피에트 몬드리안의 브로드웨이 부기 우기 리듬

“브로드웨이 부기 우기” (1943)은 피에트 몬드리안이 사망하기 전에 만든 마지막 그림 중 하나입니다. 어떤 면에서는 엄숙하고, 다른 면에서는 혼란스러운 이 그림은 동시에 움직임의 이미지이자 정지된 에너지의 그림입니다. 몬드리안은 이것을 걸작으로 간주했습니다. 그의 지적 이론을 완벽하게 표현한 작품이었습니다. 수십 년 동안 그는 현대 시대의 정신을 추상적으로 전달할 수 있는 보편적인 시각 언어를 만들기 위해 노력해왔습니다. 그는 예술의 형식적 요소를 색상, 형태, 선으로 체계적으로 줄여 나갔고, 그 요소들을 다시 기본 색상, 직사각형과 정사각형, 수평 및 수직 선으로 더 줄였습니다. 그의 작업은 창조적이면서도 파괴적이었습니다. 그 목표는 화가들이 구상적 주제에 의존하는 것을 파괴하고 더 깊은 진리에 기반한 스타일을 만드는 것이었습니다. 몬드리안은 "나는 가능한 한 진리에 가깝게 접근하고 싶으며, 따라서 나는 모든 것을 추상화하여 사물의 본질적인 특성에 도달합니다."라고 말했습니다. "브로드웨이 부기 우기"에서 그는 그 목표를 달성했습니다. 그는 브로드웨이의 빛, 에너지, 건축물이라는 실제의 본질을 그림으로 그리면서도 그 주제를 완전히 추상적인 감정의 표현으로 증류했습니다. 그에게 그것은 승리였습니다. 그리고 그의 동시대 많은 사람들에게 그것은 수많은 다른 개념적 및 이론적 발전의 출발점이 되었으며, 그 중 많은 것들이 오늘날 추상 미술에 엄청난 영향을 미치고 있습니다.

시작하기

사람들이 피에트 몬드리안의 성숙한 스타일에 처음 소개될 때 저지르는 첫 번째 실수는 몬드리안이 실물에서 그릴 수 없었을 것이라고 생각하는 것이다. 하지만 그것은 진실과는 거리가 멀다. 1872년에 태어난 몬드리안은 아마추어 화가인 아버지와 전문 화가인 삼촌에게 어린 시절 교육을 받았다. 그는 20세에 미술학교에 입학했으며, 모델에서 그리는 것과 구스타프 클림트의 고전 마스터들을 모방하는 데 매우 능숙하여, 학교가 끝난 후 박물관의 그림을 복사하고 과학적 그림을 그리며 생계를 유지할 수 있었다. 그러나 모방에 대한 그의 재능에도 불구하고, 포스트 인상파 운동은 그에게 더 많은 가능성을 제공했다. 왜냐하면 그것은 미래를 위한 새로운 것을 창조할 가능성을 지니고 있었기 때문이다. 그는 분할주의, 입체파, 그리고 미래주의와 같은 초기 모더니즘 운동에 대해 배울 수 있는 모든 것을 배웠고, 30대 내내 그는 접한 모든 신흥 스타일의 교훈을 빠르게 전환했다.

몬드리안은 열심히 노트를 작성했다. 그는 포스트 인상파의 시각적 기법을 연습했을 뿐만 아니라 그들의 이론을 뒷받침하는 사고를 깊이 분석했다. 칼빈주의 가정에서 자란 그는 어린 시절 영성의 개념에 노출되었다. 미술 공부를 통해 그는 조직된 종교의 배타성을 거부하게 되었고, 대신 보편적인 영성은 플라스틱 아트를 통해 달성될 수 있다고 믿게 되었다. 몬드리안이 개발한 시각 이론은 단순해 보일 수 있지만, 그가 깊은 진리로 인식한 것을 나타낸다. 수평선과 수직선은 자연의 대립-협력하는 힘을 묘사한다—긍정과 부정, 단단함과 부드러움, 에너지와 휴식. 정사각형과 직사각형은 과학과 수학을 나타내며, 몬드리안은 이것들이 존재의 신비를 구체적으로 표현한다고 믿었다. 이는 네덜란드 수학자 마티유 후베르투스 요제프스 스코넨마커스의 아이디어에 부분적으로 기반하고 있다. 제한된 색상 팔레트는 몬드리안이 관계의 중요성을 전달하는 데 필요한 가장 적은 수의 색상으로 간주한 것이다. 그가 말했듯이, “모든 것은 관계를 통해 표현된다. 색상은 오직 다른 색상에 의해 존재할 수 있다.”

