ピエロ・マンゾーニがアクロームで抽象芸術を作ったとき

2019年2月14日、ハウザー＆ワース・ロサンゼルスは、ピエロ・マンゾーニの「アクローム」に焦点を当てた展覧会を開催します。展覧会のタイトルはピエロ・マンゾーニ：彼の時代の素材で、ミラノのピエロ・マンゾーニ財団のディレクターであるロザリア・パスカリーノ・ディ・マリネオがキュレーションを担当しています。この展覧会は、アメリカの観客が伝説的な概念芸術の一体と対面する稀な機会を提供します。1957年に始まったアクロームは、いわゆる「イタリアの経済的奇跡」の間にイタリアのアバンギャルドを刺激する上で重要な役割を果たしました。これは、第二次世界大戦後の再建の時期であり、イタリア人の日常生活と生活水準がかつてないほど速く、劇的に変化した時代でした。この時期、何百万もの経済移民が田舎から都市へ流れ込み、建築、交通の流れ、飲食習慣、そしてもちろん芸術と文化に不可逆的な変化をもたらしました。1933年に生まれたマンゾーニは、この時代の真っ只中でアーティストとしての自分を確立しました。彼の壊れた世界は、トラウマ、不確実性、そして常に存在する核戦争への恐怖によって特徴づけられていました。彼の最初の展覧会は1956年に開催され、日常の物体を影に還元した haunting な具象画が、炎のような放射性の輝きを背景に描かれていました。しかし、1957年にイヴ・クラインの青いモノクローム絵画の展覧会がミラノにやって来たとき、彼の方法はすべて変わりました。マンゾーニはこの展覧会を武器を取る呼びかけと見なし、描かれたイメージの探求を放棄し、真の芸術、つまり自然の独自性と時代を超えたものを体現する芸術の探求に専念しました。彼のアクロームは、完全にオリジナルなものへの第一歩でした。これらはマンゾーニを彼が創造した他のすべての作品の発展へと導き、20世紀で最も影響力のあるアーティストの一人になる道を開きました。

無色の表面

マンゾーニは、彼の「アクローム」シリーズと呼ばれる固体の白いアート作品を制作し展示してから2年後の1959年に、ようやく「スーペルフィチ・アクローム」、つまり無色の表面という名前を思いつきました。この名前には皮肉があります。科学者たちは、色の欠如を白ではなく黒と見なします。なぜなら、色は知覚されるために光を必要とし、黒はすべての光を吸収するからです。マンゾーニが作った最初のいわゆる無色の表面は、キャンバスのシートを白いジェッソで覆うことによって作られました。ジェッソは通常、画家が絵を描くための表面を準備するために使用するチョークのような白い顔料です。キャンバスにジェッソを塗り、それを完成と呼ぶことで、マンゾーニは、単一の色に絵画を還元することで多くを達成したイヴ・クラインを一歩先に行きましたが、まだ簡素化の余地を残していました。

ピエロ・マンゾーニ - アクローム, 1961年。合成繊維。42 x 33 cm / 16 1/2 x 13 in。ヘーニング現代美術館 (HEART)。写真: ソーレン・クロウ。© ファンデーション・ピエロ・マンゾーニ, ミラノ

色相を完全に排除した後でも、マンゾーニは自分の手の跡が作品にまだ見えることに気づきました。なぜなら、彼は表面にジェッソを塗布していたからです。彼は、真にオリジナルで再現不可能なものを求めており、それには自分自身を作品から排除し、自然が彼の干渉なしに自由に表現できるようにしなければなりませんでした。次のアクロームのために、彼は液体カオリンという白い粘土のような物質を生のキャンバスのシートに注ぎ、その後、メディウムの重さが自由に表面を操作するのを許しました。時間が経つにつれて、メディウムは表面を折りたたみ、歪ませ、川の水に磨かれた底や砂漠の風に吹かれた隆起に似た形状を作り出しました。しかし、この介入さえもマンゾーニには過剰に思えました。彼は自分の存在の証拠を完全に隠すアクロームを探し求め、パンロールにカオリンを覆い、ポリスチレンのシートに蓄光塗料を塗り、白いキャンバスのセクションを縫い合わせてグリッドを作りました。彼の最も成功した試みは、おそらくコットン、繊維強化プラスチック、ウサギの毛皮など、すでに白い材料を利用したアクロームでした。それらについては、彼は単に構成を整理し、素材が自らを語るのを許しました。

