私たちのアートの捉え方を変えた有名な抽象画

「私たちが持つことができるイメージは、想像しているのが誰であるかによって決まると言えるかもしれない。」 - ジョン・ホスパーズ、『哲学的分析への導入』より

私たちは、隠された扉を開くためにビジョナリーに依存しています。そうすることで、世界の一部や自分自身の一部を垣間見ることができるかもしれません。それらはそうでなければ隠れたままであるかもしれません。ビジョンは抽象芸術家の専門分野であり、過去100年以上の間に、多くの有名な抽象画が人類の視野を広げることに成功しました。それらのイメージを創造したビジョナリーたちは、私たち視聴者に新しいものを見る贈り物を与えただけでなく、まったく新しい見方を提供してくれました。

有名な抽象画：1910年代 – 1920年代

認めざるを得ないことに、この記事での私たちの選択のいくつかは物議を醸すかもしれません。なぜなら、すべての抽象芸術愛好家には異なる好みがあるからです。しかし、ほとんどの人は、私たちの最初の選択である抽象画が、私たちの芸術に対する認識を変えたことに同意するでしょう。ワシリー・カンディンスキーの無題（最初の抽象水彩画）は1910年に描かれ、芸術史家によって最初の純粋な抽象画と見なされています。鮮やかな色の斑点、にじみ、線の大胆な描写は、客観的現実への視覚的参照をすべて放棄しています。この絵画は、芸術家を主題の束縛から解放し、観客が画像とは何かという概念に全く新しい方法で関与することを招きました。

ワシリー・カンディンスキー - 無題（最初の抽象水彩画）、1910年。水彩、インディアンインク、鉛筆を用いた紙の上。19.5 × 25.5。ポンピドゥーセンター、パリ

1921年、11年後に、ピエト・モンドリアンは彼の象徴的なタブロー Iを描きました。新たに芽生えた声を試行錯誤する期間の後、タブロー Iはモンドリアンの定義的なスタイルを確立しました。硬い黒い線と区分された色のフィールドは、観客に純粋な幾何学と数学的な精度の一端を垣間見せました。この作品のクリーンなラインと精度は、形、色、線以外の何にも言及していませんでした。この作品は、世代を超えた画家、彫刻家、建築家、デザイナーに影響を与えるスタイルをもたらし、今日でも創造的な思考者を導き続けています。

ピエト・モンドリアン - タブロー I, 1921年。油彩、キャンバス。96.5 cm x 60.5 cm。ルートヴィヒ美術館、ケルン、ドイツ

1925年、ジョアン・ミロは彼の絵画ラ・マンチャ・ロハ（赤い点）で抽象主義とシュルレアリスムの間の障壁を解消しました。ミロは自分を抽象主義者とは考えていませんでした。彼は、空腹で疲れ果てた状態で小さな家に帰り、頭の中に見えるイメージを描いたと言いました。ラ・マンチャ・ロハ（赤い点）は、人間の形を持つ具象、夢のようなトーテム、そして純粋な抽象の間の微妙な線をまたいでいます。子供のようでありながら恐ろしい何かが、画像の中に潜んでいます。この作品群を通じて、ミロは私たちの悪夢や夢の隠れたアイコノグラフィーへの扉を開きました。

ジョアン・ミロ - ラ・マンチャ・ロハ (赤い点), 1925年。キャンバスに油彩とパステル。146 x 114 cm。ナショナル・センター・オブ・アート・レイナ・ソフィアコレクション。© ジョアン・ミロ財団、バルセロナ

有名な抽象画：1930年代 – 1940年代

西洋世界が20世紀に二度目の抑圧、飢饉、戦争に陥る中、抽象は芸術界における主要な力として確立されました。スタイルで活動するアーティストたちは、純粋なもの、真実なもの、そして人間の精神の中に自由なものとつながるための努力に貢献するさまざまな方法を用いていました。イギリスでは、画家ベン・ニコルソンが彼の抽象作品を「ホワイト・リリーフ・ペインティング」と呼ばれる作品群に拡張しました。彼の初期の重要な作品の一つである1935 (ホワイト・リリーフ)は、新しい視覚的地平を切り開き、ニコルソンをイギリスの抽象の最も重要な声の一つとして確立しました。ニコルソンは画家ピート・モンドリアンの友人であり、彼から影響を受けました。ホワイト・リリーフ作品は、モンドリアンの硬いエッジのラインと幾何学的空間の使用を拡張し、次元の重なりと単色のパレットを導入しました。ニコルソンの最初のホワイト・リリーフ・ペインティングは1933年に制作され、1935 (ホワイト・リリーフ)が制作された時点で、彼は抽象、構成主義、コンクリートアートの要素を組み合わせたスタイルを確立しており、ミニマリズムとポストペインタリー抽象の初期の種を示唆しています。

