톰마 압츠의 엄격한 예술

톰마 압츠는 어려운 업적을 이뤘습니다: 그녀는 단순하고 직관적인 그림을 그리면서도 오랜 시간 동안 시선을 사로잡는 작품을 만들어냅니다. 구성은 제한된 수의 시각적 요소로 이루어져 있습니다: 곡선 아크, 기하학적 형태, 그리고 선형 패턴. 형태들은 서로 상호작용하며, 미묘한 방식으로 시각을 속이는 역동적인 배열을 만들어냅니다. 그림들은 조화를 이루고 있지만, 가까이 들여다볼수록 더 많은 긴장이 드러납니다. 그 긴장은 이미지 자체와는 덜 관련이 있으며, 오히려 그림 표면의 물리적 특성과 더 관련이 있습니다. 현재 런던의 서펜타인 갤러리에서 전시 중인 그녀의 자타공인 회고전에서는 그녀의 작업이 본질적으로 화가다운 무언가를 지니고 있어, 차세대 현대 추상 회화가 어떤 모습일지를 보여주는 등대처럼 여겨지고 있습니다. 이러한 찬사는 예술가 자신이 지닌 진정한 독창성과 관련이 있습니다. 압츠는 창시자입니다; 새로운 작품을 창조할 뿐만 아니라, 그녀의 진정성, 작업 윤리, 그리고 개방성이 새로운 아이디어의 출현으로 이어지는 예술가입니다. 이 전시의 소규모, 미묘한 작품들은 새로운 아이디어를 지붕 위에서 외치지 않으며, 심지어 우리의 주의를 요구하지도 않습니다. 그들은 조용히 그들의 가치를 선언하며, 주의 깊게 살펴보는 사람은 누구나 단순하고 영원한 진리의 비전을 통해 보상을 받을 것이라는 사실에 자신감을 가지고 있습니다.

프로세스의 가치를 되찾기

"프로세스 아트"라는 용어는 시끄러운 1960년대 예술 세계에서 등장했습니다. 이는 창작 과정이 최종 예술 객체보다 우선하는 모든 유형의 예술에 대한 포괄적인 진술이 되었습니다. 여러 해에 걸쳐 퍼포먼스 아트, 개념 미술, 랜드 아트, 다다 아트, 사회적 실천 예술, 심지어 추상 표현주의까지 모두 프로세스 아트의 유형으로 설명되었습니다. 이러한 모든 스타일에 필수적인 것은 미적 객체가 유물이며, 물질적인 것들을 우상화하고 거래하는 반면, 가장 가치 있는 것은 그들의 창작으로 이어진 대체 불가능하고 독특한 인간 행동이라는 개념입니다. 이 전반적인 개념은 많은 철학적 무게를 지니고 있지만, 사람들은 예술 객체 주위에 있는 것을 좋아한다는 단순한 사실을 근본적으로 부정합니다. 대다수의 경우, 예술 작품의 창작으로 이어진 과정은 관객에게 알려지지 않습니다. 이른바 미적 유물은 실제로 대부분의 사람들이 그 작품에 대해 알게 되는 유일한 것입니다.

톰마 압츠. 페케, 2013. 개인 소장, 뉴욕 © 톰마 압츠. 그린그래시, 런던 제공.

나는 Abts를 프로세스 아티스트로 간주하지만, 다른 유형의 프로세스 아티스트라고 생각한다. 그녀는 예술 객체를 포용하면서도 프로세스가 중추적임을 인정한다. 그녀는 자신의 작품을 어떻게 창조할 것인지에 대한 중요한 선택에 대해 스스로 책임을 진다. 그녀의 방법은 잘 생각되고 정의되어 있으며, 그녀는 항상 구체적인 목표를 향해 나아가고 있다. 그러나 그녀의 작업의 천재성은 Abts가 자신의 프로세스에서 나타나는 계시에 기꺼이 순응하는 두려움이 없다는 점이다. 비록 그녀가 항상 정의된 출발점과 특정 목표로 시작하지만, 그녀는 그림 그리기 자체에서 받는 영감에 열려 있다. 이러한 이유로, 모든 단계는 어느 정도 이전 단계에서 마주친 놀라움에 의해 안내된다. 그녀의 그림은 따라서 천천히 펼쳐지며, 때로는 몇 년에 걸쳐 진행된다. 그녀의 계획의 엄격함에도 불구하고, 최종 구성은 그녀에게 마지막 순간까지 알려지지 않는다.

