私たちのアートの捉え方を変えた有名な抽象画

「どのようなイメージを持つかは、想像する者によって決まると言えるかもしれない。」 - ジョン・ホスパーズ、『哲学的分析入門』より

私たちは、隠された扉を開く先見の明を持つ者たちに依存しています。そうすることで、普段は見えない世界の一部や自分自身の一部を垣間見ることができるのです。視覚は抽象画家の専門分野であり、過去100年以上にわたり、多くの有名な抽象画が人類の視野を広げることに成功してきました。これらのイメージを生み出した先見の明を持つ者たちは、私たち鑑賞者に新たに見るべきものを与えただけでなく、まったく新しい見方の方法をも提供してくれました。

有名な抽象画：1910年代～1920年代

確かに、本記事での選択は議論を呼ぶかもしれません。なぜなら、すべての抽象芸術愛好家には異なる好みがあるからです。しかし、多くの人はおそらく、私たちが最初に選んだ抽象画が芸術の見方を変えたことに同意するでしょう。ワシリー・カンディンスキーの『無題（最初の抽象水彩画）』は1910年に描かれ、芸術史家によって最初の純粋な抽象画と見なされています。鮮やかな色の斑点やにじみ、線の大胆な表現は、客観的現実への視覚的な参照をすべて放棄しています。この絵画は、芸術家を主題の束縛から解放し、鑑賞者にイメージとは何かという概念にまったく新しい方法で関わることを促しました。

ワシリー・カンディンスキー - 無題（最初の抽象水彩画）、1910年。水彩、インク、鉛筆、紙。19.5 × 25.5。ジョルジュ・ポンピドゥー・センター、パリ

11年後の1921年、ピート・モンドリアンは彼の象徴的な『タブロー I』を描きました。新しい表現を模索する期間を経て、『タブロー I』はモンドリアンの特徴的なスタイルを確立しました。硬い黒い線と区切られた色面は、純粋な幾何学と数学的精密さを鑑賞者に垣間見せました。この作品の清潔な線と精密さは、形、色、線以外の何ものも参照していません。この作品は、画家、彫刻家、建築家、デザイナーの世代に影響を与え、今日も創造的な思考を導き続けています。

ピート・モンドリアン - タブロー I、1921年。キャンバスに油彩。96.5 cm x 60.5 cm。ミュージアム・ルートヴィヒ、ケルン、ドイツ

1925年、ジョアン・ミロは『ラ・マンチャ・ロハ（赤い斑点）』で抽象とシュルレアリスムの境界を溶かしました。ミロは自分を抽象主義者とは考えていませんでした。彼は、小さな家に帰り、空腹で疲れ果てた状態で頭の中に見えたイメージを描いたと言っています。『ラ・マンチャ・ロハ（赤い斑点）』は、人間の形を思わせる図像、夢のようなトーテム、純粋な抽象の間の微妙な線上にあります。子供のようでありながら恐ろしい何かがそのイメージの中に潜んでいます。この作品群で、ミロは私たちの悪夢や夢の隠された象徴性への扉を大きく開きました。

ジョアン・ミロ - ラ・マンチャ・ロハ（赤い斑点）、1925年。キャンバスに油彩とパステル。146 x 114 cm。国立ソフィア王妃芸術センター所蔵。© ジョアン・ミロ財団、バルセロナ

有名な抽象画：1930年代～1940年代

20世紀に西洋世界が再び不況、飢饉、戦争に陥る中、抽象は芸術界の主要な力として確立されました。多様な手法がこのスタイルで働く芸術家たちによって用いられ、人間の精神の中の純粋で真実で自由な何かとつながろうとする努力に貢献しました。イギリスでは、画家ベン・ニコルソンが抽象作品を「白のレリーフ絵画」と呼ぶ一連の作品に拡大しました。彼の初期の重要な作品の一つ『1935（白のレリーフ）』は新たな視覚的地平を切り開き、ニコルソンをイギリス抽象の最も重要な声の一人として確立しました。ニコルソンは画家ピート・モンドリアンの友人であり、影響を受けていました。白のレリーフ作品はモンドリアンの硬い線と幾何学的空間の使用を拡張し、立体的な層構造と単色の色調を導入しました。ニコルソンの最初の白のレリーフ絵画は1933年に制作され、『1935（白のレリーフ）』の時点で、抽象、構成主義、コンクリート・アートの要素を組み合わせ、ミニマリズムやポスト・ペインターリー・アブストラクションの初期の種を示唆するスタイルを確立していました。