ピエロ・マンゾーニ - アクローム, 1961年。正方形のコットンワディングとコバルトクロリド。56.2 x 47.2 cm / 22 1/8 x 18 5/8 in. ヘーニング現代美術館 (HEART)。写真: ソーレン・クロウ。© ファンデーション・ピエロ・マンゾーニ, ミラノ

本当に本当

マンゾーニが「スーペルフィチ・アクローメ」で達成しようとしたことは、真に真実なものでした：タウタロジーの芸術的表現 – それは非常に独創的であり、誰がどのように反応しようとも、その内在する真実を永遠に冗長に表現し続けます。重力はタウタロジーであり、時間の経過もそうです。それは否定できず、真実であり、完全にユニークです。一部のアーティストは、タウタロジーの芸術を創造することは無駄で不可能な目標だと考えています。彼らは、人間のアイデアが物理的な世界に現れると、それが人工性を明らかにし、自然や真実の代表ではなく、パロディになると信じています。しかし、マンゾーニはそれほどシニカルではありませんでした。彼は、模倣不可能な芸術作品を創造することが可能であると信じており、アクロームの他にも、いくつかの他の作品群でこの目標を達成しようと努力しました。

ピエロ・マンゾーニ - アクローム, c. 1960. 綿のウール. 31 x 25 cm / 12 1/4 x 9 7/8 in. 提供: ピエロ・マンゾーニ財団, ミラノおよびハウザー＆ウィルス. 写真: ジェネビーブ・ハンソン. © ピエロ・マンゾーニ財団, ミラノ

「Fiato d'Artista」（アーティストの息）というシリーズでは、購入者が膨らませることも、アーティストが膨らませることもできる風船を販売し、後者の場合は価格が上昇しました。各風船に閉じ込められた息は再現不可能で、各風船の正確なサイズと形状はユニークでした。何よりも素晴らしいのは、これらの作品は時間とともに色あせ、最終的には自然な自己破壊のプロセスを通じて貴重な商品を解放することです。「Consumption of Art by the Art-Devouring Public」（アートを貪る公衆によるアートの消費）という別のシリーズでは、マンゾーニは自分の指紋を卵に印刷し、観客に一緒に消費するよう招待しました。「Sculture viventi」（生きた彫刻）では、人間を募集して彼のサインを体にしてもらいました。そして、彼の最も悪名高いシリーズ「Merda d’Artista」（アーティストの糞）の場合、マンゾーニは自分の排泄物を乾燥させて90缶に詰め、金の現在の価格で販売しました。しかし、マンゾーニが模倣不可能性の目標に最も近づいたのは、「Socle du Monde」（世界の台座）を作ったときでした。これはデンマークの野原に設置された逆さまの台座です。この作品は、世界全体をアート作品として提示することで、自然の最終的な権威を受け入れることによってのみ、アーティストがその真実を真に表現できることを示唆しています。

ピエロ・マンゾーニ 彼の時代の素材 は、2019年2月14日から4月7日までハウザー＆ウィルス ロサンゼルスで展示されます。

特集画像: ピエロ・マンゾーニ - アクローム, 1961年。ストロー、反射粉、カオリン、焼成木製ベース。68.3 x 45.8 x 44.5 cm / 26 7/8 x 18 x 17 1/2 in。ヘルニング現代美術館 (HEART)。写真: ソーレン・クロウ。© ファンデーション・ピエロ・マンゾーニ、ミラノ
フィリップ Barcio による