6명의 중요한 남아시아 여성 추상 화가

코로나19 팬데믹으로 인해 또 하나의 미술관 전시가 중단되었는데, 바로 필라델피아 미술관에서 초봄에 개막한 남아시아 여성 추상 미술가 6인의 현대 추상 전시인 《Fault Lines: Contemporary Abstraction by Artists from South Asia》입니다. 이 전시는 타냐 고엘, 실라 고우다, 프리야 라비시 메흐라, 프라바바티 메피야일, 나스린 모하메디, 자리나 등 여섯 명의 남아시아 여성 추상 미술가들의 작품에 초점을 맞추고 있습니다. 기획은 여러 세대를 아우르며 다양한 미학적 입장을 한데 모아 남아시아 현대 추상 내 존재하는 다양성의 일부만을 조명합니다. 전시 제목이 암시하듯, 모든 작품은 선이라는 형식적 요소를 어느 정도 활용합니다. 그러나 동등하게 중요한 단어는 ‘fault(단층, 결함)’입니다. 큐레이터 아만다 스로카는 형식주의적 관심을 넘어 더 넓은 문화적 논평 영역으로 나아가는 작가와 작품에 중심을 두기로 명확히 결정했습니다. 전시 내내 물질성과 의미가 어우러지며, 이 작가들은 우리의 여러 결함을 해체해 가장 시급한 사회적 문제들이 펼쳐지는 경계적이고 변형적이며 변화하는 영역을 탐구합니다. 성 역할, 기후 변화, 인류 이동, 정치 갈등, 개인 정체성, 종교적 편협함 등 문제에 대한 시적 논평을 제공합니다. IdeelArt는 9월 6일 재개될 이 전시에 참여한 여섯 작가 각각의 작업을 자세히 살펴봅니다.

자리나 하쉬미 (1937년 출생, 알리가르, 2020년 사망, 런던)

IdeelArt는 지난 5월 세상을 떠난 이 특별한 작가를 처음 소개했으며, 그녀는 단순히 자리나라고 불리길 선호했습니다. 어린 시절 인도 분할의 깊은 영향을 받은 자리나는 개인적 경험을 예술로 표현하는 의미를 탐구하는 데 작업실 활동을 바쳤습니다. 그녀의 구성은 기하학적 추상의 언어를 불러일으키면서도, 지도, 집, 손글씨 편지 등 한 곳에 고정되지 않은 집에 대한 변하는 기억을 시각적으로 참조합니다. 평생 이주민이었던 그녀의 《Fault Lines》에 포함된 작품은 이제 상징적인 목판화 시리즈인 “These Cities Blotted into the Wilderness (Adrienne Rich after Ghalib)”(2003)로, 경계가 유동적인 전쟁터 지역의 항공 지도를 최소한의 선형 흑백 구성으로 축소했습니다.

 

자리나 하쉬미 - 9 작품: These Cities Blotted into the Wilderness (Adrienne Rich after Ghalib), 2003. 우르두어 텍스트가 검은색으로 인쇄된 오카와라 종이에 목판화 9점 포트폴리오, 서머셋 종이에 부착. 작품 크기: 40.6 x 35.5 cm. 에디션 5/20. © 자리나 하쉬미

 

나스린 모하메디 (1937년 출생, 카라치, 1990년 사망, 바도다라)

20세기 중반 인도의 주류 양식과 현대 서구 문화를 연결하는 데 헌신한 느슨한 예술가 연합인 봄베이 진보 예술가 그룹의 동시대인인 나스린 모하메디는 바실리 칸딘스키와 카지미르 말레비치의 영성에 영감을 받았습니다. 그녀는 시간, 공간, 자연 세계와의 상호작용을 미묘한 기하학적 추상 구성으로 정제하는 독특한 시각 언어를 발전시켰습니다. 자주 복잡하고 층이 겹쳐진 그녀의 선 기반 드로잉은 사색적인 고요함을 지닙니다.

 

나스린 모하메디 - 제목 없음, 1975년. 종이에 잉크와 구아슈. 48.3 x 61 cm. 메트로폴리탄 미술관 소장.

 

실라 고우다 (1957년 출생, 바드라바티)

실라 고우다에게 작품을 직접 만드는 과정은 필수적입니다. 그녀는 인도 여성들이 공예와 노동 활동에 사용하는 일상 재료로 조각과 설치 작품을 만듭니다. 안료로는 인도 영적 의식에서 이마에 바르는 쿰쿠마 가루를 즐겨 사용하며, 이는 일곱 개의 인간 에너지 소용돌이인 차크라와도 관련됩니다. 고우다는 《Fault Lines》에 두 작품을 출품했는데, 하나는 기름통으로 만든 직사각형 판잣집을 닮은 작품이고, 다른 하나는 소똥 벽돌과 안료를 사용해 바닥에 곡선의 최소한의 선을 그린 작품입니다. 그녀의 작품은 자주 서사적 요소를 포함하고 현대 여성주의 문제와 명확히 연관되지만, 고우다는 의미가 물질적 현실에 내재한다고 믿으며 자신의 작품을 개방적이고 추상적이라고 여깁니다.