1930年代と1940年代のもう一方の極には、アブストラクト・エクスプレッショニスト、いわゆるニューヨーク・スクールが存在しました。モンドリアンやニコルソンのようなアーティストの合理的な地理や空間の縮小を徹底的に拒否し、アブエクスのアーティストたちは自らの作品において原始的な感情とつながろうとしました。アブストラクト・エクスプレッショニストの中で、このスタイルを具現化する上で最も影響力があり成功したのはジャクソン・ポロックでした。

悪名高いアルコール依存症者で神経質なポロックは、精神分析に触発されて、インスピレーションを得るために自らの無意識の奥深くに到達しました。彼の作品は、身体性と無意識のトーテムイメージを引き合いに出し、現代の戦後の不安を激しく描写しました。ポロックの最初のドリップペインティングの一つであるFull Fathom Five（1947年に制作）は、抽象芸術を永遠に変えました。この作品は、彼の以前のブラシスタイルと彼の先見的なドリップ技法の融合です。コイン、タバコの吸い殻、そして彼のスタジオからのその他のランダムなものが含まれており、抽象に全く新しいテクスチャーと深みを投影しています。Full Fathom Fiveは、ポロックのキャリアにおける転機をもたらし、キャンバスとの関係を永遠に変えました。

ジャクソン・ポロック - フル・ファゾム・ファイブ、1947年。釘、タック、ボタン、鍵、コイン、タバコ、マッチなどを用いた油彩。50 7/8 x 30 1/8 インチ。© 2019 ポロック＝クラズナー財団 / アーティスト権利協会 (ARS)、ニューヨーク

有名な抽象画：1950年代

1950年代までに、抽象表現主義者たちは芸術界の想像力をしっかりと支配していました。至る所で、アーティストたちは原始的な自己、無意識の心、そして潜在意識の隠れたイメージとつながろうと努力していました。この熱狂の中で、道教や禅仏教のような東洋の哲学に対する多くのアーティストの関心の高まりから生まれた、静けさへの傾向が現れました。この時期に生まれた最も深い運動の一つは、カラーフィールドペインティングとして知られる抽象的な絵画スタイルでした。

カラーフィールド・ペインティングの目的は、一般的に理解されているように、主題、形、線、そして画像制作の他の制約から独立して色を探求することでした。画家たちは瞑想的な質を求め、それが成功すれば、その作品から観客へと転送されました。

抽象画家ヘレン・フランケンソーラーは、カラーフィールド運動の最も深い声の一つでした。1952年に描かれた彼女の絵画山と海では、フランケンソーラーが発明した「ソーク・ステイン・プロセス」と呼ばれる新しい絵画技法を世界に紹介しました。このプロセスでは、フランケンソーラーはペイントの粘度を薄めるためにテレピン油を使用しました。彼女は薄めたペイントを床の上の未プライムキャンバスに優しく注ぎ、ペイントがキャンバスを完全に浸透するのを許し、作品に全く新しい質感と外観を与えました。ソーク・ステイン・プロセスは、オーガニックで変化する構成を持つ崇高な色のフィールドを生み出し、穏やかな印象を与えました。フランケンソーラーの山と海は、カラーフィールド運動の最初の成功の一つと見なされ、今日でもその最も愛されるイメージの一つです。

ヘレン・フランケンターラー - 山と海、1952年。キャンバスに油彩と木炭。86 5/8 x 117 ¼ インチ。© 2019 ヘレン・フランケンターラー財団、Inc./アーティスト権利協会（ARS）、ニューヨーク

