわけではありません。むしろ、ルイスは抽象的な主題であっても、鑑賞者が絵の中で焦点を当てるべき場所を提供しました。例えば「グリーン・ミスト」（1948年）では、技法を組み合わせることで、自然と目がキャンバスの中央に引き寄せられます。キャンバスの外縁では、絵の具が手でぼかされ滑らかにされ、大気の緑の雲の感覚を生み出し、中央では鮮明で書道的な線が何か具体的なものが存在するか、あるいは視覚空間の神秘の中で進化していることを示唆しています。

ノーマン・ルイス - クロッシング、1948年。キャンバスに油彩。25 x 54インチ。マイケル・ローゼンフェルド・ギャラリー。© ノーマン・W・ルイス遺産、ニュージャージーのイアンドール・ファインアーツ提供。

スパイラル・グループ

ルイスがアメリカの黒人の闘いをリアルに描くことよりも美の普遍的側面を探求する道を選んだことは、商人や収集家の間での彼の評価を高めることにはほとんどつながりませんでしたが、同じく美的達成の重要性を信じる他の黒人アメリカ人芸術家たちとの交流をもたらしました。1963年7月5日、彼はロマーレ・ビアーデンのアトリエに招かれ、ヘイル・ウッドラフ、チャールズ・オールストン、ジェームズ・ヤーガンズ、フェルラス・ハインズ、リチャード・メイヒュー、ウィリアム・プリチャードと共に「スパイラル・グループ」という集団を結成しました。このグループは美的熟達と文化の普遍性を推進することに専念していました。彼らは定期的に集まり、人種的不平等のリアルな描写が黒人文化にどのように役立つか、あるいは役立たないかを議論し、「共通の美的問題」の領域での卓越性が黒人芸術家の文化的地位を高め、影響力を増すことにどれほど寄与するかを研究しました。

ノーマン・ルイス - ジャズ・バンド、1948年。黒塗りメイソナイト板に刻印。20 x 23 7/8インチ。個人蔵。© ノーマン・W・ルイス遺産、ニュージャージーのイアンドール・ファインアーツ提供。

「スパイラル・グループ」という名前はヘイル・ウッドラフによって提案されました。これはギリシャの数学者アルキメデスの「ねじ」を指し、「進歩の象徴として、ますます広がる円を描きながら上昇する」ものです。スパイラル・グループの画家の中には具象作品を制作する者もいましたが、抽象の可能性を全面的に受け入れたことは、特に黒人アメリカ美術にとって画期的でした。これにより、彫刻家リチャード・ハントのような芸術家の基盤が築かれました。彼の1971年のニューヨーク近代美術館での個展は、同館の歴史上3回目の黒人芸術家による個展であり、抽象芸術家としては初めてのものでした。また、アメリカには一つの美術界だけでなく、認知と影響力を競う複数の美術界が存在し、共通の文化的目標に向けて協力していないという残念な現実も浮き彫りにしました。ノーマン・ルイスとスパイラル・グループの他のメンバーは、普遍的であるだけでなく、人々を結びつける芸術のあり方の基礎を築きました。

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掲載画像：ノーマン・ルイス - 無題、1949年。キャンバスに油彩。20 x 30インチ。個人蔵。© ノーマン・W・ルイス遺産、ニュージャージーのイアンドール・ファインアーツ提供。
すべての画像は説明のために使用しています。
作：Phillip Barcio