마르탱 바레, 잊혀진 추상 화가, 퐁피두 센터에서

2020년 10월 14일부터 2021년 1월 4일까지 퐁피두 센터에서 열리는 회고전 마르탱 바레는 이 신비로운 예술가의 끊임없이 변화하는 경력을 가장 포괄적으로 조명합니다. 그러나 그의 지역적 명성에도 불구하고(전시 작품 20점이 퐁피두의 상설 소장품임) 프랑스 외부의 많은 관람객들은 이 예술가가 누구인지 전혀 모를 것입니다. 만약 그들이 그의 작품을 현대적인 관점에서만 본다면, 왜 관심을 가져야 하는지 의문을 가질 수도 있습니다. 바레는 작품에서 특정한 사회적 또는 정치적 문제를 다루지 않았습니다. 사실 그의 그림들은 종종 아무런 내용도 없는 것처럼 보이며, 작품 자체로서도 크게 주목받지 못했습니다. 실제로 바레(1924년~1993년)는 생전에 자주 무시당하기도 했습니다. 그럼에도 불구하고 우리 중 많은 이들에게 그의 작품에는 부인할 수 없는 매력이 있습니다. 단순하고 때로는 지나치게 단순해 보이기도 하는 그의 그림들은 정직하고 즐거우며 분명히 인간적입니다. 바레는 거의 그림 같지 않은 그림을 그렸고, 저는 그것이 바로 그의 의도였다고 생각합니다. 퐁피두 회고전이 명확히 보여주듯, 바레는 시각적 스타일에서 적어도 다섯 차례의 큰 변화를 겪었습니다. 이러한 변화들은 미술사적으로는 사소할 수 있지만, 그의 진화가 꾸준히 드러낸 진실—예술가가 가져야 할 유일한 의무는 자신의 호기심에 충실하는 것—을 폄하하지는 못합니다. 오늘날 모든 예술가가 자신의 작품을 학문적, 사회적, 정치적으로 강력히 옹호해야 한다고 기대받는 시대에 바레는 덜 진지해 보일 수도 있습니다. 그러나 반세기 전에도 그는 늘 그랬습니다. 그는 결코 어울리지 못했습니다. 자신의 관심사를 따름으로써 바레는 프랑스의 팬들에게 미국인들에게 아그네스 마틴이 그러하듯, 미니멀리즘을 미학적 방법이자 자기 인식으로 가는 길로서 예언하는 인물이 되었습니다.

원형 미니멀리스트

1924년 프랑스 서부 낭트에서 태어난 바레는 19세의 야심 찬 예술가로서 파리까지 걸어서 갔다는 이야기가 전해집니다. 376km의 여정은 그에게 5일이 걸렸습니다. 이후 10년 동안 그는 여러 미술 학교에서 공부하며 다양한 기법과 시각 언어를 실험했습니다. 그는 곧 자신에게 앞으로 나아갈 길은 추상화뿐이며, 그가 관심을 가진 주요 추상적 문제는 그려진 이미지와 그 바탕(또는 준비된 표면) 사이의 관계라는 것을 깨달았습니다. 바레는 무엇이 그림을 구성하는지, 무엇이 그림을 구별 짓는지, 그리고 그림에서 무엇이 내용으로 간주될 수 있는지에 대해 호기심을 가졌습니다. 그는 자신이 이러한 질문을 제기하는 선구자라고 생각하지 않았습니다. 오히려 반세기 전에 만들어진 한 그림을 언급하며 “모든 그림은 나에게 말레비치의 흰 바탕 위의 검은 정사각형으로부터 시작되고 그곳으로 돌아가는 것처럼 보인다”고 말했습니다.

마르탱 바레 - 86-87-120x120-E, 1986 - 1987. 아크릴릭 캔버스. 120 x 120 cm. 퐁피두 센터, 국립현대미술관, 파리. © 퐁피두 센터, MNAM-CCI/베르트랑 프레보/배급 RMN-GP © 마르탱 바레, 아다그프, 파리 2020

