ロベール・ドローニーと彼の色彩へのアプローチ

絵画が「リアリスティック」であると言うことは何を意味するのでしょうか？現実は争われる主題です。結局のところ、それは純粋に主観的です。人が現実と考えるものは、知覚するもの、理解するもの、そして想像できるものの組み合わせに基づいています。1912年、画家ロベール・ドローニュは、ドイツの雑誌『Der Sturm』に「純粋な絵画における現実の構築に関するノート」というタイトルのエッセイを発表しました。このエッセイは、印象派の始まりからの60年間の芸術的研究を要約し、芸術における現実をどのように最もよく表現するかという主題に取り組んだものでした。ドローニュは、先人たちの作品を科学的かつ分析的であると述べ、絵画をその構成要素に分解して、描かれた現実の本質に到達しようとしました。彼は、アーティストは美しいものを創造することだけを目指すべきであり、現実こそが唯一の真に美しいものであると書きました。しかし、ドローニュによれば、現実は模倣を意味するものではありませんでした。むしろ、彼は現実の最も基本的で美しい要素は色であると推測しました。なぜなら、自然は光を通じて、色を通じて私たちの目に世界の美しさを伝えるからです。そして「自然で知覚された感覚を私たちの魂に伝えるのは私たちの目である」と彼は言いました。

色は現実

ロベール・ドローネーが自分自身について好んで言っていたことの一つは、彼の前の画家たちは色を塗るためだけに色を使っていたということです。彼は、自分が色をそのものとして主題として使った最初の画家だと信じていました。彼は印象派の画家たちに功績を認めました。なぜなら、彼らが光の重要性を認識したからです。しかし、彼らは依然として光の特性を使って、客観的に見える世界のイメージをコピーするだけでした。しかし、少なくとも彼らは、イメージが多くの異なる部分から成り立っていることを認識し、それらの部分の知覚が現実感を生み出すことを理解していました。知覚はキャンバス上ではなく、脳の中で起こります。

点描法は、知覚が脳で起こるという事実を本当に考察した最初で最も深遠な絵画スタイルでした。分割主義とも呼ばれ、キャンバス上に隣接して配置された小さな色のブロックを利用して、色を最初に混ぜるのではなく、混合色の感覚を伝えました。脳はその後、画像を完成させるために色を組み合わせました。その認識、すなわち目と脳がそれ以外は不完全な絵を完成させることができるということは、19世紀後半と20世紀初頭のアバンギャルドの基礎的な原則となりました。それは未来派の絵画、キュビズム、オルフィスム、およびそれ以来の無数の他のスタイルやムーブメントにインスピレーションを与えました。

色を主題として

ロベール・ドローネーは、分割主義的な考え方に魅了されました。それは、キャンバス上で隣り合わせに置かれたときの色同士の関係について考えるように彼を刺激しました。彼は、点描画家たちが行った以上に色のブロックを拡大し、より際立った抽象的な視覚効果を生み出しました。彼はこの技法を使って、友人であり同じく抽象画家のジャン・メッツィンガーの一連の肖像画を制作しました。

ドゥラネイのメッツィンガーの絵画には、色のブロックが深みと動きの感覚を生み出し、単に画像を形成するだけでなく、見ることができます。彼の分割主義的な絵画を通じて、ドゥラネイは色が形、深さ、光、さらには感情を伝えることができることを実現しました。画像の具象的要素とは独立して、色はそれ自体で、画家が表現したいと望む真実や現実を伝えることができました。

Robert Delaunay Rythme n°1, décoration pour le Salon des Tuileries, 1938, oil on canvas, 529 x 592 cm, Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris

色と平面

デラunayが描かれた現実について独自の発見をしている間、キュビストたちは、パブロ・ピカソの指導の下、同様の領域で実験を行っていました。彼らは四次元の現実と時間の経過を伝えようとしていました。彼らの方法は、世界を空間的な平面に分割し、その平面を使用して単一の主題に対する多数の同時的な視点を表現することでした。

