후기 추상 표현주의의 아이콘, 윌리엄 샤프가 사망했습니다.
미국의 추상화가이자 교육자인 William Scharf가 90세의 나이로 세상을 떠났습니다. Scharf는 흔히 추상 표현주의자 또는 색면화가로 분류되곤 합니다. 두 가지 분류 모두 어느 정도 타당성을 지닙니다. 제2차 세계대전 중 미 육군에서 복무한 후, Scharf는 주로 펜실베이니아 미술 아카데미에서 5년간 미술을 공부했습니다. 그는 1952년 뉴욕으로 이주하여 전업 예술가가 되었습니다. 당시 추상 표현주의가 주류였고, Scharf는 그 흐름에 몰두했습니다. 또한 1950년대에 위대한 색면화 선구자 마크 로스코와 친분을 쌓았습니다. 로스코는 Scharf의 멘토가 되어 색채의 감정적 힘에 대한 이해를 심어주었습니다. 두 사람은 매우 가까워져 1970년대 초반에는 Scharf가 휴스턴의 로스코 채플 작업을 도왔는데, 이곳은 색면화의 상징이자 추상 미술 애호가들에게 세계적으로 중요한 명소입니다. 그러나 추상 표현주의와 색면화 양쪽에 뿌리를 둔 것은 분명하지만, Scharf가 평생에 걸쳐 구축한 작품 세계는 그런 단순한 분류를 거부합니다. 그의 작품은 확실히 다채롭고 빛나는 면이 있습니다. 그리고 그의 표현은 서정적이고 직관적이며 추상적입니다. 하지만 그의 시각은 거의 바로크 양식처럼 감정을 서사하는 능력을 지녔습니다. Scharf는 환기와 암시의 대가였으며, 색과 형태를 신비롭고 신화적인 성질을 지닌 구성으로 이끌어냈습니다. 그는 자신의 작품에 이야기를 전하려는 의도를 알 수 있는 제목을 붙였으며, 그 이야기들은 감정으로 가득 찬 시적인 이야기로 작품의 의미를 암시합니다.
탐험의 모험
Scharf의 그림을 볼 때 처음 드는 느낌은 즐거움입니다. 여기서 말하는 즐거움은 작품이 변덕스럽거나 쉽다는 뜻이 아닙니다. 종종 그렇지 않기 때문입니다. 다만 그 이미지가 나를 모험으로 초대하는 듯한 느낌을 준다는 뜻입니다. 그의 1956년 작품 Of the Square and by the Night은 자동차 창문 너머로 본 도시 거리의 색채 팔레트를 지니고 있습니다. 빨강, 흰색, 파랑, 검정 형태들이 뒤섞여 눈앞에서 튀어 오르는 듯합니다. 생물형태의 얼룩들은 가로등, 달, 별을 닮았습니다. 기하학적 형태는 건물과 간판을 떠올리게 합니다. 왼쪽에는 붉은 표시들이 모여 신비로운 존재의 존재를 암시합니다.
이 그림은 살아 있고 흥미진진한 밤거리의 느낌을 줍니다. 분명히 추상이지만 제목과 더 중요한 것은 그 에너지가 서사의 가능성을 열어줍니다. 모험의 감각은 Scharf가 작업을 계속하는 한 그의 작품에 늘 존재했습니다. 그것은 어린아이 같은 탐험 정신을 구현한 그의 작업 과정에 필수적이었습니다. 그는 어린 시절 빈 종이나 칠판에 처음으로 자국을 남길 때 느꼈던 가능성, 공간 속에 새로운 세계를 만들어내는 능력에 대해 이야기한 적이 있습니다. 그는 이를 “화가의 평생을 사로잡고 집착하게 할 수 있는 일종의 탐험”이라고 불렀습니다.
