私たちのアートの捉え方を変えた有名な抽象画
「どのようなイメージを持てるかは、誰が想像しているかによって決まる、と言えるでしょう。」 - ジョン・ホスパーズ、『哲学的分析入門』より
隠された扉を開き、そうでなければ見えないままの世界の一部や自分自身の一部を垣間見せてくれる先見者を、私たちは必要としています。視覚は抽象画家の専門分野であり、過去100年以上にわたり、多くの有名な抽象画が人類の視野を広げてきました。これらのイメージを生み出した先見者たちは、鑑賞者である私たちに新たなものを見るという贈り物を与えただけでなく、まったく新しい見方をもたらしたのです。
こうした画期的な成果は、美術史に限られるものではありません。以下では、歴史上の各芸術家について取り上げるとともに、線、幾何学、素材、色彩に関する関連した問いに取り組むIdeelArtで購入できる作品を紹介します。これらの組み合わせは、直接的な影響関係を主張するものではなく、見るための招待状です。それぞれの芸術家が、共有された問いに自分自身の言語を与えているのです。
有名な抽象画：1910年代～1920年代
確かに、この記事で取り上げる作品の一部には議論の余地があるかもしれません。抽象芸術を愛する人々の好みはそれぞれ異なるからです。しかし、芸術の見方を変えた抽象画の最初の選出については、ほとんどの人が同意するでしょう。ワシリー・カンディンスキーの無題（最初の抽象水彩画）は1910年に描かれ、美術史家から初めての純粋な抽象画と考えられています。鮮やかな色の斑点、にじみ、線を大胆に描いたこの作品は、客観的現実への視覚的な参照をすべて手放しています。この絵は芸術家を主題の束縛から解放し、イメージとは何かという概念に、まったく新しい方法で向き合うよう鑑賞者を促しました。
ワシリー・カンディンスキー - 無題（最初の抽象水彩画） - 1910年
ポンピドゥー・センター、パリ
線と色が、もはや物体を表現する必要がなくなったら、何が起こるのでしょうか。目で、Macha Poynderは現代的な答えを提示します。ループするマーク、黄色とピンクの突然の閃光、そして重なり合う青の面が、落ち着きのない視覚的リズムを生み出します。彼女の制作は、自動描画、パフォーマティブな身振り、直感的な色彩選択を組み合わせたものです。カンディンスキーの水彩画と並べて見ると、この絵は、抽象がどのようにして見ることを能動的な体験へと変えられるかを示唆します。鑑賞者の目は主題を特定するのではなく、関係性を追いかけるのです。
その11年後の1921年、ピート・モンドリアンは象徴的な作品Tableau Iを描きました。新たに芽生えた独自の表現を試行錯誤していた時期を経て、Tableau Iは、後にモンドリアンを特徴づけることになるスタイルを確立しました。硬質な黒い線と区画化された色面は、純化された幾何学と数学的精密さを垣間見せました。作品の明快な線と精密さは、形、色、線以外の何ものも参照していませんでした。この作品は、何世代もの画家、彫刻家、建築家、デザイナーに影響を与えるスタイルの先駆けとなり、今日も創造的な思考を導き続けています。
Piet Mondrian - Tableau I - 1921年
ドイツ、ケルン、ルートヴィヒ美術館
モンドリアンの幾何学は、今日もなお答えの出ない問いを投げかけます。見え方を変えるために、イメージにはどれほど少ない要素が必要なのか。Daniel GöttinのUntitled 1, 2016は、その領域を別の道筋で探ります。白い線で区切られた黒とグレーの縦長の領域が規則的なパターンを形づくり、そのコントラストが画面全体で変化します。Göttinはモンドリアンの象徴的な色彩構成を繰り返すのではなく、プロポーション、反復、対称性、非対称性を探究しています。つながりは、鑑賞者が関係性を体験する点にあります。線は単なる境界ではなく、その周囲の空間を変化させるものなのです。