ドローニーは遠近法に興味を持っていませんでした。彼は、色だけで動きやその他の現象を表現できると信じていました。しかし、ドローニーはキュビストの空間平面のアイデアに興味を持っていました。彼は、光が物に当たるとき、現れるさまざまな色合いは、それらの空間平面の幾何学によって決まることに気づきました。平面と幾何学が色に直接的な影響を与えるため、彼はキュビストから壊れた平面の美的言語を借りて、自身の絵画に適用し、分割主義とキュビズムの一部を組み合わせた新しい抽象的美的アプローチを創造しました。彼はこのスタイルを、彼が現代の象徴であると信じていたエッフェル塔を描いた一連の絵画で最も有名に使用しました。

Robert Delaunay - Eiffel Tower, 1911 (dated 1910 by the artist). Oil on canvas. 79 1/2 x 54 1/2 inches (202 x 138.4 cm). Solomon R. Guggenheim Museum, New York, Solomon R. Guggenheim Founding Collection, By gift. 37.463

色とコントラスト

デローニュが次に発見したことの一つは、コントラストに関するものでした。彼は、色が互いに補完し合うことで、観る者の心に感情的な反応を引き起こすことができることに気づきました。彼は主題、深さ、光、その他の要素を排除し、純粋に色のコントラストそのものの価値に焦点を当て始めました。彼は、異なるコントラストの色が異なる感情的な効果を生み出すことを学びました。ある色は、軽快または喜びを感じさせるようにコントラストされました。別の色は、重くまたはメランコリックに感じさせるようにコントラストされました。

彼はまた、隣り合わせに置かれたときに、実際に動きの感覚を生み出すいくつかの色があることを発見しました。観客は、それらが震えたり、振動したり、さらには見つめる時間が長くなるにつれて色合いが変わると感じました。ドランはこの感覚を「同時性」と呼びました。彼の1914年の絵画『ブレリオへのオマージュ』では、同時性の理論を用いて、彼が現代性の本質的な状態、すなわち色と純粋に抽象化された形によってほぼ完全に表現される動きを伝えようとしました。

Robert Delaunay - Homage to Bleriot, 1914, Oil on canvas, 6 ft 4 1/2 x 4 ft 2 1/2 in. Kunstmuseum Basel, Basel, Switzerland

ロベール・ドローネーの遺産

デラunayにとって歴史は重要であり、彼を知る人々によれば、彼は自分の歴史の中での位置を十分に理解していました。彼は誰が、または何が最初であるかを指摘するのが特に好きでした。彼は「最初の絵画は、地球の表面に太陽によって作られた人の影を囲む線に過ぎなかった。」と書きました。彼は、点描画法の創始者である画家スーラを称賛し、補色の重要性を最初に示したことを評価しました。しかし、彼はその後、スーラの不完全な業績を批判し、点描画法は「単なる技法に過ぎない」と述べました。デラunayは、補色の理論を最初に用いて純粋な美の表現に至ったのは自分自身であると主張しました。

確かに、デラunayの色に関する著作を読むと、彼が絵画の形式的特質について多くの独自の考えを持っていることは明らかです。彼と彼の妻ソニアは、第一次世界大戦前に出現した最も影響力のある抽象スタイルの一つであるオルフィスムを発明したとされています。しかし、デラunayから何かを奪うことなく、色にこれほど多くの注意が払われることは、疑問を呼び起こします：色は本当に自然の現実の最も純粋な表現なのでしょうか？それは私たちの魂に美を伝える唯一の方法なのでしょうか？盲目の人や色盲の人にとって、そんなニュースを聞くのは心が折れることに違いありません。おそらく、デラunayの色に関する考えは物語の終わりではなかったのです。彼の作品について最も重要なのは、彼が今日の抽象芸術の愛好者たちが今でも尋ねる質問をしたことです：現実とは何か？美とは何か？それらを人間の魂とつながるように伝える最良の方法は何か？

注目の画像: ロベール・ドローネー - ジャン・メッツィンガーの肖像, 1906年, 油彩, 55 x 43 cm. プライベートコレクション
フィリップ Barcio による