William Scharf - Of the Square and by the Night, 1956, 캔버스에 유화, 36 × 48 인치, 91.4 × 121.9 cm, 홀리스 태거트 갤러리, 뉴욕, © 2018 William Scharf
꿈결 같은 빛남
Scharf가 지녔던 또 다른 즉각적으로 알아볼 수 있는 힘은 그의 물감에서 인광 같은 빛을 끌어내는 능력이었습니다. 그는 평생 아크릴 물감을 사용해 작업했습니다. 새 아크릴 물감 튜브를 사면 그 매체 자체가 빛납니다—순수한 안료의 빛입니다. 하지만 그림을 그려본 사람은 알겠지만, 예술가가 그 색을 가지고 완벽한 색조를 찾기 위해 섞기 시작하면 그 빛은 사라집니다. 때로는 흙빛이 되기도 합니다. 거의 원래의 빛을 유지하지 못합니다. 그러나 운이 좋거나 기술 덕분에, 어떤 예술가는 물감에서 더 많은 빛을 끌어내기도 합니다.
Scharf가 매체에서 이끌어낸 꿈결 같은 빛남을 직접 보고 싶다면, 스미스소니언 미국 미술관 웹사이트를 방문해 보세요. 이곳은 Scharf의 작품 10점을 소장하고 있습니다. 직접 보면 훨씬 더 빛나고 복잡합니다. 가까이서 보면 Scharf가 초기 영향자들의 제스처적 빠르기와 에너지를 유지했지만, 그의 작품에는 우연이나 즉흥적인 부분이 없다는 것을 알 수 있습니다. 이 층들은 깊이를 지니면서도 단순하고 신선한 느낌을 전달하는데, 마치 시각적 이야기꾼의 마음에서 공간으로 떠오른 것 같습니다.
William Scharf - Night Move, 1964, 종이에 유화, 보드에 부착, 12 1/2 × 19 1/2 인치, 31.8 × 49.5 cm, 홀리스 태거트 갤러리, 뉴욕, © 2018 William Scharf
예술가 중의 예술가
1950년대부터 Scharf는 전시를 멈추지 않았습니다. 그의 작품은 필라델피아 미술관, 보스턴 현대미술관, 뉴욕의 현대미술관(MOMA)과 솔로몬 R. 구겐하임 미술관 등 수십 개의 중요한 기관의 영구 소장품에 포함되어 있습니다. 그럼에도 불구하고 그의 대중적 명성은 제한적입니다. 그의 성공과 작품의 명백한 매력에도 불구하고 그의 이름은 널리 알려지지 않았습니다. 그는 때때로 ‘예술가 중의 예술가’라고 불리는데, 이는 동시대인과 세 세대에 걸친 제자들에게 끼친 영향력을 나타내는 독특한 칭찬입니다.
Scharf는 1964년 뉴욕 MOMA 아트 센터에서 교직을 시작했습니다. 이후 뉴욕 시각예술학교, 샌프란시스코 미술원, 명망 높은 아트 스튜던트 리그에서 1987년부터 사망할 때까지 가르쳤으며, 프랫 연구소, 스탠퍼드 대학교, 샌프란시스코 캘리포니아 예술 공예 대학에서도 강의했습니다. 그의 교육에 대해 전해지는 평가는 매우 높으며, 학생들이 자신들의 최선의 모습을 이루도록 도왔다는 점에서 칭송받습니다. 특히 오늘날 경쟁이 치열한 미술 시장에서 유행을 따르느냐 마느냐가 명성과 무명의 차이를 만들 때, Scharf가 학생들이 자신을 발견하도록 허용한 능력은 귀중했습니다. 그의 개인적 비전에 대한 존중이 그가 정의할 수 없는 작품 세계를 창조할 수 있었던 이유이며, 또한 그의 유산이 시대의 한계를 넘어 확장되는 이유입니다.
William Scharf - 제목 없음, 1985, 종이에 색연필, 8 1/2 × 11 인치, 21.6 × 27.9 cm, 홀리스 태거트 갤러리, 뉴욕, © 2018 William Scharf
대표 이미지: William Scharf - To Golden Wreath, The Geometric Smile, On the Trance Branch (왼쪽부터 오른쪽 순), 연도 미상, 2001, 2007 (왼쪽부터 오른쪽 순), 종이에 아크릴, 9 × 12 인치, 22.9 × 30.5 cm, 홀리스 태거트 갤러리, 뉴욕, © 2018 William Scharf
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용되었습니다
필립 Barcio 지음
