마르탱 바레, 잊혀진 추상 화가, 퐁피두 센터에서

회고전 마르탱 바레는 2020년 10월 14일부터 2021년 1월 4일까지 퐁피두 센터에서 전시되며, 이 신비로운 예술가의 끊임없이 진화하는 경력을 가장 포괄적으로 살펴볼 수 있는 기회를 제공합니다. 그러나 그의 지역적 명성에도 불구하고(전시된 작품 20점은 퐁피두의 영구 소장품에서 온 것입니다) 프랑스 외부의 많은 관람객들은 이 예술가가 누구인지 전혀 모를 것입니다. 그들이 그의 작품을 현대적인 관점에서만 본다면, 왜 그들이 관심을 가져야 하는지 의문을 가질 수도 있습니다. 바레는 자신의 작품에서 특정한 사회적 또는 정치적 문제를 다루지 않았습니다. 사실, 그의 그림은 종종 전혀 내용이 없는 것처럼 보이며, 물체로서도 큰 주목을 받지 못합니다. 실제로 바레(1924 — 1993)는 자신의 시대에도 자주 무시당했습니다. 그럼에도 불구하고 많은 이들에게 그의 작품은 부인할 수 없는 매력을 지니고 있습니다. 단순하고 때로는 지나치게 단순한 그의 그림은 정직하고, 재미있으며, 분명히 인간적입니다. 바레는 거의 그림 같지 않은 그림을 만들었고, 그것이 그의 의도였던 것 같습니다. 퐁피두 회고전이 명확히 하듯이, 바레는 그의 시각적 스타일에서 최소한 다섯 번의 주요 변화를 겪었습니다. 이러한 변화는 미술사적 관점에서 보면 중요하지 않을 수 있지만, 그의 진화가 지속적으로 드러낸 진실을 감소시키지는 않습니다. 즉, 예술가가 가져야 할 유일한 의무는 자신의 호기심에 대한 것입니다. 모든 예술가가 자신의 작품에 대해 강력한 학문적, 사회적, 정치적 방어를 할 수 있어야 한다고 기대되는 시대에, 바레는 덜 진지하게 보일 수 있습니다. 그러나 그것은 항상 그랬으며, 반세기 전에도 마찬가지였습니다. 그는 결코 적응하지 않았습니다. 자신의 관심사를 따름으로써, 바레는 그의 프랑스 팬들에게 아그네스 마틴이 미국인들에게 그러한 것처럼 미니멀리즘의 예언자가 되었습니다. 미니멀리즘은 미적 방법이자 자기 인식으로 가는 길입니다.

프로토 미니멀리스트

1924년 프랑스 서부의 낭트에서 태어난 바레는 19세의 예술가 지망생으로 파리까지 걸어갔다고 전해진다. 376km의 여정은 그에게 5일이 걸렸다. 이후 10년 동안 그는 다양한 미술 아카데미에서 공부하며 여러 방법과 시각 언어를 실험했다. 그는 곧 자신에게 앞으로 나아갈 유일한 길은 추상이라고 결론지었고, 그가 관심을 가진 주요 추상적 문제는 그려진 이미지와 그 바탕(또는 준비된 표면) 간의 관계였다. 바레는 무엇이 그림을 구성할 수 있는지, 무엇이 그림을 독특하게 만드는지, 그리고 그림에서 어떤 것이 내용으로 간주될 수 있는지에 대해 호기심을 가졌다. 그는 이러한 질문을 하는 것이 선구자적이라고 생각하지 않았다. 반대로, 반세기 전에 만들어진 한 그림을 언급하며 그는 "모든 그림은 나에게 말레비치의 흰 바탕 위의 검은 정사각형으로 이어지고 출발하는 것처럼 보인다."고 말했다.

마르탱 바레 - 86-87-120x120-E, 1986 - 1987. 아크릴화. 120 x 120 cm. 퐁피두 센터, 파리 현대 미술관. © 퐁피두 센터, MNAM-CCI/베르트랑 프레보스트/배급 RMN-GP © 마르탱 바레, 아다그프, 파리 2020

