キャンバスを剥がす - ロン・ゴーチョフへの別れ

2017年にスイスのキュレーター、ハンス・ウルリッヒ・オブリストとのインタビューで、アメリカの画家ロン・ゴルチョフ（1930年 - 2020年）は若い芸術家たちに次のような助言をしました。「必死でありながら忍耐強くあれ。」一見矛盾しているように思えるこの言葉は、今月初めに亡くなったゴルチョフが自身の制作に臨む姿勢を完璧に表しています。1930年にシカゴで生まれた彼の家族は、大恐慌の間に父親の仕事探しのために十数回も都市を転々としました。状況は彼らを金銭的に必死にさせたかもしれませんが、父親はゴルチョフにお金と目的は別物だと教えました。ゴルチョフは「家族は破産していたが、決して貧乏ではなかった」と語っています。1950年代にニューヨークに移った当初はライフガードとして働き、後に美術教師も務めました。これらの仕事は彼に、芸術に必要な忍耐を持って取り組む時間を与えました。彼の指針は、芸術家は常に自分たちが生きる世紀ではなく、次の世紀のために作品を作るべきだというものでした。21世紀の絵画を前進させるための彼の考えは、絵画を彫刻や建築と適切な割合で組み合わせることでした。「私にとって彫刻の本質は質量です。建築では体積を感じます。そして絵画は表面を強調します。」とゴルチョフは語りました。彼が名を馳せた「鞍形」の絵画は、この問題に対する彼の解決策でした。1949年にはすでに、絵画の世界が長方形の形にあまりにも固執しているという考えを持っており、その固執はピート・モンドリアンによって加速されたと彼は考えていました。ゴルチョフは、典型的な長方形のキャンバスの平面性を変えるために、テニスボールを裏に置いて膨らみを作るなど様々な方法を検討しました。彼が現在の象徴的な凸型の曲面を作り出すために使った「鞍形ストレッチャー」を開発するのに19年かかりました。1968年に制作した最初の鞍形の絵画は「Mine」と題されており、これは作品が彼にとって唯一無二であること、そして未発見の創造的可能性に満ちた金鉱のようなものだと見なしていたことをかけた言葉です。

抽象か具体か

多くの鑑賞者はゴルチョフの作品を抽象的だと考えます。しかし、彼の代理人であり、抽象の巨匠たちと仕事をしてきたことで名高いCheim & Readギャラリーの代表兼展覧会ディレクター、ジョン・チェイムは、ゴルチョフを完全な抽象画家とは見なすべきではないと主張します。「その形はジョルジョ・モランディの作品と強い関係があります。ゴルチョフはモランディが純粋に具象的でないのと同様に、純粋な抽象画家ではありません」とチェイムは言います。ギャラリーディレクターのスティーブン・トゥルアックスは、「ロンは実生活で見たり出会ったものを、彼の抽象作品の形のインスピレーションとして使っていました」と付け加えます。

ロン・ゴルチョフ - BROTHER II、2017年、リネンに油彩、85 x 75 x 13インチ、215.9 x 190.5 x 33センチメートル。© 2020 ロン・ゴルチョフ / アーティスツ・ライツ・ソサエティ（ARS）、ニューヨーク。写真：ブライアン・バックリー。すべての作品画像はアーティストおよびCheim & Read、ニューヨークのご厚意によるものです。

彼の絵画に込められた感情の手がかりは、しばしば古典神話や聖書のような神学的な物語を参照したタイトルに見られます。しかし、ゴルチョフは最初から特定の人物や神話の場面を描こうとしたわけではありません。むしろ、直感的で無意識的な方法で描き、しばしば右手でキャンバスの右側を、左手で左側を描きました。内容については後から考えました。「絵を描いてそれを見たとき、自分がその時どう感じていたのか自問しなければなりません。制作に没頭していると自分の感情がわからないからです。だから絵を研究してそれを理解しようとし、自分の感じたことに合う物語を見つけようとします。」この、現実に見たもの、無意識の制作行為、そして後の感情の分析との間のやりとりは、私には抽象的でありながら具体的でもあるように思えます。これはジャン・アルプがダダの真の意味について語ったことを思い起こさせます。すなわち、自然の予測不可能さ、無意味さ、そして完璧な論理が芸術を通じて表現されるということです。

ロン・ゴルチョフ - Prometheus、2016年。リネンに油彩。49 x 65 x 10 1/2インチ / 124.5 x 165.1 x 26.7センチメートル。© 2020 ロン・ゴルチョフ / アーティスツ・ライツ・ソサエティ（ARS）、ニューヨーク。すべての作品画像はアーティストおよびCheim & Read、ニューヨークのご厚意によるものです。

革命的改革者

私にとって、ゴルチョフが生み出した作品群には深くアメリカ的なものを感じます。アメリカは具体的なものでもあり、抽象的な概念でもあり、常に革命と改革の間で引き裂かれています。彼が鞍形ストレッチャーを最初に開発したとき、ゴルチョフは革命的な芸術家でした。長年にわたり絵画の中心的な前提とされてきた、長方形の平らな面に描くべきだという考えを覆そうと決意していました。実際、彼が最初の曲面キャンバスを開発していた頃、平面性の概念はクレメント・グリーンバーグのような主要な美術批評家によって再び称賛されており、グリーンバーグによればそれは「ポスト・ペインターリー・アブストラクション」という絵画の最新の潮流でした。しかし、長方形と平面性の構造的な体系を大胆に覆した後、ゴルチョフは新しい体系に完全に身を委ね、それを生涯にわたって繰り返し、古い常識を新しい常識に置き換えました。無限の改革への衝動に革命的な衝動を譲り、新たに確立された体系の中で無限に興味深い変奏を生み出すことほどアメリカ的なことがあるでしょうか。

PORTRAIT WITH EAST JAMB ロン・ゴルチョフ ブルックリンのスタジオにて。写真：ブライアン・バックリー、2012年。ロン・ゴルチョフ EAST JAMB 1971年 リネンに油彩 77 x 77 x 12 1/2インチ 195.6 x 195.6 x 31.8センチメートル © 2020 ロン・ゴルチョフ / アーティスツ・ライツ・ソサエティ（ARS）、ニューヨーク。

一度ゴルチョフの絵を見れば、以降出会うすべてのゴルチョフの絵は瞬時に彼の作品だとわかります。しかしこれは侮辱ではありません。自然に対しても同じ批評ができるでしょう。自然もまた独自の体系の中で無限で美しい変奏を生み出しています。実際、自然との関係性の文脈で考えると、ゴルチョフはハンス・アルプの系譜に最もふさわしいと思います。アルプは生物的形態を持つ芸術家であり、ダダイストでありシュルレアリストであり抽象主義者でもありましたが、常に自分の芸術を具体的だと呼んでいました。ゴルチョフは知的でありながら気まぐれな、完全に独自の、しかし瞬時に認識できる作品群を作り上げました。だからアルプと同様に、ゴルチョフは独自の特別なカテゴリーに属すると私は信じています。彼が最初に掲げた指針を成し遂げたことに感銘を受けます。彼の例は、芸術家が自分の世紀だけでなく次の世紀にも関わり続けるためには、思考と感情の両方がいかに重要かを私たちに思い出させてくれます。

表紙画像： AVEDONによる肖像 ロン・ゴルチョフ、2013年。写真：マイケル・アヴェドン。© マイケル・アヴェドン / AUGUST。許可を得て転載。
すべての画像は説明のために使用しています。
フィリップ・Barcio 著