ハードエッジ・ペインティングと抽象秩序の美学
ハードエッジ絵画の中に入り込んでみたいと思いませんか？次にラスベガスに行く機会があれば、コスモポリタンホテル＆カジノへ足を運んでみてください。1階にはスターバックスのコーヒー店があります。中に入って壁を見上げてみてください。さまざまな面や備品に原色の鮮やかな斑点が描かれているのに気づくでしょう。その壁の一つには、これらの色の斑点を描いた人物の署名があります。フランスの芸術家で写真家のジョルジュ・ルースです。
部屋の奥まで歩くと、床に立つように促す印が見えます。その一点、そこからだけ、ルースのビジョンは完成します。描かれた面は錯覚の一部であり、建築空間を占める幾何学的抽象絵画の三次元的実現なのです。
ジョン・マクラフリン - 無題、1951年、メイソナイトに油彩、23 ¾ × 27 ¾ インチ、ヴァン・ドーレン・ワクスター蔵
ハードエッジ絵画とは？
ハードエッジ絵画という言葉は1950年代後半に、ロサンゼルス・タイムズ紙の美術記者ジュールズ・ラングスナーによって作られました。この言葉は、さまざまな抽象美術の様式で再び現れ始めていた古くからの傾向を指しており、特に当時のカリフォルニアで顕著でした。その傾向とは、幾何学的な形をはっきりとした固い輪郭で区切り、鮮やかな原色で描くことでした。ラングスナーがこの言葉を作った際に指していた代表的なハードエッジ画家にはジョン・マクラフリンとヘレン・ルンデバーグがいます。
この種の絵画は何世紀も前から存在し、多くの文化でその存在が知られていました。西洋の抽象美術の領域内でも、鮮やかな色彩、明確な形、硬い輪郭を用いる傾向は以前から見られました。例えばカジミール・マレーヴィチやピート・モンドリアンの作品にその例があります。
ハードエッジ絵画の美学は1940年代から50年代にかけて流行から外れました。これは部分的には、抽象表現主義者たちによる感情的でジェスチャー的な作品の人気上昇によるものです。現代的な意味で使われる場合、ハードエッジ絵画という言葉は特定の様式や運動を指すのではなく、多様な現代美術家がその美学に適用し続けている傾向を指します。
ヘレン・ルンデバーグ - ブルー・プラネット、1965年、キャンバスにアクリル、60 x 60 インチ、マリリン＆カール・トーマ・コレクション。© フェイテルソン・アーツ財団、ルイ・スターン・ファイン・アーツ蔵
カジミール・マレーヴィチ - 赤の正方形、1915年、キャンバスに油彩、21 × 21 インチ、ロシア美術館、サンクトペテルブルク
美の哲学
多くの人にとって、抽象美術の最も困惑させる要素の一つは、それが客観的な美の定義に訴えないことです。少なくとも西洋世界では、何世紀にもわたり絵画の美は肖像画や風景画のような自然や具象の主題によって定義されてきました。抽象が台頭する以前は、美的に美しいとされる作品は、天使や歴史的人物、草原など客観的世界の美しいものを再現することが期待されていました。
画家たちが絵画の要素を解体し始めると、美とは何かという概念に挑戦しました。光の性質だけで美しいと考えられるか？印象派はそう考えました。色だけで美的に美しいと考えられるか？オルフィスム派はそう考えました。多くの画家や美術運動は、美的な美がそもそも重要かどうかさえも問い直しました。芸術は美と関係があるべきでしょうか？
ピート・モンドリアン - 赤・青・黄の構成 II、1930年、キャンバスに油彩、46 x 46 cm、メトロポリタン美術館
秩序の美
芸術家や評論家、学者たちが哲学的な議論を交わす一方で、事実として美は鑑賞者にとって重要です。鑑賞者は心地よく感じられるもののそばにいたいのです。彼らは満足感を求める中で芸術に参加してほしいと願っています。それが何を意味するにせよ。世界中のすべての美術評論家がある絵画を歴史的に重要と考えても、誰もその絵のそばにいたくなければ、その価値は当然下がります。人間は美的に心地よいもののそばにいたいという根本的な真実は、多くの抽象美術運動が取り組んできたことであり、ハードエッジ絵画は多くの鑑賞者がそれに向き合う助けとなりました。
秩序には美があります。理性には美があります。色には美があります。線には美があります。清らかで、汚れておらず、清潔で理にかなったものには美があります。多くの鑑賞者がキュビスム作品やワシリー・カンディンスキーの抽象絵画の美を最初は理解しにくいとしても、秩序を求める私たちの欲求に訴える絵画には何か魅力的な、あるいは少なくとも心理的に満足させるものがあることは否定できません。マレーヴィチのシュプレマティズム絵画やモンドリアンのデ・ステイル絵画の硬質な幾何学的抽象は、混沌への美的な解毒剤として美しいのです。
