네이사 그라시의 노동 집약적 예술

자연 과정 속에 어떤 은유가 숨어 있을까—어떤 끔찍하고 신화적인 우화가? 네이사 그라시의 작품을 깊이 들여다볼 때 나는 이러한 생각을 한다. 1951년 필라델피아에서 태어난 그라시는 내가 그녀의 그림이 가장 밀접하게 대화한다고 느끼는 두 전통인 색면화(Color Field Painting)와 단색화(Dansaekhwa)와 지리적으로 그리고 세대적으로 분리되어 있다. 색면화 작가들처럼 그라시는 자신의 목적을 거스르는 표면을 창조한다; 바라보는 대상이 아니라, 시각이 보는 것을 넘어 우리의 마음을 초대하는 포털처럼 열린다. 단색화 작가들처럼 그라시는 자연의 힘과 세력에 순응하며, 그들의 반복적이고 진화하는 과정을 탐구하고 궁극적으로는 그들의 화려하고 광택이 나는 환상적이면서도 지구에 뿌리를 둔 시각 언어를 모방한다. 그라시는 이러한 전통을 단순함과 편안함의 감각으로 결합한다. 그녀는 자신감이 넘치고 초월을 초대하며, 사람들을 그 곁에 머물고 싶게 만드는 좋은 그림으로 단순히 구성된 겸손한 작품을 쌓아왔다. 그녀는 자신의 목표가 "아직 이름이 붙지 않은 색깔의 제시를 향해 나아가는 것"이라고 말했다. 그녀는 그것을 이루며, 아직 느껴지지 않은 질감으로 나아가는 것도 이룬다. 그녀의 작품은 내가 처음으로 웅덩이에서 기름막을 본 순간, 창유리에 얼음이 쌓이는 것을 처음으로 지켜본 순간, 또는 노화된 피부를 깊이 응시했던 첫 순간을 떠올리게 한다. 그들은 나에게 시간, 과정, 그리고 물리적 세계와의 나 자신의 연결을 상기시킨다.

무엇이 되는가

그라시는 여러 가지 다른 표면에서 작업하며 다양한 매체를 사용합니다. 매체의 특수성은 그녀의 작업에 중요하며, 그녀는 그래파이트, 고무, 그리고 페인트가 그 본질을 표현하도록 합니다. 작업에 필수적인 또 다른 요소는 표면의 특수성에 대한 감각입니다. 즉, 매체로 표면을 덮기보다는 그라시가 표면에서 진정한 본질을 이끌어내기 위해 노력한다는 생각입니다. 그게 어떻게 가능할까요? 화가는 어떻게 표면을 덮으면서도 동시에 그것을 드러낼 수 있을까요? 그것이 제가 이 그림들을 볼 때, 특히 나무 패널에 그린 그림들을 볼 때 궁금해하는 수수께끼입니다. 예를 들어, 실버 레이크 (2012-2014); 이름이 암시하듯이, 이 그림의 색상은 빛나고 매혹적입니다. 그것들은 밤 숲의 연못 위로 흐르는 가벼운 안개를 떠올리게 하며, 달빛이 안개를 통해 반짝입니다.

Neysa Grassi - Untitled (5), 2004, Gouache and oil on monotype, 9 × 9 in, 22.9 × 22.9 cm, Locks Gallery, Philadelphia, Pennsylvania

놀랍게도, 색상은 표면에서 방사되는 것만큼이나 나의 시선을 어떤 알 수 없는 깊이로 끌어당깁니다. 나의 눈앞에 분명히 있는 것에 다시 끌어당기는 것은 나무의 표면입니다. 나무 결은 배경에 있지 않고, 전경에 있지도 않으며, 이미지를 지탱하는 것처럼 보이지도 않습니다. 마치 페인트가 내 눈과 나무 사이에 있는 홀로그램 같은 존재인 것처럼 보입니다. 나는 나무의 나이를 속삭이는 나이테에 대해, 땅과 물, 숲과 하늘 사이의 관계에 대해, 그리고 이 모든 것을 하나로 모으는 과정에 대해 생각에 빠져 있습니다. 그라시는 여러 겹을 추가하고, 샌딩하고, 더 많은 겹을 추가하고, 긁어내고, 또 더 많은 겹을 추가하는 긴 방법론적 과정을 통해 이 균형을 이루었습니다. 혼합하고, 재작업하고, 쌓고, 해체함으로써 그녀는 모방에 참여합니다—무언가의 진실을 복사하지 않고 전달하는 것입니다. 표면의 특수성은 시간이 지남에 따라 내가 풀어야 할 추상적인 메시지가 됩니다.

