Jeremy Annear와의 인터뷰

Jeremy Annear (1949년생)는 영국 콘월에 거주하는 매우 존경받고 성공한 추상 미술가입니다. 그의 작품은 아이오니안 트러스트와 로열 할로웨이 컬렉션 등 여러 곳에 소장되어 있으며, 캐나다, 미국, 독일, 프랑스, 네덜란드 등에서 국제적으로 전시한 바 있습니다. 이 모든 장소들은 그의 작품에 독특한 영향을 미쳤습니다. 최근 트루로의 레몬 스트리트 갤러리에서 아내 주디 벅스턴과 함께한 공동 전시는 작가에게 일종의 고향 방문과도 같았는데, 콘월의 풍경은 그에게 큰 영감과 사색의 원천입니다. 우리는 Jeremy와 전시, 그의 경력, 그리고 추상미술에 대한 그의 견해에 대해 이야기를 나누었습니다.

최근 레몬 스트리트 갤러리에서 열린 "두 배: 예술과 삶에서" 전시에 대해 말씀해 주시겠습니까?

레몬 스트리트 갤러리는 콘월에서 선도적인 갤러리로 전국적으로도 매우 좋은 평판을 가지고 있습니다. 3층으로 이루어져 있고, 아내 주디는 갤러리 전체에서 전시를 할 예정이었으나, 3층 모두를 차지하고 싶지 않다고 느껴 루이즈 존스 갤러리스트의 권유로 저도 함께 전시하게 되었습니다. 저는 갤러리 지하에 있는 아름다운 흰색 큐브 공간에서 개인전을 열었는데, 매우 미니멀하고 현대적인 공간으로 제 작품과 잘 어울렸습니다. 전시에는 약 30점의 작품이 있었습니다.

아내와 함께 전시를 한 것은 이번이 처음인데, 두 분 작품 사이에 어떤 상호작용이 있었나요?

아니요, 우리의 작품은 정말 매우 다릅니다. 아마도 30년간 성공적인 그림 파트너십의 비결일 것입니다. 저는 표현적인 인물화가인 주디를 매우 존경하며 그녀는 놀라운 관찰력을 가지고 있다고 생각합니다. 저는 매우 다른 출발점에서 왔는데, 모더니즘 전통에서 시작하여 아이콘 회화와 이탈리아 15세기 회화에 뿌리를 두고 있습니다. 그래서 그런 이미지에서 20세기 모더니즘과 피카소, 폴 클레 같은 이들로 이어집니다. 작품에는 매우 다른 감성이 담겨 있습니다.

Jeremy Annear - Jazz-Line, 2016년. 캔버스에 유화. 80 x 100 cm.

그림에 대해 장난기 어린 접근법을 언급하셨는데, 이 점에 대해 좀 더 설명해 주시겠습니까?

일반적으로 이해되는 놀이의 의미, 즉 놀이를 하면 진지한 일을 하지 않는다는 의미보다 더 깊은 의미가 있다고 생각합니다. 특히 창의성과 사고에서 놀이란 가볍고 자유로운 접근법이며, 아이러니와 은유, 심지어 문학에서 ‘어릿광대’ 같은 장난기와 익살스러움의 측면도 인식하는 것입니다. 제가 놀이에 대해 말할 때는 그런 의미입니다. 그것은 지나치게 엄격한 진지함에서 벗어나는 장소이지만, 동시에 매우 생산적인 또 다른 종류의 진지함을 지니고 있습니다.

다른 나라에서 작업하고 전시한 경험에 대해 말씀해 주시겠습니까?

저는 독일과 스위스에서 작품을 전시하는 좋은 관계를 항상 유지해 왔습니다. 독일의 보르프스베데에서 1년간 살았는데, 그곳은 많은 예술가, 음악가, 작가들에게 레지던스를 제공하는 놀라운 장소입니다. 저는 매우 후한 DAAD 장학금을 받았습니다. 독일에서 작업하고 다른 예술가들을 만나는 것은 매우 흥미로웠습니다. 많은 이들이 동유럽 출신이었고, 독일 예술가들도 많았습니다. 독일에서는 모든 것이 매우 잘 실행되고 명확해야 한다는 다소 압도적인 감각을 느꼈습니다. 풍경도 그랬는데, 북부 독일의 간척지인 습지대였습니다. 바다 근처는 아니었지만 마치 바다 위에 앉아 있는 듯한 느낌이 들었습니다. 이곳은 이탄 습지이고, 검은 제방들이 풍경에 잘 정돈된 직선으로 수 마일에 걸쳐 잘라져 있습니다. 하지만 동시에 식생이 점점 자리를 잡아가며 일부 질서는 거친 자연 생명에 의해 흐트러지고 있었습니다. 아름다운 풍경이지만 너무 엄격하고 딱딱해서 적응하는 데 시간이 오래 걸렸습니다. 일단 적응하고 나니 정말 즐거웠습니다. 또한 호주, 스페인, 프랑스에서도 광범위하게 작업했는데, 더운 곳에서 작업하는 것을 정말 좋아합니다. 따뜻한 지역 주변의 문화도 좋아합니다. 습한 옛 콘월과 달리 더운 나라에서는 신체적으로 좀 더 자유로울 수 있기 때문입니다!