ジャクソン・ポロック - ブルー・ポールズ、またはナンバー11、1952年、キャンバスにエナメルとアルミニウム塗料とガラス、83.5 × 192.5 インチ、オーストラリア国立美術館、キャンベラ
趣味の問題
もちろん、他の種類の抽象美術が美しくないと言っているわけではありません。美は趣味の問題です。例えば、鑑賞者によって複雑さを解きほぐす能力は異なります。ある人には混沌に見えるものが、別の人には理想郷に見えることもあります。ジャクソン・ポロックやウィレム・デ・クーニングのようなアクション・ペインターが成功したのは、多くの鑑賞者が彼らの作品を身近で共感でき、美しいと感じたからです。確かにポロックのブルー・ポールズを混乱したものと考える人もいますが、はるかに多くの人はそれを人間の普遍性や根源的な個人的真実の表現と見なしています。
ハードエッジ絵画が1950年代に再び流行した理由は、おそらく抽象表現主義があまりにも感情的だったからでしょう。抽象表現主義は第二次世界大戦後の人類史上最も暴力的で破滅的、そして恐怖に満ちた時代から生まれました。毎晩のニュースで自分たちの絶滅の日を目の当たりにしていた鑑賞者が、やがて内なる平穏や秩序感を求めるようになるのは当然のことです。
1950年代と60年代のハードエッジ絵画はまさにそれを提供しました。幾何学的抽象の形式的で古典的な特質への回帰をもたらしました。私たちの心の恐怖や原始的な感情に内在する混沌を見るのではなく、形、色、線、面だけが重要な瞑想的な空間に避難所を提供したのです。そこで私たちは物事の基本的な構成要素を瞑想し、少なくとも一時的に自分自身を何か別のものに変えることができました。
ドナルド・ジャッド - コンクリートによる15の無題作品、1980-1984年、テキサス州マーファ、チナティ財団、マーファ
ミニマリズムとその先
形式的で硬質な美学への回帰は、20世紀半ばの抽象美術に大きな創造的進化をもたらしました。ケネス・ノーランドのようなカラーフィールド画家の台頭を促し、平坦な面と大きな色の広がりを用いて、鑑賞者が超越的な感覚を体験できる瞑想的な絵画を生み出しました。また、画家の手の痕跡を隠し、色、線、形、面といった形式主義的特質を強調するポスト・ペインタリー抽象を生み出しました。さらに、ドナルド・ジャッドやミニマリズムに関わる画家たちの思考にも影響を与え、感情を排した表現の頂点を達成しました。
ジェームズ・タレル - レースロ・ピンク（コーナー・プロジェクション）、1968年、© ジェームズ・タレル
より大きな遺産
ハードエッジ絵画は光と空間の運動の画家たちにも影響を与えました。ジェームズ・タレルの没入型作品や、「アパーチャー」と呼ばれる光を通すために面に切り抜かれた硬質な穴を用いた作品を体験したことがある人は、この作品とハードエッジ絵画とのつながりをはっきりと理解できるでしょう。
インスタレーション作家のロバート・アーウィンも、彼の光の作品を通じてハードエッジ画家の遺産に結びつけられています。最も有名な例はアーウィンのアクリルのインスタレーションで、透明で曲面の円形アクリルが壁から突き出し、光を当てられることで線や幾何学模様、光と影の相互作用が周囲の面に生まれます。これらの作品はハードエッジ絵画の原理を三次元空間に拡張し、鑑賞者がその中に入り込めるようにしています。
ロバート・アーウィン - 無題、1969年、鋳造アクリルにアクリル絵具、直径137 cm、© 2017 ロバート・アーウィン / アーティスツ・ライツ・ソサエティ（ARS）、ニューヨーク
視点の問題
ハードエッジ絵画が感情的な様式より美しいかどうかは純粋に意見の問題です。そして意見は変わります。ラスベガスのあのスターバックスに戻ると、ジョルジュ・ルースが作品で伝えようとしている本質が見えてきます。幾何学的形状のハードエッジ絵画は秩序と明快さを与えてくれます。しかし、すべての人が秩序と明快さに至福を感じるわけではありません。私たちの中には無秩序を好む者もいます。混沌を楽しむ者もいます。ルースのハードエッジ作品の真の美しさは、どの方向に一歩踏み出しても輪郭が柔らかく変化し、視点こそがすべてであることを証明している点にあります。
すべての画像は説明のために使用しています
フィリップ・Barcio 著