1925年、ジョアン・ミロは絵画La mancha roja（赤い斑点）によって、抽象とシュルレアリスムの間にあった障壁を溶かしました。ミロは自分を抽象画家だとは考えていませんでした。彼は、空腹で疲れ果てながら小さな家に帰り、頭の中に見えたイメージを描いたのだと語っています。La mancha roja（赤い斑点）は、人間を思わせる具象表現、夢のようなトーテム、純粋な抽象の細い境界線上にあります。子どものようでありながら、恐ろしい何かがその画面の中に潜んでいます。この一連の作品によって、ミロは悪夢と夢に隠された図像の扉を大きく開きました。
Joan Miro - La mancha roja（赤い斑点） - 1925年
国立ソフィア王妃芸術センター美術館コレクション。
© ジョアン・ミロ財団（バルセロナ）
ミロの形態は、記号、想像上の生き物、独立した形の間を漂っています。関連する曖昧さが、Daniela MarinのMedusae Iにも息づいています。そこでは、縞模様や斑点、枝分かれした形態が、開かれた幾何学的構造とともに白い画面を共有しています。それらは生き物を思わせながらも、単一の特定可能な場面へと収束することはありません。Marinの造形語彙は、有機的な形態を都市の幾何学と対話させ、彼女自身の経験や旅から着想を得ています。彼女の明るく広がりのある構成は、ミロの絵画に描かれる不穏な雰囲気とは異なりますが、どちらも鑑賞者を認識と創造の間へと誘います。形は、イラストレーションになることなく、生きているように見えることがあるのです。
有名な抽象絵画：1930年代 - 1940年代
20世紀に入り、西洋世界が二度目の不況、飢餓、戦争へと突入するなか、抽象表現は美術界における主要な潮流として確固たる地位を築いていました。この様式で制作するアーティストたちは実に多彩な手法を用い、それぞれが、人間の精神の内にある純粋なもの、真実なもの、そして自由なものと結びつこうとする高まりつつある試みに貢献していました。イギリスでは、画家のBen Nicholsonが抽象作品を、彼が「白いレリーフ絵画」と呼んだ一連の作品へと発展させました。その中の一作がWhite Relief, Quai d’Auteuil（1935年）であり、Nicholsonをイギリスの抽象表現における最も重要な表現者の一人として確立したアプローチの一例です。Nicholsonは画家Piet Mondrianと親交があり、その影響も受けました。白いレリーフ作品は、Mondrianが用いた明確な輪郭の線と幾何学的な空間を発展させ、立体的な層構造とモノクロームの色彩を導入しました。Nicholsonが最初の白いレリーフ絵画を制作したのは1933年で、1935年までには、抽象表現、構成主義、コンクリート・アートの要素を融合し、ミニマリズムとポスト・ペインタリー・アブストラクションの初期の萌芽を示唆する様式を確立していました。
Ben Nicholson - White Relief, Quai d’Auteuil - 1935
ヘップワース・ウェイクフィールド美術館
ニコルソンのレリーフは、面、縁、奥行きの関係を通して、空間そのものを抽象表現の能動的な一部にしています。イギリスの画家Jeremy Annearは、Construct (Red Disc and Triangle)でこの関心と説得力のある対話を展開しています。白、グレー、アースカラーの形態が曲線の輪郭に沿って重なり合い、赤い円盤と三角形が構図にアクセントを加えています。Annearは、重層的な形態と質感のある表面によって油彩画を制作します。ここでは、それらの重なりが、描写された空間ではなく、構築された空間を示唆しています。ニコルソンの白いレリーフとは異なり、これは色彩のある絵画ですが、共有されている問いは、限られた形態の語彙によって、いかに均衡、緊張感、そして奥行きの感覚を生み出せるかということです。
1930年代から1940年代にかけて、対極に位置していたのが、ニューヨーク派とも呼ばれる抽象表現主義者たちでした。MondrianやNicholsonのような芸術家による合理的な空間構成と空間の削減を徹底的に退け、抽象表現主義者たちは作品の中で原初的な感情とつながろうとしました。そのスタイルを体現するうえで、Jackson Pollockほど影響力と成功を持った抽象表現主義者はいませんでした。