おそらく、カラーフィールドアーティストに関連付けられる最も有名なアーティストはマーク・ロスコであり、彼はそのラベルや他のほとんどのラベルを vehemently 拒否しました。ロスコは完全に色に取り組み、彼自身と観客が人間の感情の深さを体験できる精神的な次元を開くことを目指しました。色に完全に集中していたにもかかわらず、ロスコはそれをこの精神的なつながりが築かれるための単なる手段として退けました。ロスコの初期の代表作の一つは、1953年に描かれたNo. 2, Green, Red and Blueです。この作品は、ロスコの将来の作品群の象徴であり、抽象芸術と超越的な精神性の両方の世界における彼の独自の魅力的な存在としての声を確立しました。

マーク・ロスコ - No. 2, グリーン、レッド、ブルー、1953年。プライベートコレクション

有名な抽象画：1960年代 - 1970年代

1960年代と1970年代に抽象が入ると、多くの画家たちはその基本的なアイデアを拒否し、具象に戻り、概念芸術の領域を探求していました。それでも、抽象の明快さと自由の力は依然として大きな可能性を秘めていました。この時期の最も崇高な声の一つは、アメリカの抽象画家アグネス・マーティンでした。マーティンは、線のグリッド画で知られ、抽象芸術の象徴的な声として今なお存在しています。

アグネス・マーチンの絵画ナイト・シーは、1963年に制作され、彼女の決定的なスタイルの最初の例の一つです。この作品では、ほぼ単色の青い背景が金箔で描かれた緻密なグリッドパターンと交差しています。この作品は色を受け入れつつ、線にも同等の力を置いています。シンプルさを受け入れながら、同時に広がり、複雑さ、そして相互依存の感覚を伝えています。マーチンは、線が彼女にとって無邪気さを表していると語りました。彼女は、無邪気さの感覚が彼女の作品を通じて観客に伝わることを望んでいました。彼女のイメージのシンプルさと、彼女が伝えたいと望んでいた感情の直接性は、抽象表現主義とミニマリズムの間のギャップを埋めるのに重要でした。

アグネス・マーティン - ナイト・シー、1963年。キャンバスに油彩と金箔。72 x 72 インチ。© アグネス・マーティン財団 / アーティスト権利協会 (ARS)、ニューヨーク

1970年代、ロバート・マザーウェルは、ミニマリズムの魅力とは対極にあるような声で、再び抽象の世界を揺るがしました。彼の原始的で力強いジェスチャーは、エネルギー、強さ、そして不安を同時に伝えました。それらには冷静な強さがありながら、純粋な抽象の力と自由を体現する深い感情が表れました。

マザウェルの決定的な作品は1971年に発表され、スペイン共和国へのエレジー第110号と呼ばれました。この絵画の激しいエネルギーは観る者を包み込み、キャンバスから飛び出してくるようです。それには衝撃的な活力があり、感情と怒りを空間に移し替える攻撃性があります。多くの画家が抽象表現が行き詰まったと考えていた時期に、マザウェルはそのスタイルに強力な新しい生命力を注入しました。彼の新鮮なビジョンと自信に満ちた声は、抽象表現を持続させ、今日に至るまで抽象芸術家たちにインスピレーションと力を与え続けています。

ロバート・マザーウェル - スペイン共和国へのエレジー第110号、1971年。アクリル、グラファイト、チャコールをキャンバスに使用。82 x 114 インチ。ソロモン・R・グッゲンハイム美術館。ロバート・マザーウェル © デダラス財団、Inc./VAGAを通じてアーティスト権利協会（ARS）、ニューヨークにライセンス供与。

未来に対する私たちの認識を変える

今日の現代抽象芸術家たちは、表現の方法において自由を求めた点や、観客に新しい見方を開く手助けをした点で、これらの芸術家たちに恩恵を受けています。抽象は、私たちが進化する社会が提示する無限の複雑さを理解しようとする中で、新しい扉を開き続けています。過去の偉大な抽象芸術家たちの例を引き合いに出すことで、今日と明日の抽象芸術家たちは、私たちの現代の不安や恐れを翻訳し、私たち自身の目の限界を超えて見る手助けをしてくれることを願っています。

特集画像：ワシリー・カンディンスキー - コンポジション VII, 1913年。© ワシリー・カンディンスキー / アーティスト権利協会 (ARS)、ニューヨーク / ADAGP、パリ / エリッヒ・レッシング / アートリソース、NY
すべての画像は説明目的のみで使用されています
フィリップ Barcio による