アドルフ・ゴットリーブのバーストシリーズの重要性

Adolph Gottliebはかつてこう言いました。「芸術家の役割は、もちろん、常にイメージを作り出す者である。時代が変われば、求められるイメージも変わる。」ゴットリーブは幾度も明確に異なる時代を目撃し、文化の進化に応じて三度にわたり制作方法を大きく変えました。彼の作品は1957年に始まり、1974年の死まで拡大し続けた「バースト」絵画群で頂点に達しました。バーストの視覚言語は単純かつ直接的で、キャンバスは上下の二つの領域に分けられます。上部には限られた色彩の一つまたは複数の円形が存在し、下部には通常黒で描かれた、騒々しく渦巻くエネルギーの奔放な爆発が描かれています。ゴットリーブにとって、バースト絵画は彼の大きな思想の究極の表現を意味しました。それは、宇宙には同時に存在する対極があるということ、例えば闇と光のようなものです。一般的な考え方では、これらの力は二分法的に捉えられ、光は闇の根本的な対極であるとされます。ゴットリーブは光と闇がスペクトル上の点であり、同じ物質が異なる割合で分散していると理解しました。彼は対極を非常に似通ったものと考え、わずかな力の働きで一方が他方に変わり得ると見なし、バースト絵画の二つの領域も同様に機能しています。円形の形は落ち着いていて、自信を持って下の混乱の上に浮かんでいるように見えます。しかし両者は同じ絵の一部であり、どちらも固定された状態ではありません。上にあるものは下に落ちることもあり、混沌として見えるものも適切な状況下ではまとまり、一つになることができるのです。

主要なバースト作品

バースト絵画の例は、世界で最も尊敬される美術コレクションのいくつかに所蔵されています。巨大な「ブラスト I」（1957年、228.7 x 114.4 cm）はニューヨークのMoMAに展示されています。そこには、巨大な赤い球体が冷静に、同じく威圧的な黒い奔放な筆跡の群れの上に浮かんでいます。この象徴的なイメージがシリーズの始まりであり、その象徴性を詩的に再訪した作品が1973年に現れました。ゴットリーブが亡くなる前年のことです。「バースト」（1973年）は彼の最後の作品の一つで、赤い球体は柔らかくなり、分解し始め、ピンクの太陽の光線を空間に放っています。一方、奔放な筆跡の群れは分裂し、形の家族のようになり、地平線の下に沈み、触手や種を宇宙に放っているように見えます。

Adolph Gottlieb - ブラスト I、1957年。キャンバスに油彩。7フィート6インチ x 45 1/8インチ（228.7 x 114.4 cm）。フィリップ・Johnson基金。© Adolph and Esther Gottlieb Foundation／VAGA, New York, NYより許諾。MoMAコレクション。

他の有名なバースト作品には、スミソニアン・アメリカン・アート博物館所蔵の「ブルース」（1962年）があります。その青と黒の配色は厳粛で静けさをたたえ、闇は日食や太陽光の残像のように感じられます。もう一つの壮大なバースト作品「トリニティ」（1962年）はクリスタル・ブリッジズ・アメリカ美術館の常設コレクションにあります。この203.2 x 469.9 cmのキャンバスは視野を横に広げています。三つの固い球体—青、赤、黒—が空間に浮かび、優雅な書道的筆跡の集まりの上にあります。筆跡は灰色の影を落とし、穏やかな黄色の球体が上下の領域の中間に浮かんでいます。「ブルース」と「トリニティ」が示す変化の幅は、ゴットリーブが比較的単純なテーマの中で探求した多様性を示し、バーストシリーズの各作品に独特の意味合いを与えています。

Adolph Gottlieb - アイコン、1964年。キャンバスに油彩。144 x 100インチ。© Adolph and Esther Gottlieb Foundation。

バーストへの準備

1920年代に絵を描き始めたものの、ゴットリーブがバースト絵画の単純な天才に至る旅は1930年代に始まりました。その頃、彼はシュルレアリスムの無意識への取り組みを心に刻みました。彼は、最も本質的な美的表現は時代を超越するものであり、力、恐怖、誕生、死といった根本的な存在の現実、すなわち神話の素材に関わると気づきました。この考え方の研究から、彼は最初の主要なシリーズ「ピクトグラフ」を生み出しました。抽象的な形の象徴的で直感的な言語に基づき、ピクトグラフは格子状に構成され、現実の区分された表現を伝えようとしました。抽象的と見なされることが多いものの、ゴットリーブはピクトグラフを現実的と表現し、それらは真実で不安に満ちた神秘的な人間の状態を表現していると述べました。1951年まで描き続けた後、時代が新しいものを求めていると判断し、格子をやめてキャンバスを上下に分ける方法に切り替えました。彼はこの新しいシリーズを「想像の風景」と呼び、存在の内面の風景、感情的、知的、直感的、無意識の状態を伝えました。

Adolph Gottlieb - 男性が女性を見ている、1949年。キャンバスに油彩。42 x 54インチ（106.6 x 137.1 cm）。作家寄贈。© Adolph and Esther Gottlieb Foundation／VAGA, New York, NYより許諾。MoMAコレクション。

バーストシリーズは想像の風景から発展し、同じ思想の精髄を表しています。ゴットリーブは想像の風景の上下部分で起きていたことを単純化し、キャンバスを二分する実際の地平線を使うのをやめました。しかしバースト絵画はある意味で空間の追加も意味しています。簡単に言えば、地平線がなくなると、キャンバスの上下の形の間にあるのは空間だけであり、キャンバスが大きくなればなるほど形は広がり、空間もより壮大に見えるということです。しかし彼は空間を単に測定可能な距離として考えたわけではありません。それは絵画の視覚的かつ感情的な世界全体に関わるものでした。形は同じ空間に存在しながらも、その空間内で独自の領域を占めています。色の空間は異なり、形の空間も異なり、線の空間も独特であり、知的な空間も独自のものです。最終的に、この空間の概念こそがゴットリーブがバースト絵画を捉える上で重要であり、それは存在の全体性と、その一見個別に見える部分の神話の高められた表現として理解されました。

掲載画像：Adolph Gottlieb - トリニティ、1962年。キャンバスに油彩。80 x 185インチ。© Adolph and Esther Gottlieb Foundation。
すべての画像は説明のために使用しています
作：Phillip Barcio