非常に絵画的な抽象芸術家：新しい錬金術師たち
ハイデルベルクのスタジオで、Arvid Boecker（特集画像）はスクリーン印刷用のスクイージーでキャンバスを計画的に削ります。層ごとに、彼は「色の考古学」と呼ぶものを築き上げます。8000キロ離れたアメリカのスタジオでは、Clay Johnsonが石膏ボード用具で同じことを行い、時には同じ部分を30回も壊しては再構築します。一方、ブリュッセルでは、Janise Yntemaがブロートーチで蜜蝋を正確な温度に加熱し、数か月にわたる積み重ねた作品にもう一層の半透明の層を加えています。
これらのアーティストは互いに会ったことはありませんが、現代アートではますます希少になっている執着を共有しています。それは、絵具そのもの—その重さ、質感、物理的存在—が代替不可能な力を持つという信念です。
Clay Johnson、After Midnight, 2020年
消えゆく忍耐の芸術
私たちは芸術的な近道の時代に生きています。デジタルツールは即時の結果を約束します。新しい技術は毎週登場し、その新奇性だけで称賛されます。芸術界は他のすべてと同様に、スピードと利便性に誘惑されています。伝統的な絵画技法—遅く、労力を要し、容赦のない—はほとんど時代遅れのように見えます。
しかし、ドイツからカリフォルニア、ベルギーからオランダまでのスタジオに散らばるいくつかのアーティストは、中世の職人のような献身でキャンバス上に絵具を押し広げ続けています。彼らは、共有された美学ではなく、共有された信念によって定義されるVery Painterly Abstract Artと呼べる実践を代表しています。それは、絵具の物理的な操作がデジタルプロセスでは再現できない何かを生み出すという信念です。
これはノスタルジアではありません。抵抗です。
アートが「非常に絵画的」であるとは何か？
Clay Johnson の制作を見ればすぐにわかります。彼は筆を使いません—あまりに優しく、予測可能すぎるからです。代わりに、パレットナイフや建設用具でキャンバスに攻撃を仕掛け、削り、作り、壊し、再構築します。彼のアクリル絵具は速く乾くため、現れる各層に反応しながら、彫刻に近いほど丹念に仕上げられた表面を作り出します。
またはMartina Nehrlingの計画的なインパストの積み重ねを観察してください。ひとつひとつの慎重に置かれた筆跡が、建築的な要素のように隣り合う筆跡をしっかりと掴んでいます。彼女の純粋で不透明な色彩は、物理的なエネルギーで振動しているかのような催眠的なパターンを生み出します。
これらのアーティストが共有するのはスタイルではありません—完成した作品は著しく異なって見えます。彼らが共有するのはプロセスです：素材としての絵の具、主題としての表面、積み重ねられた層を通じて可視化された時間への執着的なコミットメントです。
Martina Nehrling、Apophis, 2024
Very Painterly Artの4つの柱
彼らの制作過程を注意深く観察することで、Very Painterly Abstract Artを定義する4つの基本原則が浮かび上がります。これらはルールではなく、スタジオでのすべての決断を形作る執着心、原動力です。
素材の誠実さ
これらのアーティストは絵の具を他の何かに見せようとはしません。Yari Ostovanyは顔料が溶け、覆い、削り落とされ、再び溶ける様子を称賛します。Danny Giesbersは透明な層を重ねて発光するフィールドを作り出し、各筆致が数か月かけて完成した全体構成の重要な役割を果たしています。絵の具は絵の具であることを許されており—粘性があり、不透明で、頑固で、それ自体で美しいのです。
時間的深み
すべての層は決断、時間の一瞬、前にあったものへの応答を表しています。Jeremy Annearのレリーフのような表面は創造的な意思決定の考古学的な場所となります。各絵画の歴史はその地形で読むことができます—アーティストが積み上げ、削り戻し、方向を変え、解決を見つけた場所です。
身体的関与
これらの作品は心だけでなく身体を必要とします。Robert Niesseは複雑な物理的プロセスを通じて複数の色のセクションを積み上げ、ダメージを与えます。Emily Bergerはジェスチャー的な水平の広がりで作業し、彼女の全身が各マークに関わっています。これらの絵画は、どんな助手も再現できず、どんなデジタルプロセスもシミュレートできない人間の努力の痕跡を持っています。
複製への抵抗
おそらく最も重要なのは、これらの作品は画面を通して完全に鑑賞することができないということです。完全な理解には物理的な存在が必要です。インスタグラム時代において、これは大胆な芸術的声明を表しています：いくつかの体験はデジタル化できず、いくつかの喜びは仮想的に共有できません。
Jeremy Annear、Cascading Lines, 2013
時代錯誤の勇気
2025年にこのような方法で制作するには勇気が必要です。他のアーティストがAIとのコラボレーション、NFTの可能性、インスタレーションの壮大さを探求する一方で、これらの画家たちは数か月にわたる孤独な労働のためにアトリエにこもります。彼らは近道も即時の満足もバイラルの可能性もない技法を受け入れています。
