「宇宙は沈黙である。ザオ・ウーキー、パリにて十五年後」

彼の新しい友人である中国生まれの画家、趙無極の初期の抽象作品に出会ったことに触発されて、ベルギー生まれの詩人でありアーティストであるアンリ・ミショーはかつて「空間は沈黙である」と宣言しました。この詩的な声明は、2018年6月1日にパリの近代美術館で開幕した現在の趙無極回顧展のタイトルとしても選ばれました。趙無極: 空間は沈黙である は、40点の大規模な絵画を展示しており、その多くはこれまで展示されたことがなく、少なくとも15年ぶりにこのアーティストの作品を広範囲にわたって取り上げる初めての展覧会です。この展覧会は、これほど多くの重要な作品を一堂に見る珍しい機会を提供し、「空間は沈黙である」とミショーが言ったときに彼が正確に何を意味していたのかについての議論への魅力的な入り口となります。彼は、視覚的な静けさと負の美的空間を関連付けようとする試みの中で、単純な美的提案をしていたのでしょうか？それとも、束縛されないことに伴う静けさについての観察に詩的な声を与えていたのでしょうか？あるいは、これは内的世界と外的世界の関係についてコメントすることを意図した哲学的な声明だったのでしょうか？おそらく、この声明の美しさは、それが無限の意味を持つ可能性があるということです。空間は沈黙である展覧会が示すように、これらの意味のいずれも、趙無極の複雑で層のある遺産を考慮する際に関連性を持つ可能性があります。

家に関する国際的な視点

ある意味で、スペース・イズ・サイレンスは、趙無極にとっての帰郷です。アーティストは1920年に中国の北京で生まれました。彼の父はアーティストではなく銀行家であり、息子に「無極」という名前を付けました。これは「限界がない」という意味です。この名前は、10歳の時に無極が画家としての才能を初めて示したときに、家族が彼に与えた励ましを予感させるものでした。杭州美術学校で、無極は具象画と古代中国の芸術的伝統を学びました。しかし、若いアーティストは自分の中国のルーツについて学ぶことにはあまり興味がありませんでした。その代わりに、彼は印象派や西洋のモダニズムについてできる限り学んでおり、これをはるかに大きなインスピレーションと考えていました。彼は1941年に初めての展覧会を開き、才能に対して強い励ましを受けましたが、それでも自分が作りたい作品を作っているとは感じていませんでした。そこで1948年、彼はパリに移り、初めてピカソやマティス、そして彼が中国で育った時にインスパイアされた他のアーティストの作品を直接見ることができました。

ザオ・ウーキー - マティスへのオマージュ I - 02.02.86I, 1986年。キャンバスに油彩。個人コレクション。© Adagp, パリ, 2018年。写真: デニス・ブシャール

パリで、ウー・キーは抽象に移行し、彼の初期の抽象作品が新しい友人ミショーに、空間についての今や有名な発言をするインスピレーションを与えました。しかし皮肉なことに、ウー・キーが以前は無視していた同じ古代中国の伝統に再びつながったのもパリでした。彼は、商王朝にさかのぼる骨片に刻まれた甲骨文字の断片を見ているときに啓示を受けました。^nd 紀元前数千年。人間の形をしたキャラクターから成るこの文字は、最初の中国の書き方と見なされており、最古のシュメールやエジプトのヒエログリフより1500年遅れているものの、人類の歴史における最も古い組織的な象徴的な書き方のシステムの一つにランクされています。彼の甲骨文字の調査は、ウー・キーが原始的な形を模倣し始めるきっかけとなり、それが彼を中国の書道への新たな関心へと導き、古代中国文化の象徴的かつ抽象的なルーツと再びつなげました。

ザオ・ウーキー - クロード・モネへのオマージュ、1991年2月-6月 – トリプティック、1991年。 キャンバスに油彩。 個人コレクション。 © Adagp, パリ、2018年。 写真: ジャン＝ルイ・ロジ

オープン性とスケール

1950年代を通じて、ワウ・キは中国の象徴主義への新たな感謝の念と印象派の色彩への関心を組み合わせ、独特の抽象スタイルを発展させました。しかし、このスタイルは彼にとって依然として制約を感じさせるものでした。彼はキャンバスにさまざまな方法で空間を与えたいと考えていました。彼は自分の表面を見つめるときに視覚的な空間が現れることを望んでいました。また、観客が作品を解釈する余地を持てるように、知的な空間が開かれることも望んでいました。最後に、彼は文字通りもっと空間が必要だと考え、キャンバスを大きくしたいと思っていました。彼は1957年にニューヨーク市を訪れ、フランツ・クラインのようなアーティストのモニュメンタルなキャンバスに触れた後、はじめて大きなスケールで作業する許可を自分に与えました。彼はすぐにこの戦略を自分の作品に取り入れました。Space is Silenceに展示されているすべての絵画は、この時期以降のものです。その広大な表面には、ワウ・キが幻想的な視覚空間を伝えようとした方法を見ることができます。

ザオ・ウーキー - サン・ティトル、2006年。インクで描かれた紙。個人コレクション。© Adagp, パリ、2018年。写真：デニス・ブシャール

彼の作品におけるより多くの知的空間の必要性を達成するために、ワウキは1959年に完成した日付に基づいてのみ絵画にタイトルを付け始めました。彼は、自然のエネルギーや力を描こうとしていると述べましたが、あまりにも多くの観客が彼が風景を描いているという考えを読み取っていました。作品に完成日だけをタイトルとして付けることで、彼は観客が解釈の基にする情報が少なくなることを知っていました。絵画の中に物語的な意味を求めるのではなく、人々は作品のより抽象的な側面に心を開かざるを得なくなるでしょう。彼は、私たちがこれらの絵画の中に光と生命を見ることを望んでいました。最も重要なのは、私たちがそれらの中に空間の神秘を見ることを望んでいたことです。視覚の世界が音楽の世界とつながっていると信じる他の多くの抽象芸術家のように、ワウキは、彼の巨大な絵画の中で明らかにする想像上の空間が、音楽の欠如や具体的なものの欠如としても認識される可能性を私たちに示しました。これらの静寂の空間の中で、私たちは開放性が自然界にとって本質的なものであり、私たちの存在にとって本質的なものであることについてもっと考えるかもしれません。ザオ・ワウキ：空間は沈黙であるは、パリの近代美術館で2019年1月6日まで展示されています。

特集画像：ザオ・ウーキー - エドガー・ヴァレーズへのオマージュ - 1964年10月25日、1986年。キャンバスに油彩。フランソワーズ・マルケ寄贈、2015年 ローザンヌ美術館。© Adagp, パリ、2018年 写真：デニス・ブシャール

フィリップ Barcio による