엘스워스 켈리의 창문들, 퐁피두 센터

2015년에 세상을 떠나기 직전, Ellsworth Kelly는 “창문, 파리 현대미술관” (1949)을 퐁피두 센터에 기증했습니다. 그의 걸작으로 여겨지는 이 작품은 70년 동안 관람객, 평론가, 예술가들을 혼란에 빠뜨렸습니다. 작품 제작 기념일을 맞아 퐁피두 센터는 2019년 2월 27일부터 5월 27일까지 Ellsworth Kelly: 창문들 전시에서 이 중요한 작품과 다섯 점의 다른 켈리 “창문” 작품을 선보일 예정입니다. 켈리가 “창문”을 퐁피두에 기증했을 때, 그것은 귀향과도 같았습니다. 켈리는 파리에 거주하며 이 작품을 만들었는데, 파리에 살았던 것은 이번이 처음이 아니었습니다. 그는 제2차 세계대전 중 나치 독일로부터 파리가 해방될 때 미 육군 위장 전문가로 복무하며 파리에 머문 적이 있었습니다. 전쟁이 끝난 후 오랜 시간이 지나 다시 파리로 돌아와 “창문”을 제작했습니다. 미국으로 돌아가 미술학교에 입학한 후, 1948년에는 최근 제정된 재향군인 지원법(G.I. 법)의 도움으로 다시 프랑스로 이주할 기회를 얻었습니다. 당시 켈리는 구상화가였으며, 스스로 인정하길 추상미술에 익숙하지 않았다고 합니다. 그러나 그가 이해한 구상미술이나 추상미술 모두 그의 관심을 끌지 못했습니다. 그는 1969년 에세이 “노트”에서 “객체의 질”에 훨씬 더 관심이 있었다고 회상했습니다. 그는 대성당의 아치나 도로 위의 타르 얼룩 같은 사물의 형태를 존경했습니다. 객체의 질을 찾기 위해 켈리는 잎사귀와 과일 조각을 스케치했습니다. 그는 음영을 넣거나 색칠하지 않고 단지 형태의 윤곽만을 따라 그렸습니다. 그것이 바로 그들의 진실이라고 켈리는 결론지었습니다. 그는 “보이는 것을 해석한 그림이나 상상한 내용을 그린 그림 대신, 나는 객체를 찾아 그것 자체로 ‘제시’했다”고 설명했습니다. “창문, 파리 현대미술관”은 켈리가 만든 최초의 “객체”였습니다. 그는 이것을 창문의 재현이나 추상이 아닌, 특정 형태의 구체적이고 객관적인 현현으로 보았습니다.

주제로서의 그림

많은 미술사적 혁신과 마찬가지로, Ellsworth Kelly가 “창문”으로 붙잡은 개념적 기반은 미묘합니다. 그의 주장은 세상에 보이는 모든 형태가 예술가가 창조할 수 있는 객체로 적합하다는 것이었습니다. 이는 그에게 더 이상 내용을 발명하거나 이미지를 그릴 필요가 없으며, 단지 보이는 세계 안에서 객체의 형태를 선별하고 축소하여 정확히 재창조할 수 있다는 뜻이었습니다. 그는 자신의 형태를 “이미 만들어진” 구성이라고 불렀습니다. 이 명칭은 마르셀 뒤샹의 “레디메이드”를 참조합니다. 뒤샹은 1913년에 첫 번째 레디메이드를 만들었는데, 이는 의자 좌석에 거꾸로 붙인 자전거 바퀴로 이루어진 조각품이었습니다. 뒤샹에 따르면, 평범한 제조된 물건을 어떤 식으로든 변형시켜 자신의 것으로 만드는 개념이었습니다. 그의 가장 유명한 레디메이드는 1917년의 “분수”로, 거꾸로 놓인 소변기였으며 R. Mutt라는 이름으로 서명되어 받침대 위에 놓였습니다.