그의 초기 추상화 중 여러 작품에서, 바레는 이미지와 배경 간의 관계를 탐구하기 위해 정사각형을 사용했다. 그는 정사각형을 그리는 대신, 그 형태를 차단하고 그 주위의 칠해진 공간으로 그 비어있음을 구분했다. 이 그림들이 제기하는 간단한 질문은 비어있음이 내용이 될 수 있는가이다. 다음으로 그는 자신의 방법을 더욱 단순화하여, 파리에서 본 스프레이 페인트 그래피티에서 영감을 받았다. 그는 스프레이 페인트 캔을 예술가의 손의 완벽한 연장으로 인식하고, 준비된 캔버스 표면 위에 스프레이된 선처럼 보이는 일련의 그림을 만들었다. 때때로 그는 패턴으로 선을 스프레이했다. 다른 때에는 캔버스의 한 모서리에만 작은 선을 스프레이했다. 때때로 그는 구불구불한 선을 그렸다. 다른 때에는 여러 개의 캔버스를 벽에 걸고 한 캔버스에서 다른 캔버스로 한 선을 이어갔다. 이러한 작품의 미니멀한 특성은 1960년대 그의 동시대 작가들이 하고 있던 작품들과 대조를 이루어, 바레에게 반문화적이며 프로토 미니멀리스트라는 명성을 안겨주었다.

마르탱 바레 - 57-100x100-A, 1957. 캔버스에 유화. 100 x 100 cm. 개인 소장, 파리; Applicat-Prazan, 파리 제공. © 마르탱 바레, Adagp, 파리 2020 / 사진: 아트 디지털 스튜디오

간단한 질문

1970년대에 Barré는 사진 개념주의라고 부르는 것을 탐구하기 위해 4년간의 그림 작업을 중단했습니다. 그의 경력에서 이 시기는 갤러리 전시에서 자주 다루어지지 않습니다. 가끔 저는 예술이 사고 팔 수 없는 것이라면 사람들이 그것에 대해 글을 쓰는 방식이 어떻게 바뀔지 궁금합니다. 보통 저는 그들이 덜 쓸 것이라고 생각합니다. Barré의 경우, 저는 그들이 더 많이 쓸 것이라고 믿습니다, 특히 이 공백에 대해. 그것이 미술 상점에서 판매될 제품을 생성하지는 않았지만, Barré가 이미지와 배경에 대한 중심 질문을 이해하는 방식에 깊은 영향을 미쳤습니다. 그것이 끝났을 때, 그의 그림은 훨씬 더 밀도가 높아졌고, 스케치된 그리드가 그려진 해치 마크를 지탱하며, 이는 다시 투명한 세척층으로 가려졌습니다. 이 작품들은 여전히 기하학적이며, Malevich와 그의 정사각형으로 돌아가지만, 꽤 복잡하고, Barré가 이전에 했던 어떤 것보다도 대부분의 관객이 내용으로 간주할 수 있는 것을 포용하는 데 더 가까워졌습니다.

마르탱 바레 - 60-T-43, 1960. 캔버스에 유화. 81 x 330 cm (사중화). 개인 소장. 매튜 마크스 갤러리, 뉴욕 제공 / 사진: 론 암스투츠 © 마르탱 바레, ADAGP, 파리 2020

그의 말년 동안, 바레는 다시 한 번 그의 시각 언어를 다듬었고, 이번에는 또 다른 초기 추상주의자와의 친밀감을 암시하는 일련의 하드 엣지 기하학적 작품을 창조했다: 피트 몬드리안. 그의 마지막 그림들은 깔끔하고 평면적인 구성으로, 때때로 더 원초적인 그의 초기 작품에 대한 거부로 이야기되기도 한다. 그러나 그들은 그렇게 멀리 떨어져 있는 것 같지 않다. 그들은 공간을 구분하기 위해 바탕 위에 그려진 선들을 보여준다. 그려진 영역은 바탕을 interrogate 하여, 이미지가 그림의 어떤 부분인지에 대한 질문을 제기한다. 그의 이전 모든 그림들이 그랬듯이, 이 마지막 작품들은 무엇이 더 중요한지를 묻는다: 그림의 내용인가, 아니면 그 지지대인가? 나에게 이것은 단순히 그림에 대한 질문이 아니라 화가로서 존재에 대한 존재론적 질문이다. 그것은 다른 사람의 눈에 무엇이 유효한지를 묻고; 무엇이 주목받아야 하는지를 묻고; 무엇이 우리의 시간을 가치 있게 하는지를 묻는다—아마도 단순한 질문들이고, 단순한 그림들이 제기하는 질문들이지만, 그들의 단순함은 우리가 우리 자신에 대해 배울 수 있는 공간을 만든다.

특집 이미지: 마르탱 바레 - 60-T-45, 1960. 유화. 192 x 253 cm (사중화). 퐁피두 센터, 파리 현대 미술관. © 퐁피두 센터, MNAM-CCI/베르트랑 프레보스트/배급. RMN-GP © 마르탱 바레, 아다그프, 파리 2020
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됩니다.
필립 Barcio