바레는 초기 추상화 몇 점에서 정사각형을 사용해 이미지와 바탕의 관계를 탐구했습니다. 그는 정사각형을 직접 그리기보다는 그 형태를 막아 그 안의 빈 공간을 주변의 칠해진 공간으로 구분했습니다. 이 그림들이 제기하는 단순한 질문은 빈 공간이 내용이 될 수 있는가 하는 것입니다. 다음으로 그는 방법을 더욱 단순화하여 파리 곳곳에서 본 스프레이 페인트 낙서에서 영감을 받았습니다. 스프레이 페인트 캔을 예술가의 손의 완벽한 연장으로 인식한 그는 캔버스의 준비된 표면 위에 스프레이로 그어진 선들처럼 보이는 일련의 그림을 만들었습니다. 때로는 선을 패턴으로 뿌렸고, 때로는 캔버스 한 구석에 아주 작은 선 하나만 뿌리기도 했습니다. 때로는 낙서를 그리기도 했고, 여러 캔버스를 벽에 걸어 한 선을 캔버스에서 캔버스로 이어가기도 했습니다. 이 작품들의 미니멀한 특성은 1960년대 동시대 작가들의 작품과 대조를 이루어 바레가 반문화적이며 원형 미니멀리스트라는 평판을 얻게 했습니다.

마르탱 바레 - 57-100x100-A, 1957. 유화 캔버스. 100 x 100 cm. 개인 소장, 파리; 아플리카-프라잔, 파리 제공. © 마르탱 바레, 아다그프, 파리 2020 / 사진: 아트 디지털 스튜디오

단순한 질문들

1970년대에 바레는 4년간 그림을 쉬고 자신이 사진개념주의라고 부른 것을 탐구했습니다. 이 시기는 그의 갤러리 전시에서 자주 다뤄지지 않습니다. 저는 가끔 예술이 사고팔리지 않는다면 사람들이 그것에 대해 글을 쓰는 방식이 어떻게 달라질지 궁금해집니다. 보통은 글을 덜 쓸 것 같지만, 바레의 경우에는 특히 이 휴지기에 대해 더 많이 쓸 것이라고 생각합니다. 이 시기가 미술 상점에서 팔릴 상품을 만들어내지는 않았지만, 바레가 이미지와 바탕에 관한 중심 질문을 이해하는 방식에 깊은 영향을 미쳤기 때문입니다. 이 시기가 끝난 후 그의 그림은 훨씬 더 밀도 있게 변했으며, 스케치한 격자 위에 칠해진 해치 마크가 겹겹이 투명한 세척층으로 덮여 있습니다. 이 작품들은 여전히 기하학적이며 말레비치와 그의 정사각형으로 돌아가지만, 매우 복잡하며 대부분의 관람객이 내용으로 여길 만한 것을 바레가 이전에 한 어떤 작품보다 더 가까이 포용하고 있습니다.

마르탱 바레 - 60-T-43, 1960. 유화 캔버스. 81 x 330 cm (4폭 병풍). 개인 소장. 매튜 마크스 갤러리, 뉴욕 제공 / 사진: 론 암스처츠 © 마르탱 바레, 아다그프, 파리 2020

말년에는 바레가 시각 언어를 다시 다듬어, 초기 추상주의자 중 한 명인 피에트 몬드리안과의 친연성을 암시하는 단단한 선의 기하학적 작품 시리즈를 만들었습니다. 이 마지막 작품들은 깔끔하고 평평한 구성을 지니며, 때로는 이전의 더 거친 작품들을 거부하는 것처럼 이야기되기도 합니다. 그러나 그렇게 멀리 떨어져 보이지는 않습니다. 이 작품들은 공간을 구분하기 위해 바탕 위에 그어진 선들을 보여줍니다. 칠해진 영역은 바탕을 탐구하며, 그림의 어느 부분이 이미지인지에 대한 질문을 제기합니다. 이전 모든 작품들처럼 이 마지막 작품들도 그림의 내용과 그것을 받치는 바탕 중 어느 쪽이 더 중요한지 묻습니다. 제게 이 질문은 단지 그림에 관한 것만이 아니라 화가로서 존재하는 것에 관한 실존적 질문이기도 합니다. 타인의 눈에 무엇이 타당한지, 무엇이 주목받아야 하는지, 무엇이 우리의 시간을 들일 가치가 있는지 묻는 단순한 질문일지 모르지만, 그 단순함이 우리 자신에 대해 배울 공간을 만듭니다.

대표 이미지: 마르탱 바레 - 60-T-45, 1960. 유화 캔버스. 192 x 253 cm (4폭 병풍). 퐁피두 센터, 국립현대미술관, 파리. © 퐁피두 센터, MNAM-CCI/베르트랑 프레보/배급 RMN-GP © 마르탱 바레, 아다그프, 파리 2020
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됨
필립 Barcio 제공