一方、1930年代から1940年代にかけては、抽象表現主義者、別名ニューヨーク派がありました。モンドリアンやニコルソンのような理性的な地理学や空間の縮小を徹底的に拒否し、原始的な感情とつながろうとしました。抽象表現主義者の中で最も影響力があり、成功したのはジャクソン・ポロックでした。

悪名高いアルコール依存症で神経質なポロックは、精神分析に触発され、潜在意識の深部からインスピレーションを得ようとしました。彼の作品は身体性と無意識のトーテム的イメージを用い、戦後の不安を激しく表現しました。ポロックの最初期のドリップ絵画の一つ『フル・ファサム・ファイブ』は1947年に描かれ、抽象芸術を永遠に変えました。この作品は彼の初期の筆遣いと先見的なドリップ技法の融合であり、コインやタバコの吸い殻、スタジオの様々な小物を含み、抽象に全く新しい質感と深みをもたらしました。『フル・ファサム・ファイブ』はポロックのキャリアの転換点となり、私たちのキャンバスとの関係を永遠に変えました。

ジャクソン・ポロック - フル・ファサム・ファイブ、1947年。キャンバスに油彩、釘、画鋲、ボタン、鍵、コイン、タバコ、マッチなど。50 7/8 x 30 1/8インチ。© 2019 ポロック＝クラズナー財団 / アーティスト権利協会（ARS）、ニューヨーク

有名な抽象画：1950年代

1950年代までに、抽象表現主義者は芸術界の想像力を完全に掌握しました。あらゆる場所で、芸術家たちは原始的な自己、無意識の心、潜在意識の隠されたイメージとつながろうと努力していました。この熱狂の中で、東洋の哲学、例えば道教や禅仏教への関心の高まりから生まれた静けさへの傾向が現れました。この時代に生まれた最も深遠な動きの一つがカラーフィールド絵画と呼ばれる抽象絵画のスタイルです。

カラーフィールド絵画の目的は、一般的に理解されているように、主題、形、線、その他のイメージ制作の制約から独立して色を探求することでした。画家たちは瞑想的な性質を求め、それが成功すれば作品から鑑賞者へと伝わることを目指しました。

抽象画家のヘレン・フランケンサーラーはカラーフィールド運動の最も深い声の一つでした。1952年に描かれた彼女の作品『山と海』で、フランケンサーラーは「浸透染色法」と呼ばれる新しい技法を世界に紹介しました。この技法では、テレピン油で絵具の濃度を薄め、下地処理をしていないキャンバスを床に置き、薄めた絵具を繊細に注ぎます。絵具はキャンバスを完全に浸透し、作品にまったく新しい質感と外観を与えました。浸透染色法は有機的で変化する形態の崇高な色の領域を生み出し、静けさに触れています。フランケンサーラーの『山と海』はカラーフィールド運動の最初の成功例の一つとされ、今日でもその最も愛されるイメージの一つです。

ヘレン・フランケンサーラー - 山と海、1952年。キャンバスに油彩と木炭。86 5/8 x 117 ¼インチ。© 2019 ヘレン・フランケンサーラー財団 / アーティスト権利協会（ARS）、ニューヨーク

