(再)発見 ヴィヴィアン・スプリングフォードのステイン・ペインティング

ニューヨークのアルミーヌ・レッシュ・ギャラリーは、ヴィヴィアン・スプリングフォードの作品による2回目の大規模な個展を最近開催しました。このアーティストは、1990年代後半に始まったゆっくりとした再評価の対象となっています。彼女の老後、ほとんど放置されていたチェルシーのスタジオが、彼女の世話をしていた人によって発見されました。そのスタジオには、何十年分の絵画がほこりに覆われた状態で詰め込まれていました。発見当時、スプリングフォードはほとんど無名で、10年以上も絵を描いていませんでした（彼女は1980年代半ばに黄斑変性症で視力を失ったため、絵を描くのをやめました）。彼女は15年以上も作品を展示していませんでした。しかし、1960年代初頭には、彼女は同世代の最も有名なアーティストの一人としての地位を確立する準備が整っていました。彼女の評判が確立されつつある中、スプリングフォードは注目を集めた抽象表現主義に触発されたジェスチャー・スタイルを放棄し、代わりにソーク・ステインのカラーフィールド・ペインティング技法を採用しました。彼女は同時に、数十年にわたる数回の展覧会を除いて、作品の販売と展示をほぼ完全に停止しました。彼女はキャリアの最後の20年間を、同心円状の生物的な透明色のリングによって特徴づけられる独自で瞬時に認識可能な抽象的視覚言語の開発に捧げました。2003年に彼女が亡くなったとき、彼女は驚くべき、しかしほとんど知られていない作品群を残しただけでなく、私たちに魅力的な謎を残しました—なぜ、才能があり、コネクションも豊富なアーティストが、突然彼女を愛するアートマーケットから離れてしまったのでしょうか？アルミーヌ・レッシュでの現在の展覧会は、このアーティストの作品をスポットライトに引き戻す最新の試みです。展示されている約20点の作品は、スプリングフォードが持つべき名声をさらに確固たるものにし、同時にこのアーティストがなぜ中心舞台ではなく隠遁生活を送ることになったのかの手がかりも提供しています。

形と無

スプリングフォードが人生の最後の20年間をかけて描いた同心円の染みの絵画は、形と無の相互作用において、彼女の初期の作品とは根本的に異なると私には思える。彼女の初期の作品は、不透明で暗い、形のない色の領域を好み、中国の書道的なマークメイキングの伝統に従って迅速に描かれている。これらの暗く、ジェスチャー的な領域は感情に満ち、原始的な存在感を持ち、構図を支配し、観客に決定的な焦点を提供する。これらの絵画において特定の形が認識できなくても、暗い絵の具の塊は明確な存在感を生み出す。対照的に、彼女の後期の円形染みの絵画では、スプリングフォードは透明性と輝きを受け入れ、特定の要素が構図を支配することを防いでいる。

ビビアン・スプリングフォード - 無題、1972年。アクリル画、キャンバス。124.5 x 124.5 cm (49 x 49 in)。

彼女の後期の絵画において、すべての塗料の層、すべての色、そして絵画のすべてのゾーンに等しい価値を与えるという選択は、私にとって美的進化だけでなく、スプリングフォードが彼女の心の中でも進化を遂げたことを示唆しています。視覚的な表面、色、光の相互作用に観客を巻き込むことで、これらの絵画は私たちをその成り立ちのプロセスに招き入れます。これらは構造や感情よりも、緩さと自由に関するものです。彼らは、習熟の状態と完全な実験の状態の間に吊るされた変容の絵です。彼女の初期の抽象表現主義作品の派生的な感触と比較すると、これらのソークステイン絵画には、限界空間のアイデアに対して快適であったアーティストによって描かれたことを示唆する真実性があります。確実性を必要としないことは、受け入れを必要としないことに関連しているように思えます。これが、スプリングフォードがこれらの作品を非常に稀に展示した理由に関係しているかもしれません。

ビビアン・スプリングフォード - 無題、1983年。アクリル画、キャンバス。69.2 x 67.3 cm (27 1/4 x 26 1/2 x 1 1/8 in).

時間を測る

これらの遅延浸透染みの絵画をプロセス作品と呼ぶことは、私にとって自然に感じられます。私は、これらの作品が物体として、それらの創造に至るプロセスよりも重要でないと示唆するつもりはありません。むしろ、私はそれらがプロセスの重要性を明らかにしていると言いたいのです。切り倒された木の切り株に見える同心円のように、これらの絵画の同心円は時間の経過の記録です。各リングは、塗料の層が適用され、広がり、支持体と一体化するのにかかった時間を思い出させます。これらの絵画の中には急いでいるものはありません。それらの美的存在感は、予期しないルールに従って作用する徐々に広がる力の結果です。絵画はその制作プロセスに注意を引きつけると同時に、一般的なプロセスの概念にも私たちの注意を引きつけます。

ヴィヴィアン・スプリングフォードのインスタレーションビュー、アルミーヌ・レッシュ ニューヨーク、2020年11月13日 - 2021年1月13日

スプリングフォードはかつて、彼女にとって絵画は「普遍的な全体と同一化しようとする試みである…. 私は、リズミカルな動きと色の観点から内なる自分を表現するための、自分自身の小さなプロットやエネルギーのパターンを見つけたい。宇宙、星々、そして自然の広がる中心は、抽象的な観点から私の常なる挑戦である。」と述べました。アーティストとして、彼女はビッグバンの直前の宇宙のような始まりに献身していました。実際、彼女のソークステインペインティングは、ビッグバンの直後の宇宙に似ており、まだ拡張し、爆発し、何か特異なものに変貌している、その本質は未知です。彼女は自らの全作品、そしてキャリア全体を、これらの絵画の一つ一つを捉えるのと同じように捉えていたのかもしれません。これが、彼女の責任が絵画を展示したり販売したり、あるいは誰かに自分がそれを描いたことを知らせることではなかった理由を説明するでしょう。むしろ、彼女の優先事項は、材料の本質を理解し、技法における働く力を発見し、それらの力を彼女が創造した世界に解き放つことでした。スプリングフォードは、私たちがすべてがどこに行き着くのかを心配することを許すその意欲において、神のようだったと思います。

特集画像： ビビアン・スプリングフォード - 無題、1971年。アクリル画、キャンバス。127 x 127 x 2.5 cm (50 x 50 x 1 in)。
すべての画像は説明目的のみで使用されています
フィリップ Barcio による