スタンリー・ホイットニーのグリッド・ペインティングが重要な理由

アメリカの抽象画家Stanley Whitneyの最近の絵画は、独特の格子状の特徴を持っています。それらは建築的な色の積み重ねであり、ネオ・プラスティシズムのテレビのカラーバーを思わせます。そして彼の最近のドローイングは、格子への魅力をさらに露わにし、原始的なチェッカーボードや網目のような太い黒線の単純な構成で成り立っています。しかし、Whitneyは常に格子画家だったわけではありません。格子に惹かれるようになるまでに何十年もかかりました。実際、過去五十年にわたる彼の絵画を振り返ると、その作品には進歩的な物語が付随しているように感じられます。それは起源をはるかに超え、より単純でありながらより深遠なものへと変化してきました。これは皮肉なことに、Whitneyがモダンアートニュースポッドキャストでかつて語ったように、彼が抽象的な視覚言語を採用した理由は「物語を語りたくなかったから」だと言っていることに反しています。しかし彼の美学の進化は確かに物語を語っています。それは典型的な英雄的な始まり・中間・終わりの物語ではなく、むしろ年代記や継続中の戦いの最前線からの一連のニュース報告のようなものです。その戦いとは、1960年代後半に抽象画に取り組み始める前からStanley Whitneyが続けているもので、絵画とドローイングの手法、そして色と空間の表現におけるそれらの役割との戦いです。

色彩豊かな少年時代

Stanley Whitneyが色彩の探求で知られるようになったのは驚くことではありません。現在70代の彼は、ペンシルベニア州ブリンモアの地元の学校で初めて絵画の授業を受けた10歳の頃の素敵な話を語ります。先生はクラスの子どもたちに自画像を描くよう指示しました。他の生徒たちがそれぞれのリアルな顔立ちを捉えようとする中、Whitneyは写実的な題材よりも色に惹かれました。

実際の外見に合う色調を混ぜようとする代わりに、彼は思いつく限りのすべての色を含む自画像を描きました。Whitneyによると、先生はその絵を気に入ったものの、両親は理解できませんでした。彼らは二度と彼をそのクラスに戻しませんでした。しかしそれでもWhitneyは絵画と色の可能性に惹かれ続けました。実際、10歳の初めての絵画の授業の日以来、Stanley Whitneyは色を主題にする理想的な方法を探し続けていると言っても過言ではありません。

Stanley Whitney - Champagne and Lion, 2010年、写真提供：Galerie Nordenhake

空間の発見

色への魅力に加え、Stanley Whitneyは若い頃からドローイングの過程にも惹かれていました。彼の白黒のドローイングは一見すると色彩への愛とは無関係に見えましたが、両者の間には微妙なつながりがあり、それに気づくまでに多くの年月を要しました。そのつながりは空間に関係しています。白黒のドローイングを制作する際、線が構成内の白い空間との関係を調整することで、空間の配分が無数の方法で生まれることを発見しました。しかし絵画が上達するにつれて、色で同じ空間の調整をどう実現するかに悩みました。

初期の具象作品では、色彩は窮屈で狭苦しく感じられました。抽象への最初の試みでは、色面表現にジェスチャー的な印を加えたもので、色彩はゆるすぎる印象でした。彼は「作品にたくさんの空気を、たくさんの空間を持たせたい」と言いました。しかしキャンバスの空間の上にどうやってその空気感を作り出すかに苦労しました。1970年代の地中海旅行で彼のひらめきが訪れました。エジプトとローマを訪れた際、建築と光の中に答えを見出しました。古代建築は構造、制御、積み重ねられた要素の民主的な可能性を表現していました。地中海の影と光は、色と光が同じものであり、冷たい色と暖かい色は冷たい光と暖かい光のように空間を表現することを示しました。それが絵画の謎を解き明かし、彼が言うように「空気と空間は色の中にあり、色が空間の上にあるのではない」と理解しました。

Stanley Whitney - Untitled, 2013年、紙にグラファイト、写真提供：Galerie Nordenhake

綿密な制作過程

「それがすべてがまとまり始めたきっかけだった」とWhitneyは言います。その時から彼は今日制作している格子画へとゆっくりと進化を続けています。彼はグラフィティのようなジェスチャーを使って線による色の表現を探求し、Mondrianの作品に似た手法を試みました。格子へのアプローチも、積み重ねられた形や点の列、色の帯など様々に検討しました。彼は色を公平に収める骨格的な枠組みを求めていましたが、格子の規則が作品を特定の方向に強制することは望みませんでした。彼は構造と自由の完璧な調和を見つけたかったのです。まるでジャズのように。

Stanley Whitney - Lush Life, 2014年、リネンに油彩、写真提供：Galerie Nordenhake

現在Stanley Whitneyが制作する成熟した格子作品は純粋で安定しています。初めは彼の初期作品にあった生々しさや苦悩が欠けているようにも見えます。しかしよく見ると人の手による筆跡が明らかであり、構成の複雑さはWhitneyが今なおその難題と格闘している深さを示しています。彼は色を主題にする方法を見つけました。色と光が同じものであり、どちらも空間の現れであるという秘密を発見しました。そしてこれらの発見を通じて、豊かで否定しがたい意味に満ちた作品群を生み出しました。しかし発見にもかかわらず、彼は常に刃の上に立ち続け、その意味を正確に明かすことも、あるいは知ることも、知ろうとすることもしていないのかもしれません。

Stanley Whitney - Manhattan, 2015年、キャンバスに油彩、写真提供：Galerie Nordenhake

特集画像：Stanley Whitney - Untitled, 2016年、リネンに油彩、写真提供：Galerie Nordenhake
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フィリップ・Barcio著