アートオブジェの非物質化とは何だったのか？

ルーシー・リッパード—アメリカのアート批評の巨人、20冊以上の著書を持ち、アーティストによって作られた本の典型的な販売者であるプリンテッド・マターの共同創設者—は今年80歳になりました。彼女の他の多くの業績にもかかわらず、リッパードは「アートの非物質化」で最もよく知られています。このエッセイは、1968年にジョン・チャンドラーと共同執筆したもので（オンラインでこちらから入手可能）、リッパードはアートが純粋な知的活動の段階に入っている可能性があるという証拠を提示しました。その結果、伝統的なアートオブジェクトが完全に消失する可能性があるとされました。この作品は、前の10年ほどの非常に創造的な概念アートから生まれ、文脈を提供するのに役立ちました。概念アーティストたちは、アイデアを作品の中心に据えることに専念し、多くはアーティストがアイデアを表現するために作るオブジェクトはただの廃棄物であり、アイデア自体だけが考慮に値するものであると説得力を持って主張しました。このエッセイは当時非常に影響力がありました。その影響力は大きく、リッパードはこのトレンドの証拠を広範に分析した「シックス・イヤーズ」という本を続けて出版しました。しかし、明らかに長期的には彼女の予感は不正確でした。なぜなら、アートオブジェクトはまだ非物質化されていないからです。それでも、アートの非物質化の初版出版からの50周年を祝うために、私たちはこの影響力のあるエッセイを掘り下げ、私たちの時代にどのように関連しているのかを強調する瞬間を持ちたいと思いました。

芸術の科学

リッパードは、アートの非物質化で議論した核心概念を、アメリカの画家ジョセフ・シリンジャーが書いた本芸術の数学的基盤に最初に示されたアイデアに基づいています。その本の中で、シリンジャーは美術史全体を五つの美的現象のカテゴリーに分けました。まず、彼が説明したのは「前美的」な模倣の段階です。次に、儀式的または宗教的なアートが続きました。次は感情的なアートです。その次は合理的で経験的なアートです。そして、シリンジャーが説明した五番目、そして「最終的な」美的段階は「科学的」なもので、彼が「ポスト美的」と呼んだものでした。この最終段階は、彼が予測したように「アイデアの解放」に culminate し、「アートの崩壊」につながるでしょう。

1950年代と60年代のアートの進化を考察する中で、リッパードは自分が目撃しているのはアートのこの第五の段階の出現であると信じていました。そして彼女はその概念に興奮していました。彼女は非物質化を前向きで重要な変化と考えていました。結局のところ、美的対象がアートの中心的な焦点として存在しなくなることができれば、アートは商品化から解放されることができるのです。商品化は、多くのアーティストの生活や作品に対して非常に破壊的な力を及ぼす、しばしば忌まわしいシステムです。

ジョセフ・シリンジャー - グリーンスクエア、シリーズ「芸術の数学的基盤」より、約1934年、テンペラ、紙ボード、スミソニアン、写真提供：rendaan.com

商品科学

デマテリアライゼーションが始まった証拠として、リッパードは、視覚的ではあるが物体に基づかない性質を持つ光と空間のような運動や、ミニマリズムを挙げた。彼女は、これらの運動が芸術作品の視覚的側面の重要性を減少させ、視覚を無形で知的な体験の出発点として定義すると信じていた。しかし、アートのデマテリアライゼーションに対する初期の、そして明白な批判の一つは、これらの儚い概念が物体に基づかないとはいえ、依然として物理的現象を生み出すということだった。パフォーマンスアーティストでさえ、販売可能な体験として、または記録されたものとして「もの」を創造する—それはパフォーマンスである。

アーティストがどんなに小さな遺物を創造しても、それはフェティシズムの対象となり、商品として取引される可能性がある。商品化の可能性を完全に避ける唯一の方法は、アイデアを決して共有しないことだ。そうすれば、知的経験の尊厳と神聖さが保たれるかもしれない。しかし、共有されたアイデアだけが真にアートと呼ばれることができる。そして、アイデアが共有されると、所有され、操作され、他の方法で表現されることができる。言い換えれば、物質化されるのだ。そして、何かが物質化されると、それは商品として売買されることができる。

ジョセフ・シリンガー - リズムに関する未完成の研究、芸術の数学的基盤から発展したシリーズ、約1934年、イラストボードにクレヨンと鉛筆、シートサイズ：14 7/8 x 19 7/8 インチ（37.78 x 50.48 cm）、コレクション アルブライト＝ノックス美術館、バッファロー、ニューヨーク

5つの段階

今日、アートの非物質化を再読すると、明らかに見える唯一の真の誤りは、シュリンガーによって説明されたアートの五つの段階を線形的なものとして提示していることです。各世代が自らを現代性の最前線に立っていると見なすのは常に魅力的です。シュリンガーはアートが歴史的に段階を経て進化してきたと考え、リッパードは自分がアートを進化の頂点に向かわせる世代の一部であると考えていました。しかし、時間は前に進むのではなく、ただ過ぎ去るだけです。文化は線形ではなく、繰り返されます。人類は進化するのと同じくらい急速に退化します。そして、1960年代と70年代、そして今日も真実は、アーティストたちが他の人々がそれを物質化する方法を再発見するのと同じくらい急速に非物質化する方法を見つけているということでした。

最終的に、リッパードは脱物質化について書いている間に、これを認識していたに違いありません。彼女のエッセイは、いわゆるアートのゼロポイントがすぐに達成される可能性があるかどうかを問いかけることで締めくくられています。彼女は、「それはほとんどありそうにない」と述べています。今日、アーティストがデジタル空間にのみ存在するバーチャルな創作物を販売しているとしても、私たちは依然として脱物質化が幻想であると主張できます。見えるものは、たとえそれがバーチャルリアリティゴーグルを通してしか見えなくても、定義上は物質的です。しかし、私たちの意見では、脱物質化を達成することが本当に重要な点ではなかったことを証明しているだけです。リッパードが本当に言いたかったのは、視覚芸術の重要な側面の一つは、より少ないものでより多くを表現する方法を発見するために疲れ知らずに探求することだということです。脱物質化に向かっているアーティストは、同時にシンプルさに向かっているのです。そして、シンプルさは、本当に不可欠であり、したがって本当に意味のあるものを発見することにつながります。それは確かにアートの最終段階ではありません。しかし、それは私たちにアートの真の価値を思い出させることができる段階です。

特集画像：ジョセフ・シリンガー - レッド・リズム（詳細）、『アールの数学的基盤』から発展したシリーズ、約1934年、紙にガッシュ、画像面積：8 x 11 15/16インチ（20.32 x 30.32 cm）；シート：10 1/2 x 13 7/8インチ（26.67 x 35.24 cm）、コレクション アルブライト＝ノックス美術館、バッファロー、ニューヨーク

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フィリップ Barcio による