피에트 몬드리안의 브로드웨이 부기 우기 리듬

“브로드웨이 부기우기” (1943)는 피에트 몬드리안이 세상을 떠나기 전에 그린 마지막 작품 중 하나입니다. 어떤 면에서는 엄격하고, 다른 면에서는 혼란스러운 이 그림은 동시에 움직임의 이미지이자 에너지가 멈춘 모습입니다. 몬드리안은 이 작품을 걸작으로 여겼으며, 자신의 지적 이론을 완벽하게 표현한 작품이라 생각했습니다. 수십 년 동안 그는 현대 시대의 정신을 추상적으로 전달할 수 있는 보편적인 시각 언어를 만들기 위해 노력했습니다. 그는 예술의 형식적 요소를 색, 형태, 선으로 체계적으로 줄였고, 다시 그 요소들을 기본 색상, 직사각형과 정사각형, 그리고 수평과 수직선으로 더 축소했습니다. 그의 작업은 창조적이면서도 파괴적이었으며, 그 목표는 화가들이 구상적 주제에 의존하는 것을 없애고 더 깊은 진리에 기반한 양식을 만드는 것이었습니다. 몬드리안은 “나는 가능한 한 진리에 가까이 다가가고자 하며, 따라서 사물의 근본적인 특성에 도달할 때까지 모든 것을 추상화한다”고 말했습니다. “브로드웨이 부기우기”로 그는 그 목표를 달성했습니다. 그는 브로드웨이의 빛, 에너지, 건축물이라는 실재의 본질을 그리면서도 그 주제를 완전히 추상적인 감정의 표현으로 증류했습니다. 그에게 이 작품은 승리였으며, 많은 동시대 예술가들에게는 수많은 개념적·이론적 발전의 출발점이 되었고, 그 중 많은 것들이 오늘날 추상 미술에 큰 영향을 미치고 있습니다.

처음부터 시작하기

피에트 몬드리안이 알려진 성숙한 양식을 처음 접할 때 사람들이 가장 흔히 하는 실수는 몬드리안이 실제 사물을 그릴 줄 몰랐을 것이라고 생각하는 것입니다. 하지만 그것은 전혀 사실과 다릅니다. 1872년에 태어난 몬드리안은 아마추어 화가였던 아버지와 전문 화가였던 삼촌에게 어린 시절 그림을 배웠습니다. 20세에 미술학교에 입학했고, 모델을 보고 그리거나 구상 화가들의 작품을 모사하는 데 매우 능숙하여 학교를 마친 후 박물관 그림을 복사하거나 과학적 도면을 그려 생계를 유지할 수 있었습니다. 모방에 뛰어났음에도 불구하고, 그는 미래를 위해 새로운 것을 창조할 가능성을 지닌 후기 인상파 운동에 더 큰 희망을 걸었습니다. 그는 분할주의, 입체파, 미래파 같은 초기 현대주의 운동에 대해 가능한 모든 것을 배웠고, 30대 내내 접한 모든 새로운 양식의 교훈을 빠르게 습득하며 변화했습니다.

몬드리안은 꼼꼼히 기록했습니다. 그는 후기 인상파의 시각적 기법을 연습했을 뿐 아니라 그들의 이론 밑바탕에 있는 사상도 깊이 분석했습니다. 칼뱅주의 가정에서 자란 그는 어린 시절 영성에 대한 개념을 접했습니다. 미술 공부를 통해 그는 조직화된 종교의 배타성을 거부하게 되었고, 대신 보편적인 영성은 조형 예술을 통해 얻을 수 있다고 믿게 되었습니다. 몬드리안이 발전시킨 시각 이론은 단순해 보일 수 있지만, 그것들은 그가 인식한 깊은 진리를 나타냅니다. 수평선과 수직선은 자연의 대립하면서도 협력하는 힘—긍정과 부정, 단단함과 부드러움, 에너지와 휴식—을 나타냅니다. 정사각형과 직사각형은 과학과 수학을 상징하며, 몬드리안은 네덜란드 수학자 마티외 휴베르투스 요제푸스 스푼마커스의 사상에 부분적으로 기반한 존재의 신비를 구체적으로 표현한다고 믿었습니다. 제한된 색상 팔레트는 관계의 중요성을 전달하는 데 필요한 최소한의 색상이라고 몬드리안은 생각했습니다. 그가 말했듯이, “모든 것은 관계를 통해 표현된다. 색은 다른 색을 통해서만 존재할 수 있다.”

브로드웨이의 부기우기

몬드리안이 발전시킨 양식의 원래 이름은 데 스틸(De Stijl)이었습니다. 그러나 시간이 지나면서 그는 증류 이론에 너무 몰두한 나머지 데 스틸의 다른 구성원들과 소원해졌고, 네오-플라스티시즘이라는 새로운 양식을 시작했습니다. 두 양식의 실제 차이는 네오-플라스티시즘이 색상이 더 적고 대각선이 없다는 점뿐입니다. 사소해 보일 수 있지만, 몬드리안에게 순수성은 보편성의 핵심이었습니다. 그리고 이러한 스스로 정한 제한을 엄격히 지키면서도 그는 계속해서 그림을 더 흥미롭게 만드는 방법을 찾았습니다. 그의 인생에서 가장 영감을 받은 시기 중 하나는 1940년, 68세 때 뉴욕으로 이사했을 때였습니다. 몬드리안에게 뉴욕은 현대 도시의 전형이었습니다. 그는 재즈 음악의 에너지와 거리 곳곳을 흐르는 끝없는 생명의 맥박에 감동했습니다. 또한 파리와 런던 같은 다른 도시들과 달리 뉴욕은 자신의 그림과 놀랍도록 닮은 격자형 도시 구조를 가지고 있다는 점도 높이 평가했습니다.

1942년, 몬드리안은 “뉴욕 시티”라는 그림을 완성했는데, 이전 작품에서 보던 검은 선 대신 빨강, 노랑, 파랑 선을 사용했습니다. 이 미묘한 변화는 작품에 짜릿한 새로운 에너지를 불어넣었습니다. “브로드웨이 부기우기”는 그 아이디어를 한층 더 발전시켜 선 안에 정사각형과 직사각형을 넣고, 그 안에 더 작은 정사각형과 직사각형을 채웠습니다. 네오-플라스티시즘의 본질적 요소는 유지되면서도 확장된 것입니다. “브로드웨이 부기우기”를 완성한 지 1년 후, 몬드리안은 세상을 떠났습니다. 그가 세상을 떠날 때는 제2차 세계대전 종전을 기념하는 “빅토리 부기우기”라는 또 다른 걸작을 작업 중이었습니다. 다른 작품들처럼 이 마지막 캔버스도 90도 기울어져 있습니다. 완성되지 않은 상태였기에 아직 테이프 자국이 남아 있고, 색상도 완전하지 않으며 선과 형태의 가장자리도 정밀하지 않습니다. 표면은 매우 화가의 붓질이 느껴집니다. 이 불완전함은 몬드리안의 인간적인 면모를 드물게 엿볼 수 있게 해줍니다. 또한 “브로드웨이 부기우기”는 그가 생전에 완성한 마지막 중요한 작품이자, “움직이게 하는 자가 또한 휴식을 만든다”와 “미적으로 휴지된 것이 예술이다”라는 그의 자주 언급한 격언을 가장 완전하게 구현한 작품입니다.

대표 이미지: 피에트 몬드리안 - 브로드웨이 부기우기. 1942-43. 캔버스에 유채. 50 x 50" (127 x 127 cm). 모마 소장. © 2019 현대미술관
이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됨
필립 Barcio 제공