루미네선스 달성 - 마크 로스코의 오렌지와 노란색

마크 로스코는 20세기 가장 오해받는 예술가일 수 있습니다. 그의 작품은 거의 전적으로 색상과 형태와 같은 형식적 특성에 대해 논의되지만, 로스코는 그의 그림이 형식주의적 객체가 아니라 도덕적 우주의 에소테릭 기호, 즉 시와 같다고 주장했습니다. 그의 그림 “오렌지와 노랑” (1956)는 이러한 오해의 완벽한 예입니다. 합리적인 관객은 그것을 시각적 특성으로 설명할 것입니다. 그들은 그것이 오렌지와 노란색 사각형으로 그려진 세로 방향의 직사각형 캔버스이며, 더 밝은 오렌지색 테두리가 있고, 사각형과 테두리는 날카로운 모서리가 없으며 부드럽고 서로 녹아드는 것처럼 보인다고 말할 것입니다. 그러나 로스코는 이 그림을 그의 많은 그림처럼 관문으로 보았습니다. 관객들이 감정으로 접근할 수 있는 신화적 드라마의 세계로 들어갈 수 있는 문이었습니다. “오렌지와 노랑”은 이 관점을 구현하고 있습니다. 왜냐하면 그것은 로스코가 자주 시도했지만 드물게 성취한 희귀하고 특정한 특성을 가지고 있기 때문입니다: 발광성. 그것은 내부에서 빛나는 것처럼 보이며, 마치 자신의 빛을 생성하는 것처럼, 그 안에 어떤 신비로운 공간이 존재하고 그 공간의 빛이 이 차원으로 방출되는 것처럼 보입니다. 그 빛은 관객들이 작품에 더 가까이 다가가고, 그것에 흡수되도록 유도하는 사이렌의 부름입니다. 그곳에서, 미지의 것과 마주하며, 로스코는 우리가 작품의 무관한 형식적 표면 특성과 연결되는 것이 아니라, 미지의 것과의 진정으로 친밀하고 완전한 인간 경험을 열 수 있기를 희망했습니다.

무정부주의의 화가

로스코는 자신을 아나키스트라고 자주 묘사했으며, 이는 그가 66세에 자살할 때까지 반복한 선언이었다. 그는 혼돈이나 폭력을 수용한다는 의미로 그렇게 말한 것이 아니었다. 그는 단지 권위를 신뢰하지 않았다는 의미였다. 그는 진정한 권위는 인간이 항상 씨름해온 고대의 도덕적 질문들에 담겨 있다고 믿었다. 그가 이 믿음을 얼마나 진지하게 여겼는지는 그의 성장 배경에 의해 강화되었다. 로스코는 1903년 러시아 드빈스크에서 태어났다. 유대인에 대한 인종차별을 피하기 위해 그의 가족은 미국으로 이민을 갔다. 그의 아버지와 두 명의 형은 1910년에 미국으로 건너왔고, 로스코와 나머지 가족은 1913년에 뒤따랐다. 로스코가 도착하자마자 그의 아버지가 세상을 떠났다. 그는 형제들과 함께 일자리를 찾아야 했고, 이는 로스코에게 끝나지 않는 힘든 일의 시작이었다.

그가 힘들게 일하면서 발전시킨 태도는 로스코를 강하게 자립하게 만들었다. 그는 자신감을 키우고 자신의 본능과 지성을 신뢰하는 법을 배웠다. 그는 학교에서 두 학년을 건너뛰었고 예일대학교의 장학금을 제안받았지만, 그 대학이 엘리트적이라고 느껴 1923년에 그곳을 떠났다. 중퇴한 후 그는 뉴욕시로 이사하여 처음으로 미술 수업에 등록했다. 그는 정식 미술 역사 교육을 받지 않았기 때문에 미술 세계를 지배하는 어떤 종류의 계층적 시스템에 대한 믿음에 얽매이지 않았다. 그는 단순히 회화를 인간 조건을 다루는 수단으로 보았고, 이는 철학과 심리학과 밀접하게 관련되어 있다고 느꼈다. 그의 1930년대 초기 작품은 인류의 위대한 신화를 비유적으로 탐구했다. 그러다가 1940년대 초반에 접어들면서 그는 점차적으로 더 상징적인 표현을 하게 되었다. 마침내 1940년대 후반에 그는 성숙한 스타일에 도달했으며, 그 중 "오렌지와 노랑"이 이상적인 예이다. 그는 이 스타일이 자신의 무정부주의적 신념을 구현한다고 느꼈다. 왜냐하면 이 그림들 속에서 모든 관람자는 예술과 관계를 맺는 방법에 대한 기대에서 벗어나 자신의 의식의 영원하고 초월적이며 형이상학적인 현실에 항복할 수 있었기 때문이다.