悪名高いアルコール依存症で神経症的だったPollockは、インスピレーションを求めて精神分析に導かれ、自らの潜在意識の奥深くへと分け入りました。彼の作品は、身体性と無意識に根ざしたトーテム的なイメージを取り入れ、現代の戦後不安を激しく描き出しました。1947年に描かれたPollock初期のドリップ・ペインティングの一つ、Full Fathom Fiveは、抽象芸術を永遠に変えました。この作品は、初期の筆致によるスタイルと、先見的なドリップ技法が融合したものです。コインやたばこの吸い殻など、彼のスタジオにあったさまざまな断片が含まれており、抽象表現においてまったく新しいレベルの質感と奥行きを生み出しています。Full Fathom FiveはPollockのキャリアの転換点となり、キャンバスとの関係を永遠に変えました。
Jackson Pollock - Full Fathom Five - 1947
© 2019 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society
Full Fathom Fiveに埋め込まれた物体は、絵画が単なる絵以上のものになり得ることを思い出させます。それは、行為と素材が物理的に積み重なったものにもなり得るのです。Anthony Frostは、絵画とコラージュを組み合わせた直感的な制作プロセスを通して、その可能性を探求しています。Surface Pressureでは、粗いテクスチャーの青とオレンジの領域を突き出た赤い帯が横切り、表面そのものが鑑賞者との出会いの一部となっています。Frostが見つけた素材を用い、層を重ねて構成する方法は、Pollockの絡み合う滴下とは大きく異なります。しかし、どちらの作品も、絵画をあらかじめ計画された単なるイメージではなく、身体的な関わりを通して作られるものとして見るよう促します。
有名な抽象画：1950年代
1950年代までには、抽象表現主義がアート界の想像力を完全に掌握していました。至るところで、作家たちは原初的な自己、無意識の心、そして潜在意識に隠されたイメージとのつながりを求めていました。この熱狂のさなか、東洋哲学への関心が多くの作家の間で高まったことも一因となり、静けさへ向かう傾向が現れました。道教や禅仏教などへの関心です。この時代から生まれた最も影響力のある運動の一つが、カラーフィールド・ペインティングとして知られる抽象絵画の様式でした。
カラーフィールド・ペインティングの目的は、一般に理解されているように、主題や形、線、その他のイメージ制作上の制約から独立して色彩を探究することでした。画家たちは瞑想的な性質を求め、それが成功すれば、作品から鑑賞者へと伝わっていきました。
抽象画家のHelen Frankenthalerは、カラーフィールド運動を代表する最も影響力のある作家の一人でした。1952年に制作された絵画Mountains and Sea,で、フランケンサーラーは自身が考案した「ソーク・ステイン技法」と呼ばれる新しい絵画技法を世に紹介しました。この技法では、フランケンサーラーはテレピン油を使って絵具を薄めました。薄めた絵具を床に置いた下塗りをしていないキャンバスにそっと注ぎ、絵具をキャンバス全体に完全に染み込ませることで、作品にまったく新しい質感と外観をもたらしました。ソーク・ステイン技法は、静謐さに触れる有機的で変化し続ける形態を帯びた、崇高な色彩の領域を生み出しました。フランケンサーラーのMountains and Seaは、カラーフィールド運動における最初期の成功例の一つと考えられており、今日でもその運動を象徴する最も愛される作品の一つです。
Helen Frankenthaler - Mountains and Sea - 1952
© 2019 Helen Frankenthaler Foundation / Artists Rights Society