カラーフィールド画家の中で最も有名な一人はマーク・ロスコであり、彼もまたそのほか多くのレッテルを激しく拒否しました。ロスコは色だけを用い、彼自身と鑑賞者が人間の感情の深さを体験できる精神的な領域を開こうとしました。色に完全に集中しながらも、ロスコは色をこの精神的なつながりを作るための単なる手段と見なしていました。ロスコの初期の代表作の一つ『No. 2, 緑、赤、青』は1953年に描かれました。この作品はロスコの将来の作品群の象徴であり、抽象芸術と超越的精神性の両方の世界に独特で魅力的な声を確立しました。

マーク・ロスコ - No. 2, 緑、赤、青、1953年。個人蔵

有名な抽象画：1960年代～1970年代

1960年代から1970年代にかけて、抽象はすでにその基本的な考え方を拒否し、具象に戻り、概念芸術の領域を探求する画家が多くなりました。それでも、抽象の明快さと自由の力は大きな可能性を持ち続けました。この時代の最も崇高な声の一つはアメリカの抽象画家アグネス・マーティンでした。彼女の格子状の線画で知られるマーティンは、抽象芸術の象徴的な声として今も残っています。

1963年に制作されたアグネス・マーティンの『夜の海』は、彼女の決定的なスタイルの初期の例の一つです。この作品では、ほぼ単色の青い背景に金箔で描かれた緻密な格子模様が交差しています。この作品は色を受け入れつつ、線にも同等の力を置いています。単純さを受け入れながらも、広大さ、複雑さ、そして絡み合う相互依存の感覚を同時に伝えています。マーティンは線が彼女にとって無垢を表していると語り、その無垢の感覚が作品を通じて鑑賞者に伝わることを望みました。彼女のイメージの単純さと伝えようとした感情の直接性は、抽象表現主義とミニマリズムの橋渡しに重要な役割を果たしました。

アグネス・マーティン - 夜の海、1963年。キャンバスに油彩と金箔。72 x 72インチ。© アグネス・マーティン遺産 / アーティスト権利協会（ARS）、ニューヨーク

1970年代には、ロバート・マザウェルが再び抽象の世界を揺るがしました。彼の声はミニマリズムの魅力とは対極にあるように思えました。彼の原始的で荒々しいジェスチャーは、エネルギー、力、そして不安を同時に伝えました。そこには不動の強さがありながら、純粋な抽象の力と自由を体現する深い感情が表れていました。

マザウェルの代表作は1971年の『スペイン共和国への哀歌 No. 110』です。この絵画の激しいエネルギーは鑑賞者を包み込み、キャンバスから飛び出すかのようです。衝撃的な活力があり、感情と怒りを空間に伝えます。多くの画家が抽象は終わったと考えた時期に、マザウェルはこのスタイルに強力な新たな生命力を注入しました。彼の新鮮な視点と自信に満ちた声は抽象を持続させ、今日に至るまで抽象画家たちに刺激と力を与え続けています。

ロバート・マザウェル - スペイン共和国への哀歌 No. 110、1971年。キャンバスにアクリル、グラファイト、木炭。82 x 114インチ。ソロモン・R・グッゲンハイム美術館。ロバート・マザウェル © デダルス財団 / VAGA経由でアーティスト権利協会（ARS）、ニューヨーク

未来の見方を変える

今日の現代抽象画家たちは、これらの芸術家一人ひとりに負っています。彼らが表現の自由を求めた方法と、鑑賞者が新しい見方を開く手助けをした方法の両方にです。抽象は、私たちの進化する社会がもたらす無限の複雑さを理解しようとする中で、新たな扉を開き続けています。過去の偉大な抽象画家たちの例を引き合いに出すことで、今日と明日の抽象画家たちは、私たちの現代の不安や恐れを翻訳し、自分たちの目の限界を超えて見る手助けをしてくれることでしょう。

掲載画像：ワシリー・カンディンスキー - 『コンポジション VII』、1913年。© ワシリー・カンディンスキー / アーティスト権利協会（ARS）、ニューヨーク / ADAGP、パリ / エーリッヒ・レッシング / アートリソース、ニューヨーク
すべての画像は説明のために使用されています
フィリップ・Barcio 著