톰마 압츠. 모더, 2005. 낸시 로터 맥두걸과 알프레드 L. 맥두걸의 기증. © 톰마 압츠. 그린그래시, 런던 제공.

안도감을 찾다

최근 몇 년간 그녀의 개방적인 과정에서 나타난 가장 매혹적인 깨달음 중 하나는 그녀가 그림의 표면에 쌓아 올리는 층에서 자주 발생하는 고르지 않은 표면과 관련이 있다. Abts는 각 작품을 얇은 아크릴 물감을 바르는 것으로 시작하고, 그 후에 천천히 유성 물감을 사용하여 추가적인 얇은 층을 쌓아 올린다. 그녀는 선으로 시작할 수 있으며, 시간이 지나면서 그 원래의 선 위에 다시 칠하기로 결정할 수 있다. 그렇게 할 때, 새로운 물감 층이 원래의 선을 덮으면서 작은 능선이 생성된다. 일부 화가들은 그 능선을 사포로 갈아 없애서 그 증거를 가리지만, Abts는 그것을 시간의 메아리로 남겨두며 구성의 개인적인 역사를 암시한다. 이것이 그녀의 회고전 작품에 "화가적인" 특성을 부여하는 요소이다. 그러나 Abts는 최근에 이러한 능선에서 또 다른 것을 보았다. 더 이상 그녀는 그것들을 단순히 과거의 흔적으로 보지 않았다. 그녀는 그것들을 미래의 잠재적인 시작으로 인식했다.

톰마 압츠. 인테, 2013. 개인 소장, 쾰른. © 톰마 압츠. 그린그래시, 런던 제공.

그녀의 화가적 능선에서 본 잠재력을 표현하기 위해, Abts는 자신의 그림 중 하나의 주형을 만들고 그 주형을 금속으로 제작했다. 단색 알루미늄으로 표현된 능선은 한때 그들을 덮고 있던 상위 층의 페인트에 의해 더 이상 억압되지 않는다. 대신, 그것들은 작품의 중심 요소가 되었다. 그림은 부조 조각이 되지만, 그 조상 옆에 걸려 있을 때 여전히 이전의 자아의 특성을 유지한다. 이 미묘한 혁신은 변모의 과정의 아름다움을 가장 명확하게 표현한 것 중 하나이다. 그것은 그림 그리기의 행위가 고치 안에서 펼쳐지는 신비와 유사하다는 것을 인정하는 것이다. 창조의 자연적 과정은 경이롭고 강력하지만, 그 고치에서 나오는 생명—창조의 산물—만큼 가치가 있을 수는 없다. Abts에게 예술은 삶이 된다—Abts처럼 예술가가 조상 역할을 받아들이고 창조의 과정이 무엇을 생산할지에 대한 신비에 항복할 때의 불가피한 결론이다. 2002년부터 2017년까지의 그림과 그녀의 새로운 금속 부조 일부를 포함하는 회고전 Tomma Abts는 2018년 9월 9일까지 런던의 Serpentine Galleries에서 전시되며, 2018년 10월 19일부터 2019년 2월 17일까지 시카고 미술관에서 전시된다.

특집 이미지: 톰마 압츠. 젤스, 2012. 사샤 S. 바우어 소장. © 톰마 압츠. 그린그래시, 런던 제공.
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필립 Barcio