Neysa Grassi - Untitled (6), 2004, Gouache and oil on monotype, 9 × 9 in, 22.9 × 22.9 cm, Locks Gallery, Philadelphia, Pennsylvania

예술가의 손

그녀의 패널 작업처럼, 그라시가 린넨에 그린 작품들도 그 표면 태도를 유지합니다. 나무는 나에게 더 많은 감정을 불러일으키는데, 그 이유는 그 출처를 그림에서 느끼는 감정과 연결하기 때문입니다. 한편, 그녀의 나무와 린넨 작품들과 본질과 성질이 상당히 다른 것은 그라시가 만드는 종이 작품들입니다. 이 작품들은 더 그림처럼 나타나며, 나를 끌어당기기보다는 나에게 바라보도록 초대합니다. 예를 들어 무제 (피렌체) (1997)를 보세요. 부드러운 오커 색조의 구름이 비정형의 뇌 같은 생물체 뒤에 모여 있습니다—형태의 일부이자 패턴의 일부입니다. 여기에는 어떤 생동감이 분명히 느껴지며, 마치 무언가가 다른 무언가로 변해가는 과정에 있는 것 같습니다. 이미지는 추상적이며 초대합니다. 그러나 그것은 그림들과 본질적으로 다릅니다. 그 차이는 내가 무언가의 한 부분을 보고 있다는 느낌과 그것의 전체를 보고 있다는 느낌 사이에 관련이 있습니다.

Neysa Grassi - Untitled, Florence 005, 2003, Gouache and gum Arabic on paper, 8 × 7 1/2 in, 20.3 × 19.1 cm, Locks Gallery, Philadelphia, Pennsylvania

그 그림들은 내가 더 큰 세계를 엿보고 있다는 느낌을 주며, 나는 그 세계로 온전히 발을 내딛고 싶어진다. 나는 그들에 의해 이동하게 되거나, 그들이 나로 하여금 내가 스스로 이동한 것처럼 느끼게 해준다. 종이에 그려진 작품들은 나에게 다른 종류의 느낌을 준다—마치 전체 그림을 보고 있는 것처럼. 나는 그것들을 객체로서 사유할 수 있으며, 그들과 형식적인 대화에 들어가 그들의 물리적 속성이 더 명확해진다. 어떤 면에서는, 그것들이 압박감을 덜어준다. 나는 항상 신비로운 경험이나 초월적인 경험을 원하지 않는다. 때때로 나는 그 일부가 되기보다는 무언가를 감상하고 싶다. 그라씨가 두 가지 감각을 불러일으킬 수 있다는 것이 나에게는 놀랍다. 그녀의 그림을 통해 나는 형이상학에 깊이 들어갈 기회를 얻고, 그녀의 그림을 매개체로 삼아 육체적 세계와 영적 세계 사이를 탐색할 수 있다. 동시에 그녀의 종이 작품들은 나에게 단색화 그림이나 얼어붙은 연못, 또는 쓰러진 나무 위의 이끼의 축적이 줄 수 있는 것처럼—순전히 물리적인 것의 엿보기를 제공한다. 나는 이것을 분석하고, 즐기고, 깊이 생각할 수 있지만, 그것은 내가 때때로 생각하는 것만큼 복잡하지 않다는 느낌으로 나를 위로해준다. 왜냐하면 나는 정말로 자연 세계의 일부이기 때문이다.

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Neysa Grassi - Untitled (Philadelphia), 2009, Gouache and ink on paper, Locks Gallery, Philadelphia, Pennsylvania

특집 이미지: 네이사 그라시 - 제목 없음, 필라델피아 대성당 002, 2004, 구아슈와 아라비아 고무로 종이에, 15 × 14 1/2 인치, 38.1 × 36.8 cm, 록스 갤러리, 필라델피아, 펜실베이니아

모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됩니다.

필립 Barcio