フランケンサーラーの絵画は、記憶された風景と自立した色彩の領域との間に空間を開きます。Greet Helsenは、自然との自身の出会いを通してその空間に近づき、正確な描写ではなく、光や形、色から受けた印象をもとに制作します。Dynamisch (Dynamic)では、半透明のピンク、ブルー、ライラックが軽やかな画面を横切り、細い暗色の線と、より深い色の溜まりによって中断されています。Helsenはアクリル絵具を慎重に薄め、重ねられた層が見え続けるようにしています。これはフランケンサーラーの浸透染色とは同じ制作過程ではありませんが、この組み合わせによって、透明感と流動的な色彩が、風景を描写することなく風景を想起させる方法が見えてきます。
おそらく、カラーフィールド・アーティストと結び付けられる最も有名な画家は、Mark Rothkoでしょう。彼はその呼称、そして他のほとんどのレッテルも激しく拒んだ画家です。ロスコは色だけを用いて制作し、自身と鑑賞者が人間の感情の深さを体験できる精神的な次元を開こうと努めました。色に完全に焦点を当てながらも、ロスコは色を、その精神的なつながりを生み出すための手段にすぎないものと考えていました。ロスコを代表する初期作品の一つが、1953年に描かれたNo. 2, Green, Red and Blueです。この作品は、後年のロスコの作品群を象徴するものであり、抽象芸術と超越的な精神性の両方の世界に独自の魅力で存在する、彼の表現を確立しました。
Mark Rothko - No. 2, Green, Red and Blue - 1953
色は、その原因を説明することなく感情を伝えられるのでしょうか？この問いは、ロスコの作品とKyong LeeのEmotional Color Field 6を結び付けますが、両者の視覚言語は異なります。Leeは、濃い青と紫からピンクや淡い色調を経て、オレンジと赤へと移り変わる横帯を配置しています。彼女は、慎重に計測した色面と段階的な色の移行を用い、感情の状態の変化を探求しています。ロスコの輪郭の柔らかな形が浮遊しているように見えるのに対し、Leeの境界は明確で整然としています。ここでの対話は類似性についてというよりも、ある色が次の色の体験をどのように変えるのか、そしてそうした関係がいかに感情の言語になり得るのかについてのものです。
有名な抽象絵画：1960年代 - 1970年代
抽象表現が1960年代から1970年代に入ると、多くの画家たちはすでにその根本的な考えを否定し、具象表現へと回帰するとともに、コンセプチュアル・アートの領域を探求していました。それでもなお、抽象表現が持つ明晰さと自由の力は、大きな可能性を秘めていました。この時代を代表する最も崇高な表現者の一人が、アメリカの抽象画家アグネス・マーティンです。線描によるグリッド絵画で知られるマーティンは、抽象芸術を象徴する存在であり続けています。
アグネス・マーティンが1963年に制作した絵画Night Seaは、後に彼女を代表する様式となる作品の最初期の例の一つです。この作品では、ほぼ単色の青い背景に、金箔で描かれた精緻な格子模様が交差しています。この作品は色彩を受け入れながら、線にも同等の力を与えています。シンプルさを取り入れる一方で、広大さ、複雑さ、そして相互に織り込まれた相互依存の感覚を同時に伝えています。マーティンは、自分にとって線は無垢を表していたと語っています。彼女は、作品を通して無垢の感覚が鑑賞者へ伝わることを願っていました。彼女が用いたイメージの簡潔さと、伝えようとした感情の直接性は、抽象表現主義とミニマリズムの隔たりを埋めるうえで重要な役割を果たしました。
アグネス・マーティン - Night Sea - 1963
© Estate of Agnes Martin / Artists Rights Society
マーティンの抑制された語彙は、何かを描写することなく、線がいかに私たちの注意を引きつけられるかを示しています。Richard CaldicottのUntitled, 2014 (Id.383)は、線と空間との異なる、簡素な出会いを提示します。淡い地色を背景に、細い線と太い暗色の線が、赤と黄色の領域の間に開かれた角張った構造を作り出しています。マーティンのグリッドを繰り返すのではなく、Caldicottは構図をいくつかの関係性へと還元し、その均衡は見つめるほど明らかになります。紙上で展開される彼の連作は、ミニマルで建築的な言語を探究しています。この組み合わせは、よりゆっくりとした注意の向け方を促します。それは主題を探すことではなく、間隔、縁、空白が私たちの体験をどのように形づくるかを意識することです。
