「フィールド」の重要性、オーストラリアのランドマーク展、50年後
半世紀前、20世紀で最も影響力のあるオーストラリアの美術館展が、ビクトリア国立美術館（NGV）の新しい場所で開幕しました。しかし当時、関係者のほとんどは、この展示が歴史に名を刻むとは思っていませんでした。ザ・フィールドというタイトルのこの展覧会は、仮設のギャラリーで開催されました。40人のアーティストによる74点の作品が展示され、そのほとんどは30歳未満の若手アーティストでした。アーティストたち自身も、NGVで展示するように依頼されたことに驚いていました。展示を企画したキュレーターたちは、これがオーストラリアのアートにおける新興トレンドのショーケースに過ぎないと考えていました。しかし、実際にはオーストラリアのアートメディアがこの展覧会を酷評し、アートを嘲笑し、アーティストたちはオーストラリアにとって全く価値がないと宣言しました。この論争は作品についての大きな議論を引き起こしました。一方には、伝統的な具象芸術スタイルを明らかに好む確立されたオーストラリアのアート界があり、もう一方には、世界の他の地域に目を向けるアーティスト、作家、アート愛好家の成長する集団がいました。驚くべきことに、オーストラリアの多くの人々は今でもザ・フィールドを嫌悪の目で振り返っており、この議論はまだ解決されていないことを示しています。元々この展覧会を企画したキュレーターたちの側にしっかりと立ち位置を取ったNGVは、最近、元の展覧会を完全に再現したザ・フィールド・リビジテッドを開幕し、新しい世代の考慮のために提示しました。
悪い批評の力
The Fieldという名前は、1960年代後半にはアメリカ合衆国で支配的な美的立場となっていたカラーフィールド・ペインティングを参照して付けられました。しかし、このタイトルは、国際的に追求されているはるかに大きく拡大する抽象概念のフィールドが存在するという考えも指していました。これには、ハードエッジ抽象や幾何学的抽象が含まれます。また、こうした国際的なトレンドを追求しているオーストラリアのアーティストたちの増加するフィールドにも言及していました。展示されているすべての作品は、オーストラリアが革新的な新しい美的傾向に向かう世界的な運動の一部であり、その傾向が明らかに抽象的であるという現実を反映していました。今日振り返ると、そのような前提が論争を引き起こすのは奇妙に思えます。結局のところ、1968年までに抽象芸術は世界の他の多くの地域で数十年にわたり支配的でした。しかし、主流のオーストラリアの美術批評家たちは、最新の抽象的な創作物が芸術と呼ばれるべきではないと信じる原理主義者でした。
コル・ジョーダン - ダイダロス - シリーズ6, 1968年, 合成ポリマーペイント, キャンバス. 164 x 170 cm. オーストラリア国立美術館, キャンベラ. 1969年購入
批評家たちがどれほど極端だったかを示すために、ガーディアンは最近、記事を掲載し、ザ・フィールドのオリジナル作品の画像と当時の主要なオーストラリアの美術批評家たちの実際の引用を並べて示しました。ある批評家は「アーティストたちは自分自身や自国について何も言うことがない」と言いました。別の批評家は、これらの若い実験的なアーティストの作品を展示することは「オリンピックでオーストラリアを代表するために大学のアスリートチームを送るようなものだ」と述べました。より寛大なコメントの中には、ある批評家がその作品を「楽しい」と呼びましたが、次に展示を「シャンパンしか出されないパーティー」に例えました。「すぐに、もっと実質的な何かが必要だと感じ始める」とも言いました。このような批判は無駄ではなく、実際に売上の低下を招き、さらには有望なオーストラリアの抽象アーティストたちが挫折感を抱く原因となりました。展示に参加していたアーティスト、ジョン・アダムは、批評家たちに対して「オーストラリアの絵画の未来に対する本当の脅威は…このような曖昧で色づけされた感情的なナンセンスがアート批評として通用することだ」と応じました。
ジャネット・ドーソン - ローラスケープ 2, 1968年, 合成ポリマーペイントを用いたコンポジションボード. 150.0 x 275.0 cm 不規則. バララット美術館, バララット. オーストラリア視覚芸術/クラフト委員会の支援により購入, 1988年 (1998.2). © ジャネット・ドーソン/ VISCOPY, オーストラリアによるライセンス.
ハードエッジの真実
その粗悪なアート批評の遺産は、NGVのキュレーターたちにとって大きな懸念の源として最近再浮上しました。彼らが最初にThe Fieldの再上演を試みることを決定したとき、彼らはすでに、元の展覧会からはごくわずかな作品しか買い手がつかなかったことを知っていました。彼らが答えなければならなかった質問は、元の展示からどれだけの作品が今でも存在しているのかということでした。彼らの調査は、非常に受け入れがたい現実を明らかにしました：元の展覧会からの作品のうち14点が破壊されたり、失われたりしていました。主要な美術館の展覧会に含まれていた絵画や彫刻がこれほどまでに手入れされていなかったとは信じがたいかもしれません。しかし、ほとんどの参加アーティストが若く、資源がほとんどなかったため、彼らは作品を保管する場所を見つけるか、他の方法で処分するしかなかったという厳しい真実があります。
マイケル Johnson - チョンプ, 1966年, ポリビニルアセテート, キャンバス. 122.0 x 305.5 cm. プライベートコレクション, ブリスベン. © マイケル Johnson/ライセンス提供 VISCOPY, オーストラリア
特に悲劇的な物語の一つは、The Fieldに作品を出展した唯一の3人の女性アーティストの一人、ノーマナ・ワイトの物語です。ワイトは、展示のために3.6メートルの巨大な灰色の絵画を制作しましたが、その写真は展示の中で最も革新的な作品の一つとして自らを主張しています。それにもかかわらず、売れませんでした。アートガイドオーストラリアのシャーン・ウォルフに語ったところによると、1968年当時、彼女のスタジオは寝室にあり、保管のためのお金がなかったとのことです。絵画が買い手を引き寄せられなかったため、彼女は「作品を30cmの正方形に切り分け」、そのピースを焼却しました。その物語は悲劇的ですが、少なくともワイトは自分の作品がついに評価されるのを見ることができました。The Fieldのアーティストの半数以上は、失われたり破壊された作品を持つアーティストを含め、すでに亡くなっています。失われた作品は、元々展示されていた空白のスペースに置かれたシルエットによって、The Field Revisitedで表現されています。これらのシルエットは、アートが単なる視覚的体験ではないことを思い出させてくれます。美術館は人間文化の保管者です。彼らは、彼らがスポットライトを当てる人間の努力を大切にする責任があります。そして、批評家は過去にとらわれたり、明らかに理解できないものに対して攻撃的になることを避ける責任があります。The Field Revisitedは、NGVで2018年8月26日まで展示されています。
特集画像: ロリン・シュリヒト - デンプシー, 1968年, 合成ポリマーペイント、キャンバス. 286.0 x 411.5 cm. プライベートコレクション, ブリスベン © ロリン・シュリヒト財団, チャールズ・ノードラム・ギャラリー提供, メルボルン
フィリップ Barcio による
