アドルフ・ゴットリーブのバーストシリーズの重要性

アドルフ・ゴットリーブはかつて、「アーティストの役割は、もちろん、常にイメージメーカーである。異なる時代には異なるイメージが必要だ」と言いました。ゴットリーブは、明確に異なる時代をいくつも目撃し、文化の進化に応じて三度もその方法を大きく変えました。彼の作品は、1957年に始まり、1974年の死まで拡大し続けたバースト・ペインティングで頂点に達しました。バーストの視覚言語はシンプルで直接的であり、キャンバスは上下二つのゾーンに分かれています。上のゾーンには、限られた色の範囲で描かれた一つまたは複数の円形の形が存在し、下のゾーンには、通常は黒で描かれた、騒々しく渦巻くエネルギーの激しい、ジェスチャー的な爆発があります。ゴットリーブにとって、バースト・ペインティングは彼の大きなアイデアの究極の表現を意味しました。それは、宇宙には同時に存在する極性があるということ、例えば暗闇と光のようなものです。従来の知恵は、こうした力を二項対立として説明する傾向があります。つまり、光は暗闇の根本的な反対であるかのように。しかし、ゴットリーブは光と暗闇がスペクトル上の点であり、異なる量で分散した同じ物質でできていることを理解していました。彼は、極性が非常に似ているため、ほんの少しの力で一方が他方に変わることができると考え、彼のバースト・ペインティングの二つのゾーンも同様に機能しています。円形の形は、何かが崩れているように見えるものの上に自信を持って浮かんでいるように見えます。しかし、両者は同じ絵の一部であり、どちらも固定された状態にはありません。上にあるものは下に来ることができ、混沌としているように見えるものも、適切な状況下では一つにまとまることができます。

大規模な爆発

バースト・ペインティングの例は、世界で最も尊敬されるアートコレクションのいくつかを飾っています。巨大な「ブラスト I」（1957年）、サイズは228.7 x 114.4 cmで、ニューヨークのMoMAに展示されています。その上には、巨大な赤い球体が、同じく威圧的な黒いジェスチャーマークの群れの上に静かに浮かんでいます。この象徴的なイメージはシリーズの幕開けを飾り、そのアイコノグラフィーの詩的に充電された再訪が1973年に再び現れました。これはゴットリーブが亡くなる1年前のことです。「バースト」（1973年）は、アーティストが亡くなる前に制作した最後の作品の一つで、赤い球体は柔らかくなり、崩れ始め、ピンクのサンバーストを空中に放っています。一方、混沌としたジェスチャーマークの群れは、形の家族のようなものに分解し、地平線の下に沈み、宇宙に触手や種を放出しているように見えます。

アドルフ・ゴットリーブ - ブラスト I, 1957年。油彩、キャンバス。7' 6" x 45 1/8" (228.7 x 114.4 cm)。フィリップ Johnson基金。© アドルフ・ゴットリーブとエスター・ゴットリーブ財団/ニューヨーク州ニューヨークのVAGAによるライセンス。MoMAコレクション。

他の有名なバーストの絵画の中には、「ブルース」（1962年）があり、現在はスミソニアンアメリカ美術館のコレクションに収蔵されています。その青と黒のパレットは陰鬱で静謐であり、暗さは日食のように、またはソラリゼーションされた残像のように感じられます。「トリニティ」（1962年）、もう一つのモニュメンタルなバーストは、クリスタルブリッジ美術館の常設コレクションに展示されています。この203.2 x 469.9 cmのキャンバスは、視覚的な領域を水平方向に拡張しています。三つの固体の球体—一つは青、一つは赤、そして一つは黒—が、優雅なカリグラフィックなブラシマークの集合体の上に空中に浮かんでいます。そのマークは、上部と下部のゾーンの間の中間領域に優しい黄色の球体が浮かぶ中で、灰色の影を落としているように見えます。「ブルース」と「トリニティ」に示される変化の範囲は、比較的シンプルなテーマの中でゴットリーブが探求した驚くべき変化を示しており、バーストシリーズの各作品に独自の意味を与えています。

アドルフ・ゴットリーブ-アイコン、1964年。キャンバスに油彩。144 x 100インチ。©アドルフ・ゴットリーブ財団。

破裂の準備

彼は1920年代に絵を描き始めましたが、ゴットリーブが彼のバースト・ペインティングのシンプルな天才に到達するための旅は1930年代に始まりました。その時、彼はシュルレアリスムの無意識の受け入れを心に留めました。彼は、最も本質的な美的表現は時代を超えていることに気づきました。なぜなら、それらは力、恐怖、誕生、死といった根本的な存在の現実に関連しているからです：神話の素材です。この考え方の研究は、彼が最初の主要な絵画シリーズを発展させることにつながりました。彼はそれをピクトグラフと呼びました。象徴的で直感的な抽象形態の言語に基づいて、彼のピクトグラフはグリッドの中に構成されていました—現実の区分された表現を伝えようとする試みです。しばしば抽象的と見なされることが多いですが、ゴットリーブは彼のピクトグラフを現実的だと説明しました。なぜなら、それらは真実で不安で神秘的な人間の状態を声に出していたからです。彼は1951年までそれらを描き続けましたが、その時、時代は新しいものを求めていると決心しました。簡素化された方法を求めて、彼はグリッドを放棄し、キャンバスを上下に分けました—上部と下部の間に地平線の線を引きました。彼はこの新しいシリーズをイマジナリー・ランドスケープと呼びました。なぜなら、それらは存在の内面的な風景を伝え、感情的、知的、直感的、無意識的な存在の状態を含んでいたからです。

アドルフ・ゴットリーブ - 男が女を見ている、1949年。キャンバスに油彩。42 x 54インチ（106.6 x 137.1 cm）。アーティストからの寄贈。© アドルフ・ゴットリーブ財団/ニューヨーク州ニューヨークのVAGAによるライセンス。MoMAコレクション。

バーストシリーズは、イマジナリーランドスケープから進化し、同じアイデアの蒸留を表しています。ゴットリーブは、イマジナリーランドスケープの上部と下部で起こっていることを簡素化し、キャンバスを二つの部分に分ける実際の地平線に依存するのをやめました。しかし、バーストの絵画は、ある種の追加も表しています—空間の追加です。最も簡単に言えば、ゴットリーブは地平線が取り除かれたとき、キャンバスの上部と下部の形の間にある唯一のものは空間であり、キャンバスが大きくなるほど、形がより広がり、空間がより多く存在するように見えることを理解しました。しかし、彼は空間を測定可能な距離の観点だけで考えていたわけではありませんでした。それは、絵画の視覚的および感情的な世界全体に関係していました。形は同じ空間に存在しながら、空間内で独自の領域を占めています。彼らの色の空間は独特であり、彼らの形式的な空間は独特であり、彼らの線的な空間はユニークであり、彼らの知的な空間はユニークです。最終的に、これはゴットリーブが彼のバーストの絵画をどのように認識したかにとって重要な空間の概念であり、彼はそれを存在の全体性の高められた表現として理解し、その一見個々の部分の神話として理解しました。

特集画像: アドルフ・ゴットリーブ - トリニティ、1962年。油彩、キャンバス。80 x 185インチ。©アドルフ・ゴットリーブ財団。
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フィリップ Barcioによる