アートオブジェの非物質化とは何だったのか？
ルーシー・リッパード—アメリカ美術批評の巨匠であり、20冊以上の著書の著者、そしてアーティストによる書籍の代表的な販売者であるPrinted Matterの共同設立者—は今年80歳を迎えました。彼女の多くの業績にもかかわらず、リッパードは1968年にジョン・チャンドラーと共著したエッセイ「芸術の非物質化」（こちらでオンラインで閲覧可能）で最もよく知られています。このエッセイでリッパードは、芸術が純粋な知的段階に入ろうとしている可能性があり、その結果として伝統的な芸術作品が完全に消滅するかもしれないという証拠を示しました。この作品は、前の10年ほどの間に生まれた非常に独創的な概念芸術を背景にしており、その多くは一時的で保存に適さない遺物、あるいは経験の記録以外には何も残さないものでした。概念芸術家たちは、作品の中心をアイデアに置くことに専念し、多くの人が、芸術家がアイデアを表現するために作る物は単なる廃棄物に過ぎず、考慮に値するのはアイデアそのものだけだと説得力を持って主張しました。このエッセイは当時非常に影響力があり、リッパードはその後、この傾向の証拠を詳細に分析した『六年間』という本を出版しました。しかし、長い目で見ると彼女の予感は正確ではなかったことは明らかで、芸術作品はまだ非物質化していません。それでも、元の『芸術の非物質化』の発表から50周年を迎えるにあたり、この影響力のあるエッセイを振り返り、現代において何が重要であるかを考えてみたいと思います。
芸術の科学
リッパードは、芸術の非物質化で論じた核心的な概念を、アメリカの画家ジョセフ・シリンガーが著した『芸術の数学的基礎』という本に最初に示された考えに基づいています。その本でシリンガーは、美的現象を五つの段階に分けて美術史を説明しました。まず最初に「前美的」段階として模倣がありました。次に儀式的または宗教的な芸術が続きました。その後、感情的な芸術があり、次に理性的で経験に基づく芸術がありました。そして五番目であり、シリンガーが「最終的」とした美的段階は「科学的」、つまり彼が「後美的」と呼んだものでした。この最終段階は「アイデアの解放」に至り、「芸術の解体」をもたらすと彼は予測しました。
1950年代から60年代にかけての芸術の進化を考察しながら、リッパードは自分が目撃しているのはこの第五段階の出現だと信じていました。そして彼女はその考えに興奮していました。非物質化は肯定的で重要な変化だと考えました。なぜなら、美的対象が芸術の中心的な焦点でなくなれば、芸術は商品化から解放されることになり、多くの芸術家の生活や作品に破壊的な力を及ぼすことの多いその忌まわしい仕組みから自由になれるからです。
ジョセフ・シリンガー - 『芸術の数学的基礎』シリーズより「緑の四角」、約1934年、紙板にテンペラ、スミソニアン美術館、写真提供：rendaan.com
商品としての科学
非物質化が始まった証拠として、リッパードはライト・アンド・スペースのような、視覚的でありながら物体に基づかない運動や、ミニマリズムのように美的対象を大幅に削ぎ落とした運動を挙げました。彼女はこれらの運動が作品の視覚的側面の重要性を減少させ、視覚を無形の知的体験への出発点として定義していると考えました。しかし、『芸術の非物質化』に対する初期の明白な批判の一つは、これらの儚い概念的な作品が物体に基づかないとはいえ、依然として物理的な現象を生み出しているという点でした。パフォーマンスアーティストでさえ、パフォーマンスという「もの」を作り出し、それは体験として販売されたり、記録されたりします。
芸術家がどんなにわずかな遺物を作っても、それは崇拝の対象となり商品として取引される可能性があります。商品化の可能性を完全に避ける唯一の方法は、アイデアを決して共有しないことです。そうすれば知的体験の尊厳と神聖さが保たれるかもしれません。しかし、共有されたアイデアだけが真に芸術と呼べるものです。そしてアイデアが共有されるや否や、それは所有され、操作され、他の方法や形で表現されることができ、つまり物質化されます。そして何かが物質化されると、それは商品として売買されることになります。
ジョセフ・シリンガー - 『芸術の数学的基礎』シリーズより「リズムの未完成の研究」、約1934年、イラストボードにクレヨンと鉛筆、シートサイズ：14 7/8 x 19 7/8インチ（37.78 x 50.48 cm）、アルブライト＝ノックス美術館所蔵、バッファロー、ニューヨーク
五つの段階
今日『芸術の非物質化』を再読すると、唯一明らかな誤りは、シリンガーが説明した五つの芸術の段階を直線的なものとして提示している点です。各世代が自分たちを現代の最先端に立つ存在と見なすのは常に魅力的です。シリンガーは芸術が歴史的に段階を経て進歩してきたと考え、リッパードは自分たちの世代が芸術を進化の頂点へと導いていると信じていました。しかし、時間は前進するのではなく、ただ過ぎ去るだけです。文化は直線的ではなく、繰り返されます。人類は進化するのと同じ速さで退化もします。1960年代と70年代、そして今日においても、芸術家たちは非物質化を目指す一方で、他の者たちは物質化の方法を再発見しているのです。
結局のところ、リッパードも非物質化について書きながらこのことに気づいていたに違いありません。なぜなら彼女のエッセイは、芸術のいわゆるゼロポイントが近く到達するかどうかを問う形で締めくくられており、その答えは「ほとんどありそうにない」と述べているからです。今日、芸術家がデジタル空間にのみ存在する仮想作品を販売しているとしても、非物質化は幻想だと主張できます。見ることができるものは定義上物質的であり、たとえそれが仮想現実のゴーグルを通してのみ見えるものであっても同様です。しかし私たちの意見では、それは非物質化の達成が本当の目的ではなかったことを証明しているに過ぎません。リッパードが本当に言いたかったのは、視覚芸術の重要な側面の一つは、より少ないものでより多くを表現する方法を絶えず探求することだということです。非物質化を目指す芸術家は同時に簡素さを追求しています。そして簡素さは、本当に不可欠で意味のあるものを発見することにつながります。それは決して芸術の最終段階ではありません。しかし、それは芸術の真の価値を思い出させてくれる段階なのです。
特集画像：ジョセフ・シリンガー - 『芸術の数学的基礎』シリーズより「赤いリズム」（部分）、約1934年、紙にグアッシュ、画像サイズ：8 x 11 15/16インチ（20.32 x 30.32 cm）、シートサイズ：10 1/2 x 13 7/8インチ（26.67 x 35.24 cm）、アルブライト＝ノックス美術館所蔵、バッファロー、ニューヨーク
すべての画像は説明のために使用しています
フィリップ・Barcio 著
