概念的絵画とは何ですか？

すべての芸術作品は、かつては誰かの頭の中のただの思いつきに過ぎませんでした。思いつきがいかに儚いものであるか、そしてどんなに優れた思いつきであっても現実にするのがいかに難しいかを考えると、これは面白い考えです。概念絵画という芸術の分野は、思いつきと物理的現実との間の隔たりに立ち向かおうとします。壁に掛けられる絵画が一枚あるとすれば、それがキャンバスに描かれることのなかった無数の他の絵画や、その一枚を描く無数の別の方法が存在する可能性を考慮します。さらには、絵画そのものは重要でないかもしれない、唯一本当に重要なのは思いつきであるとさえ言います。

ただ考えるだけ

時には、何かを成し遂げる最良の方法は、それについて考えないことです。スローガンが言うように、ただやるのです。私たちが自分のしていることの本質について立ち止まって考えるとき、それは私たちを麻痺させることがあります。自分のしていることが努力に値するのか、あるいは何の価値もないのかと疑問に思うからです。最初の抽象画家たちが純粋に抽象的な作品を創造しようとしたとき、多くの思考があり、彼らは多くの思いつきを持っていました。しかし同時に、ある芸術家たちはそれらの思いつきや他のどんな思いつきの価値について疑問を投げかけていました。

1917年、マルセル・デュシャンは「泉」と題された作品を制作しました。それは逆さまにした便器に「R. Mutt」と署名したものでした。デュシャンは普通の物を取り上げ、今回はそれを逆さまにし、実用的な環境から切り離すことで元の用途を無効にし、新たな意味の可能性を招き入れました。「泉」は出品された展覧会で拒否されましたが、やがて概念芸術として知られるようになる潮流の基準となりました。これは芸術家の思いつきの価値を、芸術家の制作過程や物の価値よりも上に置く傾向です。

サラ・ヒンクリー - 2009年、15 x 9.8インチ、© サラ・ヒンクリー

イメージは無に等しい

最初の概念絵画の多くは、実際には絵画ではありませんでした。1953年、芸術家ロバート・ラウシェンバーグは絵を消すという思いつきを持ちました。彼は実際の物体を消し去り、思いつきだけを残すことで、それを新たな崇敬の対象に高めようと考えました。彼は自分の思いつきを完全に具現化するためには、他の誰かがその物体を尊重する必要があると信じていました。彼は他の画家の作品を消す必要がありました。そうでなければ、存在しなかったものを否定するだけになってしまうからです。

ラウシェンバーグは友人のウィレム・デ・クーニングに頼み、彼の大切な絵を自分の概念のために寄付してもらいました。デ・クーニングは最初は抵抗しましたが、最終的にラウシェンバーグに、消えるのを嫌がっていた、消すのが難しいドローイングを渡しました。ラウシェンバーグは1か月以上にわたり十数個の消しゴムを使い、ついにその全体のイメージを消し去りました。その結果、「消されたデ・クーニングのドローイング」と呼ばれる作品は、芸術作品の思いつきこそが最も重要であり、作品自体は存在する必要すらないという考えを自信を持って示しました。

ロバート・ラウシェンバーグ - 消されたデ・クーニングのドローイング、1953年、紙に描かれたドローイングの痕跡、64.14 cm x 55.25 cm x 1.27 cm、サンフランシスコ近代美術館（SFMOMA）、サンフランシスコ、© ロバート・ラウシェンバーグ財団

見えないものを形にする

思いつきの最も重要なものという考えは、西洋世界に急速に広まりました。芸術家たちは思いつきのあらゆる具現化の可能性を試み始めました。思いつきが具現化するならば、それはあらゆる方法で具現化できると信じていたのです。木の絵に関する芸術は、木の写真、木の絵画、木のドローイング、木の抽象画、表面に書かれた「木の絵」という言葉、実際の木を指差すパフォーマー、木を模倣する解釈的な舞踊、あるいは床に座って目を閉じて木の絵を思い浮かべる芸術家などとして具現化できるのです。

1958年、芸術家イヴ・クラインはパリで「虚無」とよく呼ばれる絵画展を開催しました。展覧会の正式なタイトルは「原材料状態における感受性の特殊化、安定化された絵画的感受性、虚無」でした。伝説によれば、3000人以上の来場者がこの展覧会を訪れました。ギャラリーに入ると、絵画のない白い部屋があり、空のキャビネットだけが置かれていました。クラインはこの展覧会について「私の絵は今や見えなくなり、それを明確かつ肯定的に示したい」と述べました。