브로드웨이의 부기 우기

몬드리안이 개발한 스타일의 원래 이름은 드 스틸(De Stijl)이었다. 그러나 시간이 지나면서 그는 자신의 정제 이론에 너무 헌신하게 되어 드 스틸의 다른 회원들과 소원해졌고, 네오 플라스티시즘(Neo-Plasticism)이라는 새로운 스타일을 시작했다. 두 스타일의 유일한 실제 차이점은 네오 플라스티시즘이 색상이 더 적고 대각선이 없다는 것이다. 그것은 사소하게 보일 수 있지만, 몬드리안에게 순수함은 보편성의 열쇠였다. 그럼에도 불구하고 이러한 자가 부과한 제한에 엄격히 따르면서도 몬드리안은 자신의 그림을 계속해서 더 흥미롭게 만드는 방법을 찾았다. 그의 인생에서 가장 영감을 주는 순간 중 하나는 1940년, 그가 68세였을 때 뉴욕으로 이사했을 때였다. 몬드리안에게 뉴욕은 현대 도시의 전형이었다. 그는 재즈 음악의 에너지와 거리에서 흐르는 끝없는 생명의 맥박에 감동했다. 그는 또한 그가 살았던 다른 도시들, 예를 들어 파리와 런던과는 달리 뉴욕이 그의 그림과 eerily 유사한 격자 형태로 배치되어 있다는 사실을 존경했다.

1942년, 몬드리안은 "뉴욕 시"라는 제목의 그림을 완성했으며, 이 작품에서는 그의 과거 구성에서 익숙한 검은 선들이 빨강, 노랑, 파랑 선으로 대체되었습니다. 이 겉보기에는 미세한 변화가 작품에 짜릿한 새로운 에너지를 불어넣었습니다. "브로드웨이 부기 우기"는 그 아이디어를 더욱 발전시켜 선 안에 정사각형과 직사각형을 삽입하고, 정사각형과 직사각형을 더 작은 정사각형과 직사각형으로 채웠습니다. 네오 플라스티시즘의 본질적인 요소는 유지되지만, 또한 확장되었습니다. "브로드웨이 부기 우기"를 완성한 지 1년 후, 몬드리안은 세상을 떠났습니다. 그가 세상을 떠날 당시 그는 또 다른 걸작, 즉 제2차 세계 대전의 종전을 기념하는 "빅토리 부기 우기"라는 제목의 작품을 작업 중이었습니다. 그의 다른 그림들처럼, 이 마지막 캔버스는 90도 기울어져 있습니다. 그의 죽음 당시 미완성이었던 이 작품은 여전히 테이프 조각이 남아 있으며, 색상도 순수하지 않고 선과 형태의 가장자리도 정밀하지 않습니다. 표면은 상당히 화가적입니다. 그 불확실성은 몬드리안의 인간성을 엿볼 수 있는 드문 기회를 제공합니다. 또한 "브로드웨이 부기 우기"는 그가 생전에 완성한 마지막 중요한 작품이자, "움직이는 것을 만드는 자는 또한 휴식을 창조한다"와 "미적으로 휴식이 주어진 것은 예술이다"라는 그의 자주 언급된 격언의 가장 완전한 표현입니다.

특집 이미지: 피트 몬드리안 - 브로드웨이 부기 우기. 1942-43. 유화. 50 x 50" (127 x 127 cm). 모마 컬렉션. © 2019 현대 미술관
이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됩니다.
필립 Barcio