1970年代、ロバート・マザーウェルは、ミニマリズムの魅力とは正反対とも思える声によって、再び抽象表現の世界に衝撃を与えました。彼の原初的で荒々しい身振りは、エネルギー、強さ、不安を一度に伝えました。そこにはストイックな強さがありながら、純粋な抽象表現の力と自由を体現する深い感情が湧き上がっていました。
マザーウェルを代表する作品は1971年に生まれ、《スペイン共和国へのエレジー No. 110》と名付けられました。この絵画の猛烈なエネルギーは鑑賞者を包み込み、キャンバスからほとばしり出てくるように感じられます。そこには衝撃的な生命力があり、感情と激情を空間へと移し替える攻撃性があります。多くの画家が抽象表現はすでに行き詰まったと考えていた時代に、マザーウェルはこの様式へ力強い新たな生命力を注ぎ込みました。彼の新鮮な視点と揺るぎない声は抽象表現を存続させ、今日に至るまで抽象芸術家たちを鼓舞し、力を与え続けています。
Robert Motherwell - Elegy to the Spanish Republic No. 110 - 1971
© Dedalus Foundation/Artists Rights Society
マザーウェルのElegyは、反復される力強い形態が抽象画に感情的な重みを与えられることを示しています。Tommaso FattovichのPunkは、より断片的で多色的な言語を通じて、その重みへと近づきます。黒、ピンク、淡い緑、オレンジの垂直に伸びる筆触が、粗い灰褐色の地を通して立ち上がり、その輪郭には連続する身振りの痕跡が残されています。Fattovichは、色、層、線、形に応答しながら、画面が完成したと感じられるまで直感的に構図を発展させます。ここで比較されているのは主題の同等性ではなく、筆触の物理的な存在感です。Fattovichの都市に着想を得た抽象は、マザーウェルのElegyが持つ固有の歴史的意味を共有していませんが、身振りを強度の担い手として体験する別の方法を提示しています。
未来に対する私たちの認識を変える
今日の現代抽象作家たちは、表現方法に自由を求めたこと、そして見る者が新たな見方に心を開く手助けをしたことの両面において、これら一人ひとりの芸術家に恩義があります。進化を続ける社会が私たちに突きつける果てしない複雑さを理解しようとするなかで、抽象は今も私たちに新たな扉を開いています。過去の偉大な抽象作家たちの例に学ぶことで、今日そして明日の抽象作家たちは、現代の不安や恐れを読み解き、私たち自身の視野の限界を超えて見る手助けをしてくれるでしょう。
これらの歴史的な絵画と対話する作品群は、そうした可能性が今なお開かれていることを示しています。Poynderの落ち着きのない線、Marinが思い描く有機的な形態から、GöttinとAnnearが構築する空間まで、抽象は見る者の目を引き込むさまざまな方法を提示します。Frostの物質的な表面、Helsenの半透明な色彩、Leeの感情的な連なり、Caldicottの簡素な構造、Fattovichの力強い筆触は、それぞれ異なる方向へ対話を広げます。それらは歴史的な作品に取って代わるものでも、その成果を繰り返すものでもありません。むしろ、私たちが学んだことを新たな出会いへと持ち込み、抽象が私たちの見方を変え続けていることを発見するよう促します。
掲載画像：ワシリー・カンディンスキー - 《コンポジション VII》、1913年。© Wassily Kandinsky / Artists Rights Society / ADAGP
すべての画像は説明目的でのみ使用されています
Phillip Barcio（2016年）編集：Francis Berthomier（2026年）