Arvid Boeckerの絵画は忍耐強い構築を通じて生まれます。まず構図を鉛筆で描き、その後長期間にわたり色と層を進化させます。各作品は持続的な注意の地形図となります。即時性を評価する文化の中で、彼は最終的なものを主張します。
Janise Yntemaはエンコースティックワックスという、文字通り古代からの技法を用いています。これはローマ人が使い、何千年もかけて完成された技法です。彼女はスタジオで天然の蜜蝋と樹脂を木製パネルに塗り、熱を能動的な溶媒として使います。半透明の層をゆっくりと重ねることで、光そのものが構成的に存在するイメージを作り出します。彼女のプロセスは「指示されたものと制御されないものの錬金術的なダンス」と呼ばれ、デジタルの予測可能性とは正反対です。
Danny Giesbers, Neon 1（左）とDan Flavin（右）, 2020
歴史のこだま、現代の緊急性
このアプローチは輝かしい先例とつながっています。Gerhard Richterのスクイージー絵画は、丹念に加工された表面を通じて制御と偶然の究極の対話を示しています。Frank AuerbachとLeon Kossoffはインパストを彫刻的なレリーフに変えました。Anselm Kieferは砂、灰、記憶を取り入れ、歴史の重みを帯びた表面を作り出しました。
しかし今日のVery Painterly Abstractのアーティストたちは、異なる文化的文脈に直面しています。彼らの先人たちが写真やマスメディアの支配に抗していたのに対し、これらのアーティストはデジタル文化そのものの支配に抗しています。彼らは単に絵を描いているのではなく、思考の方法、関わり方のモード、経験のタイプを保存しているのです。
Emily Berger, Old Flame（左）とRed Dream（右）, 2022
国際的な持続性
注目すべきは、このコミットメントが文化や大陸を超えて現れていることです。オランダのDanny Giesbersは、アルゴリズム的アプローチと自発的なマークメイキングを組み合わせています。彼の「Shifts」シリーズは、照明条件で変化する蛍光塗料を取り入れており、丹念に加工された表面が自身の継続的な進化の参加者となっています。
Emily Bergerはカリフォルニアで木製パネルに油絵の具を重ね、補色を通じてプッシュ・プルのダイナミクスを生み出し、彼女の作品に微妙な輝きを与えています。スクレイピングとスカンブリングを通じて、彼女は抽象表現主義のジェスチャーと現代の素材意識を橋渡ししています。
Robert Niesseは光沢のある層を力強い署名的なマークと交互に重ね、「色彩構成の残酷な文脈と結論」と彼が表現するものを作り出します。彼の体系的でありながら直感的なアプローチはデザインの背景を反映しつつ、自発的な抽象表現を受け入れています。
各アーティストは共有された素材への執着に文化的特異性をもたらし、語彙を豊かにしつつ、丹念に作り込まれた表面と時間的深みへの本質的なコミットメントを維持しています。
Yari Ostovany, ここが私たちが出会う場所です（John Bergerのために）、 2015
なぜ今これが重要なのか
Very Painterly Abstract Artを擁護することは、美的嗜好以上のものを擁護することです。加速できないプロセス、デジタル化できない体験、持続的な関与の価値を擁護しているのです。
これらのアーティストは、技術の進歩にもかかわらず、素材の直接的かつ物理的な操作にかけがえのないものが存在することを思い出させてくれます。彼らの丹念に作り込まれた表面は人間の創造性の記念碑であり、アーティストと媒体の間の持続的な関与の記録であり、どんなデジタルプロセスも再現できません。
市場はこのかけがえのなさを認識しています。あるコレクターは完全な理解のために物理的な存在を要求する作品、見るたびに新しい詳細を明らかにする絵画、光や視点によって変化する表面を求めています。Very Painterly Abstract artistsはまさにこの体験を提供します。
Robert Niesse、2121-6、2024年
抵抗の未来
デジタル文化がますます浸透する中、Very Painterly Abstract Artは歴史的な好奇心としてではなく、現代の必需品としてより価値を持ちます。これらのアーティストは過去を保存しているのではなく、特定の種類の人間の経験が可能であり続けることを保証しています。
彼らは即時性の時代における最後の錬金術師であり、原材料を時間、忍耐、そして物理的な献身を通じてかけがえのない体験に変えます。彼らのスタジオは、時間と制作に対する異なる関係が可能な聖域となります。
これらのアーティストを祝うことで、私たちは個々の成果だけでなく、迅速さに妥協しない実践の継続的な活力を祝っています。彼らは絵画が単に関連性を保つだけでなく不可欠であり続けることを保証し、ますます希少になるものを提供しています。それは持続的な人間の思考と感情の物理的な痕跡に出会う機会です。
彼らの厚く塗られた表面は顔料以上のものを運んでいます。それは、いくつかのことは急がせたり、デジタル化したり、単純化したりできないという確信を運んでいます。加速する時代において、彼らは減速を主張します。仮想世界において、彼らは物理的な存在を求めます。無限の複製の時代において、彼らはかけがえのないものを創造します。
これが彼らの勇気であり、才能であり、遺産です。