Fieroza Doorsen - 無題（ID. 1281）、2017年、紙に油彩、27 x 19 cm。

ソル・ルウィット

1968年、抽象画家ソル・ルウィットは概念絵画の領域に新たな次元を加えました。彼は、思いつきが物理的な絵画として具現化されるかどうかは重要でないだけでなく、どのように描かれるか、誰が描くかも重要でないと理論づけました。重要なのは芸術家の最初に表現した思いつきだけです。この考えを示すために、ルウィットは自分以外の人が実行することができ、通常は実行する壁画の設計を始めました。

ルウィットの考えは、各個人の手がそれぞれ異なる線を描くため、同じ設計図から作業しても、各芸術家は他の誰とも異なる壁画を描くというものでした。完成した作品は元の設計図や互いに異なりますが、元の設計図だけが重要なので、その違いは無意味であり、制作手段も同様です。ルウィットの考えの遺産は、彼の死後も彼の概念的な壁画が今なお再現され続けていることに表れています。

ジョン・モンティース - 夜空、2010年、手作り紙にグラファイト、24 x 17.7インチ、© ジョン・モンティース

思いつきの未来

現代の概念絵画は、芸術作品の基礎となる思いつきへの理解を広げ続けています。現代アメリカの抽象画家Debra Ramsayの作品は、私たちの時代に根ざした思いつきに基づいています。彼女の制作過程は、季節の草花のような自然の色の変化を追跡し、それらの色の変化をコンピュータプログラムで分析することです。得られたデータは、変化する自然の色を参照するパレットを作成するために使われます。彼女はそのパレットを使って、時間とともに変化する空間内の物体の抽象的な表現を作り出します。

Ramsayの作品は、現在の文化を支配する二つの基本的な思いつきを思い起こさせます。一つはデータの概念であり、私たちの生活のあらゆる側面が監視され、デジタル化され、計算され、分析されているという壮大な理解の探求です。もう一つは自然が変化しているという考えであり、私たちは今やそれをただ見守り、何とかしてその中に美的な美しさを見出すしかないかもしれません。Ramsayの思いつきは抽象絵画の形で美しく表現されていますが、彼女の作品が今の文化にとって非常に重要なのは、その思いつきそのものです。

Debra Ramsay - 色の一年、日長に合わせて調整、2014年、ポリエステルフィルムにアクリル、39.8 x 59.8インチ。

H7

カナダの抽象画家ジョン・モンティースは、芸術的な思いつきの最も成功した物理的具現化を探求する中で、さまざまな媒体を用いて制作しています。彼がよく探求する領域の一つはテキストです。モンティースは、作業中に偶然出会った日刊ニュースや本、会話などの他の情報源からテキストの断片を抽出します。彼はそれらのテキストを文脈から切り離してギャラリーの環境で提示し、言葉に含まれる思いつきに新たな概念的解釈を招きます。

複数の媒体からテキストを引き出すことで、モンティースのテキストを用いたドローイングは、テキストを多用する初代概念芸術家ロバート・バリーの作品に現代的な視点をもたらしています。バリーの作品は、紙、キャンバス、壁、床、または思いつきに適した他の表面にテキストの断片を展示することを含みます。彼の言葉はしばしば彼自身のものですが、時には他のテキストから取られ、新たな連想や意味を誘う形で提示されます。これらの概念的作品は、伝統的な絵画よりもはるかに多くの情報を提示し、鑑賞者自身の想像力の参加を必要とします。

物質と意味

1965年、概念芸術家ジョセフ・コスースは、概念芸術の重要な作品である「一脚の椅子と三つの椅子」で、実際の椅子、椅子の写真、椅子とは何かの書かれた説明を提示しました。多くの他の概念作品と同様に、これは思いつき、物体、抽象の違いは何かという問いを前面に押し出しました。

私たちは今や、概念絵画は絵画である必要はなく、物質的な形で存在する必要もないと受け入れています。しかし、もし存在するとしたら、それは重要でしょうか？物理的な世界にここにあることは意味があるのでしょうか？物とアイデアの間に本当に違いはないのでしょうか？私たちは本当にアイデアをより価値あるものと考えているのでしょうか？もし飢えていたら、レシピ、食べ物の絵、実際の食べ物のどれを望むでしょうか？実際的な意味で、概念絵画は人類にとって最も重要な問いの一つを問いかけ、答えています。それは「私たちがすることは重要か？」ということです。

特集画像：ロバート・バリー - 無題（決して特定のものになりえないもの）、1969年、紙にタイプ打ち、4 x 6インチ、© ロバート・バリー

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