빛에서 어둠으로

“오렌지와 노랑”은 특히 직접적인 구성이다. 제한된 팔레트와 단순화된 시각 언어는 눈에 대한 방해 요소를 거의 제공하지 않으며, 이는 로스코가 스스로 설정한 목표를 구현한 것으로, 그는 이를 “화가와 아이디어 사이, 그리고 아이디어와 관찰자 사이의 모든 장애물 제거”라고 설명했다. 그 빛나는 특성은 또한 일종의 전환점을 나타내며, 단 2년 후 로스코는 주로 어두운 색조로 팔레트를 크게 변화시켰다. 그의 어두운 그림들은 훨씬 더 침울하다. 일부 관람객들은 그것들이 위협적이라고 말하는 반면, 다른 이들은 그것들이 신성한 특성을 가지고 있다고 느낀다. 이러한 특성은 1964년 존과 도미니크 메닐이 의뢰한 휴스턴의 영구 갤러리 공간인 로스코 채플에서 구현된다. 그 공간에는 거의 검은색의 그림 14점이 걸려 있다. 그 공간은 오직 자연광으로만 조명된다. 외부의 대기 조건에 따라, 작품들은 눈앞에서 미세한 회색 변주에서 파란색에서 검은색으로 변모한다.

“오렌지와 노랑”은 로스코가 생애 마지막에 완성한 마지막 시리즈의 그림들과 극적인 대조를 이룹니다. 1960년대 후반에 그려진 이 그림들은 때때로 “어두운 그림들” 또는 “회색 위의 검정”이라고 불리며, 로스코가 거의 죽을 뻔한 동맥류를 앓고, 두 번째 아내와 이혼한 후에 그려졌습니다. 이 시리즈 작업 중에 로스코는 예일대학교에서 명예 박사 학위를 수여받았는데, 이는 그가 경멸했던 학교로부터의 인정이자, 그가 신뢰하지 않았던 체계에 기여했다는 통지로서 아이러니와 검증이 혼합된 것이었습니다. 그러나 그 인정은 궁극적으로 그에게 아무 의미가 없었습니다. 그가 진정으로 원했던 것은 일반 대중이 마침내 그의 작품을 이해해 주기를 바라는 것이었습니다. 하지만 “어두운 그림들”을 전시했을 때는 전혀 그렇지 않았습니다. 비평가들은 그것을 장식적인 용어로 묘사하여 로스코는 다시 한 번 오해받는 기분을 느꼈습니다. 그들의 데뷔 직후, 로스코는 약물을 과다 복용하고 자신의 손목을 베어, 예술에 대한 그의 강한 신념 중 하나를 드러냈습니다: 그것은 “비극적이고 영원할 때만 유효하다.” 그러나 “오렌지와 노랑”은 그 규칙의 예외로 돋보입니다: 오늘날에도 여전히 인간의 영혼을 미지의 세계와 연결하는 방법에 대한 우리의 이해를 높여주는 빛나는 초월적인 그림입니다.

특집 이미지: 마크 로스코 - 오렌지와 노랑, 1956. 231.1 x 180.3 cm. 알브라이트-녹스 미술관, 버팔로, NY, 미국. © 마크 로스코
필립 Barcio