Ellsworth Kelly - 창문 I, 1949. 이졸레르 위에 유화와 석고. 64.8 x 53.3 x 3.80 cm. 87.63 x 76.20 x 8.89 cm (액자 포함). 샌프란시스코 현대미술관 소장, 도리스와 도널드 피셔 컬렉션, 헬렌과 찰스 슈왑 및 미미 하스 컬렉션, © Ellsworth Kelly 재단. 사진: 제리 L. 톰슨, Ellsworth Kelly 스튜디오 제공

켈리는 제조된 물건을 편집한 것이 아닙니다. 오히려 그는 보이는 모든 객체 중 이미 만들어진 형태를 선택하여 본질적인 성질로 정제했습니다. 만약 실제 창문을 가져와 서명했다면 그것은 레디메이드가 되었을 것입니다. 그러나 창문을 스케치하고, 스케치를 가장 기본적인 요소로 축소한 뒤 정확히 재창조한 것은 다른 행위였습니다. 그것은 창문의 그림도, 조각도, 실제 창문도 아니었습니다. 그것은 창문의 객체적 질이 드러난 것이었습니다. 켈리는 사람들이 자신의 “창문” 작품에서 붓 자국, 색상, 표면 질감이나 다른 미적 요소에 의미를 두지 말아야 한다고 강조했습니다. 그는 자신의 의도를 이렇게 설명했습니다: “내 그림에서 그림은 주제가 아니라, 그림 자체가 주제입니다.”

Ellsworth Kelly - 창문 II, 1949. 리넨 위에 유화. 61 x 50.20 cm. 79.37 x 68.58 x 7.62 cm (액자 포함). Ellsworth Kelly 스튜디오 © Ellsworth Kelly 재단. 사진: 훌야 콜라바스, Ellsworth Kelly 스튜디오 제공

상속자들의 분열

적절하게도, 켈리가 만든 모든 “창문”은 불투명하여 구멍으로서의 기능은 없지만, 교회 스테인드글라스 창문과 함께 비투명성의 오랜 전통에 속하며, 우리가 보려는 노력을 도전하는 문지방 역할을 합니다. 도널드 저드는 1965년 에세이 “특정 객체”에서 켈리가 시작한 유산을 확실히 이어갔습니다. 저드는 조각과 회화 같은 비평적 정의에서 예술을 해방시키고, 단순한 분석을 초월하는 익명적이고 보편적인 형태를 창조하는 방향으로 자신의 작업을 확장하고자 했습니다. 조셉 코수스도 켈리가 한 일을 개념미술 작품으로 발전시켰는데, 이는 객체 옆에 그 객체의 사진과 서면 설명을 나란히 배치하는 방식입니다. 의자가 의자의 사진과 설명 옆에 놓일 때, 어느 것이 객체일까요? 어느 것이 예술일까요? 어느 것이 개념일까요? 누가 결정할까요? 그것이 중요할까요?

Ellsworth Kelly - 열린 창문, 부르고뉴 호텔, 1949. 종이에 연필. 19.70 x 13.30 cm. 40 x 32.38 x 4.44 cm (액자 포함). Ellsworth Kelly 스튜디오 © Ellsworth Kelly 재단. 사진: Ellsworth Kelly 스튜디오 제공

켈리가 “창문”을 만들며 기여한 개념적 유산은 많은 사람들을 짜증나게 합니다. 왜냐하면 그들은 이것을 일종의 농담으로 보기 때문입니다. 결국 이 그림은 창문이 아니며, 의자에 붙은 바퀴는 단지 의자에 붙은 바퀴일 뿐 예술이 아니고, 의자와 의자의 사진은 근본적으로 다르다는 것이 명백해 보이기 때문입니다. 다행히도 켈리는 자신이 하는 일에 대해 매우 솔직했습니다. 그는 결코 어리석지 않았습니다. 그는 “예술을 만드는 것은 무엇보다 정직과 관련이 있다. 나의 첫 번째 교훈은 객관적으로 보는 것이었고, 보이는 것의 모든 ‘의미’를 지우는 것이었다. 그래야만 그것의 진정한 의미를 이해하고 느낄 수 있었다”고 썼습니다. 이 말 속에서 저는 위안을 찾습니다. 모든 문화와 역사는 배워지는 것임을 상기시키기 때문입니다. 우리는 맥락을 물려받지만, 그 맥락을 바꾸거나 가장 단순한 형태로 분해하여 이해할 자유가 있습니다. 그의 “창문”은 투명하지 않을지라도, 세상을 새롭게 보고 이해하는 방법을 개발하고 나누는 우리의 기본 인권에 대한 Ellsworth Kelly의 믿음을 표현한 선언입니다.

대표 이미지: Ellsworth Kelly - 창문 VI, 1950. 캔버스와 나무 위에 유화; 두 부분 연결. 66.40 x 159.70 cm. Ellsworth Kelly 스튜디오. © Ellsworth Kelly 재단. 사진: 훌야 콜라바스, Ellsworth Kelly 스튜디오 제공.
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됨
작성자 Phillip Barcio