スタンリー・ホイットニーのグリッド・ペインティングが重要な理由

アメリカの抽象画家スタンリー・ホイットニーの最近の絵画は、独特のグリッド状の特質を持っています。彼らは、ネオ・プラスティシズムのテレビのカラーバーを想起させる、建築的な色のスタックです。そして、彼の最近のドローイングは、初歩的なチェッカーボードやフィッシュネットに似た太い黒い線のシンプルな構成から成り、グリッドへの彼の魅力をさらに明らかにしています。しかし、ホイットニーは常にグリッド画家だったわけではありません。グリッドは、彼が数十年かけて引き寄せられるものだったのです。実際、彼の過去50年分の絵画を振り返ると、作品にある種の進行的な物語を結びつけずにはいられません。それはその起源をはるかに超え、道中でよりシンプルでありながら、より深いものになっています。これは皮肉なことに、ホイットニーがモダンアートニュースポッドキャストでかつて言ったように、彼が抽象的な視覚言語を採用した理由は「私は本当に物語を語りたくなかった」からです。しかし、彼の美的進化は物語を語っています。それは典型的な英雄的な始まり-中間-終わりのタイプの物語ではありません。むしろ、年表のようなものであり、進行中の戦闘の最前線からの一連のニュース報告のようです。その戦闘は、スタンリー・ホイットニーが1960年代後半に抽象に転向する前から続けているもので、絵画とドローイングのメディウム、そして色と空間の表現における彼らの役割との戦いです。

多彩な若者

スタンリー・ホイットニーが色彩の探求で知られるようになったのは驚くことではありません。70代になった彼は、ペンシルベニア州ブリン・モーアの故郷にある近所の学校で初めての絵画クラスに参加した10歳の子供の頃の素敵な話を語ります。教師はクラスの子供たちに自画像を描くよう指示しました。他の生徒たちがさまざまなリアルな顔を捉えようとする中、ホイットニーは表現的な主題よりも色彩に引き寄せられる感覚を抱いていました。

彼の実際の外見に関連する色のパレットを混ぜようとする代わりに、彼は思いつく限りのすべての色を含む自己肖像画を描きました。ホイットニーは、教師がその絵を気に入ったが、彼の両親はそれを理解しなかったと言います。彼らは彼をそのクラスに戻すことはありませんでした。しかし、それはホイットニーが絵画と色の可能性に惹かれるのを止めることはありませんでした。実際、彼が最初の絵画クラスで10歳の時から、その日以来、スタンリー・ホイットニーは色を主題にする理想的な方法を探し続けることにコミットしていると言っても過言ではありません。

Stanley Whitney - Champagne and Lion, 2010, photo credits of Galerie Nordenhake

スペースを見つける

色への魅力に加えて、スタンリー・ホイットニーは若い頃、描画のプロセスにも惹かれていました。彼の白黒の絵は、最初は色への愛とは無関係に思えましたが、実際には彼が気づくのに多くの年を要した微妙なつながりがありました。そのつながりは空間に関係しています。白黒の絵を描く際、彼は線が構図の白い空間との関係を交渉する中で、空間の分布が無数の方法で起こり得ることを発見しました。しかし、彼が絵画に熟練するにつれて、色を使って同じ空間の交渉を達成する方法に困惑しました。

彼の初期の具象作品では、色が閉塞感を持ち、きつく感じられます。抽象への最初の試みでは、色面絵画のリフにジェスチャーのマークを加えたもので、色があまりにも緩く感じられました。彼は言いました。「作品にたくさんの空気が欲しい。作品にたくさんのスペースが欲しい。」しかし、彼はキャンバスのスペースの上に空気感をどのように作り出すかに悩んでいるようでした。彼の啓示は1970年代、地中海への旅行中に訪れたエジプトとローマで得られました。彼は建築と光の中に答えを見出しました。古代の建築は構造、制御、そして積み重ねられた要素の民主的な可能性を表現していました。地中海の影と光は、色と光が同じであり、冷たい色と暖かい色、冷たい光と暖かい光が空間を表現することを彼に示しました。それは彼が言うように、「空気と空間は色の中に存在することができ、色が空間の上にあるわけではない。」という絵画の謎を解き明かしました。

Stanley Whitney - Untitled, 2013, graphite on paper, photo credits of Galerie Nordenhake

体系的なプロセス

「それが物事が一つにまとまり始めた瞬間でした、」とホイットニーは言います。その時点から彼は今日制作しているグリッドペインティングに向けてゆっくりと進化してきました。彼は、色が線によってどのように表現されるかを決定するために、グラフィティのようなジェスチャーを使うことを探求してきました。これは、モンドリアンの作品に似ています。彼は、積み重ねた形から点の列や色の帯まで、グリッドへのアプローチの方法を検討してきました。彼は、自分の色を公平に収めるための骨組みが必要だと知っていましたが、同時にグリッドのルールが彼の作品を特定の方向に強制することは望んでいませんでした。彼は、ジャズのように構造と自由の完璧なバランスを見つけたいと思っていました。

Stanley Whitney - Lush Life, 2014, oil on linen, photo credits of Galerie Nordenhake

スタンリー・ホイットニーが現在制作している成熟したグリッド作品は、純粋で安定しています。最初は、彼の初期の作品にあった grit や angst が欠けているように見えます。しかし、よく見ると、人間の手による絵画的な痕跡が明らかであり、構図の複雑さは、ホイットニーが今なお彼の難問に取り組んでいる深さを示しています。彼は色を主題にする方法を見つけました。彼は、色と光が同じものであり、どちらも空間の現れであるという秘密を発見しました。そして、これらの発見を通じて、彼は豊かで否定できない意味に満ちた作品群を作り上げました。しかし、彼の発見にもかかわらず、彼は常に剃刀の刃の上に留まり、その意味が何であるかを正確に明らかにすることも、あるいは知ることも、知ろうとすることもありませんでした。

Stanley Whitney - Manhattan, 2015, oil on canvas, photo credits of Galerie Nordenhake

特集画像: スタンリー・ホイットニー - 無題, 2016年, リネンに油彩, ギャラリー・ノルデンハーケの写真クレジット
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フィリップ Barcio による