 

실라 고우다 - 제목 없음, 1997년, 설치 전경. 10점: 실, 안료, 바늘. 크기 다양 (약 305 x 762 cm). +91 재단 (슈미타와 아라니 보스 소장), 뉴욕. 사진 제공: 필라델피아 미술관.

 

프리야 라비시 메흐라 (1961-2018, 뉴델리)

섬유 직조를 전문으로 한 프리야 라비시 메흐라는 순수미술, 공예, 일상생활의 교차점을 시적으로 밝히는 다학제적 작업을 발전시켰습니다. 그녀의 섬세한 직조 종이 작품은 강렬하면서도 섬세한 아름다움과 구조를 지닙니다. 메흐라는 손상된 옷과 섬유를 수선하거나 보존하는 라푸가리 작업에 대해 잘 알려진 전문가였으며, 조상 대대로 이 전통에 뿌리를 두고 라푸가리를 천의 치유자로 보았습니다. 그녀는 전통 방식을 사용해 복잡하고 층이 겹친 입체적 추상 구성을 만든 라푸가리 작품을 “부식된 삶의 직물을 치유하려는 시도”로 해석할 수 있다고 설명했습니다. 《Fault Lines》에 출품된 작품은 제지와 직조 공예를 결합해 기하학적이고 생물형태적인 선과 형태의 언어를 혼합한 그녀의 상징적이고 최소한의 비전을 보여줍니다.

 

프리야 라비시 메흐라 - 제목 없음 5, 2016년. 다프네 펄프가 섞인 황마 천 조각. 62.2 x 45.7 cm. © 프리야 라비시 메흐라

 

프라바바티 메피야일 (1965년 출생, 나지바바드)

보석과 금속 세공에 뿌리를 둔 가문 출신이며 금세공인들로 둘러싸인 작업실을 가진 프라바바티 메피야일에게 금속은 작업에 매우 중요합니다. 그러나 그녀가 이 매체를 사용하는 목적은 장식이나 실용성과는 거리가 멉니다. 그녀는 금속이 주로 흰색이나 다른 차분한 단색인 조각 받침과 공존하는 방식을 탐구합니다. 그녀는 다양한 금속 요소로 최소한의 격자형 구성을 만들어 빈 배경에 일종의 글씨처럼 존재감을 부여합니다. 《Fault Lines》를 위해 만든 작품은 흰색 젯소로 칠한 16개의 정사각형 판넬이 일렬로 배열된 것으로, 판넬 표면에 구리선이 박혀 있습니다. 젯소가 구리선을 부분적으로 가려 작품을 지워지는 중인 필사본, 즉 팔림프세스트처럼 변모시킵니다. 작품의 추상적 특성은 이 작가가 자신의 매체 역사를 지우고 다시 쓰고 있다는 문자적 의미와 대조를 이룹니다.

 

프라바바티 메피야일 - se/hundred and six, 2018년. 틴남으로 찍은 젯소 판넬. 80.96 x 94.3 x 2.86 cm. 에스더 쉬퍼 © 안드레아 로세티

 

타냐 고엘 (1985년 출생, 뉴델리)

타냐 고엘은 뉴델리의 건축 철거 현장에서 수집한 재료로 직접 안료를 만듭니다. 그녀가 이 안료로 만드는 다채롭고 복잡하며 층이 겹친 기하학적 패턴은 현대 인도의 변화를 담은 일종의 물질적 지도를 내포합니다. 그녀의 구성은 또한 고엘이 구성하고 자유롭게 위반하는 수학 공식의 시각화로 해석될 수도 있으며, 질서와 자유 사이를 오갑니다. 《Fault Lines》를 위해 고엘은 자연 벽돌과 인디고 가루 안료를 섞어 만든 최소한의 선형 구성을 사용해, 건설 노동자가 사용하는 스냅 라인으로 벽에 바른 장소 특정 설치 작품을 제작해 해수면 변화를 나타냈습니다.

 

타냐 고엘 - notation in x, y, z, 2015년. 캔버스에 흑연, 안료, 유화. 213.3 x 274.3 cm. © 타냐 고엘

 

《Fault Lines: Contemporary Abstraction by Artists from South Asia》는 2020년 10월 25일까지 필라델피아 미술관에서 전시됩니다.

 

대표 이미지: 타냐 고엘 - Mechanisms 3, 2019년. 염색한 종이 비단, 흑연 펜, 색연필, 아크릴 캔버스. 243 x 198 cm. © 타냐 고엘
모든 이미지는 설명용으로만 사용됨
필립 Barcio 제공