Jeremy Annear - Breaking Contour (Red Square) II, 2018년. 캔버스에 유화. 100 x 80 cm.

이렇게 다양한 장소들이 작품에 다른 방향을 제시했나요?

그곳들은 제게 작품을 더 넓게 볼 수 있는 능력을 주었습니다. 독일에서는 철학적으로나 콜라주 제작에서 콜라주 개념에 매우 관심이 많았습니다. 한 개념이나 생각 위에 다른 개념이나 생각을 겹쳐 놓는, 층층이 쌓는 작업 방식입니다. 호주에서는 끊임없이 불에 의해 시험받으며 쇠퇴하고 다시 새로워지는 독특한 풍경의 독성적 감각에 깊은 인상을 받았습니다. 프랑스와 특히 스페인에서는 스페인 사람들이 가진 대담한 기운이 좋았습니다. 스페인은 정치적으로 다소 위험한 곳에 사는 듯한 느낌이 있는 뜨거운 나라입니다. 저는 그런 긴장감과 극심한 밝기에서 만들어지는 어둠, 즉 명암 대비를 좋아합니다. 열기에 의해 만들어지는 붉은 색도 좋아합니다. 각 나라의 특정한 요소들이 제 작업 방식에 큰 영향을 미쳤습니다.

왜 추상미술을 선택하셨나요?

간단한 대답은 추상미술이 저를 선택했다는 것입니다. 영적이고 철학적이며 큰 질문들은 제 성장기부터 항상 저를 끌어당겼습니다. 그것은 예술 속에 항상 존재해 왔으며, 이야기와 형상 뒤에 있는 이유와 방법, 형태와 개념에 관한 것입니다.

Jeremy Annear - Sea Music., 2018년. 캔버스에 유화. 60 x 40 cm.

최근 몇 년간 추상화가 르네상스를 맞았다고 생각하시나요?

저는 그렇지 않다고 생각합니다. 특히 영국의 추상미술 접근법에 대해 강한 의견을 가지고 있는데, 대체로 영국인들은 추상미술을 매우 어렵게 여긴다고 생각합니다. 영국인의 감성은 사물에서 이야기를 찾는 쪽이며, 영국은 문학과 음악 전통이 매우 강하지만 추상미술 전통은 그리 강하지 않았다고 느낍니다. 독일 같은 곳은 추상적 개념과 사고를 훨씬 잘 다룰 수 있습니다. 미술계에는 사진처럼 사실적이고 완벽하게 마감된 작품에 대한 경향이 있는데, 이는 반드시 추상적이지는 않지만 여러 의미 층을 지닌 포스트모던적 접근법, 즉 추상과 형상이 혼합된 콜라주입니다. 저는 순수 추상미술을 사랑하지만 항상 순수 추상주의자는 아니었고, 아마도 사물을 추상화하는 단계를 거쳐 지금은 순수 추상에 이르렀다고 생각합니다.

작품을 다시 작업하거나 이전 작품을 다시 살펴본 적이 있나요?

저는 작업한 작품에 다시 돌아와 다시 작업한 적이 있습니다. 한 작품만 작업하지 않고 여러 작품을 동시에 작업합니다. 작업실에서 계속 작업할 수 있는 여러 그림이 있습니다. 또한 화가로서의 제 삶은 개별 작품에 관한 것이 아니라, 가능한 한 간단하고 최소한으로 가장 본질적인 표현을 찾는 여정이라고 생각합니다. 제 이상적인 그림은 완전히 빈 공간이지만 동시에 매력적인 표면일 것입니다. 하지만 그것은 제가 결코 도달할 수 없는 완벽함과 같습니다! 저는 제가 사용하는 언어의 본질을 찾고 있다고 생각합니다. 그림은 제 언어이고, 제가 말하고자 하는 바를 가장 간결하게 표현하는 최선의 방법을 찾으려 노력합니다.

최근에 특히 인상 깊었던 전시가 있었나요?

최근 말라가의 피카소 미술관에서 열린 루이즈 부르주아 전시를 보았는데 정말 놀라웠고 그녀의 작품을 매우 좋아합니다. 또한 바르셀로나의 미로 미술관 방문도 즐거웠습니다. 브라크는 제가 항상 제 그림의 아버지로 여기는 인물로, 그의 작품에서 매우 강렬한 매력을 느낍니다. 브라크의 삶, 그림의 기복, 그리고 그가 어떤 사람이었는지 보는 것이 흥미롭습니다. 저는 모든 형태의 모더니즘, 음악, 건축, 미술을 사랑합니다. 그리고 건축에서는 브루탈리즘, 음악에서는 미니멀리즘을 매우 좋아합니다.

대표 이미지: Jeremy Annear - Red Field V, 2012년. 캔버스에 유화. 70 x 90 cm.