메리 코스의 예술이 주목받다 – 드디어

메리 코스가 스포트라이트를 받고 있다고 말하는 것은 일종의 말장난이다. 이 다학제 예술가는 1960년대부터 빛을 예술 매체로 사용해왔다. 그러나 코스가 수십 년 동안 빛과 그 신비에 우리의 주목을 끌어왔음에도 불구하고, 제도적 예술 세계가 그녀의 아이디어와 업적에 주목한 것은 비교적 최근의 일이다. 그녀의 경력 50년을 아우르는 회고전이 로스앤젤레스의 케인 그리핀 코르코란 갤러리에서 막을 내렸다. 이 전시에는 “콜드 룸”이라는 기념비적인 작품이 포함되어 있었는데, 이는 12피트 x 12피트 x 12피트 크기의 방을 화씨 40도까지 냉각시킨 것이다. 방 안에는 벽에 걸린 정사각형의 흰색 네온 조명 상자가 있었다. 이 네온 조명은 관람객을 신비롭고 잠재적으로 초월적인 무언가로 끌어들이기 위해 의도되었다. 코스는 차가운 공기가 관람객의 인식을 높인다고 믿는다. 코스는 “콜드 룸”을 1967년에 처음 구상했지만, 이번이 그녀가 실제로 하나를 만든 첫 번째 기회였다. 그녀는 대신 빛을 기반으로 한 다른 많은 작품에 에너지를 집중했으며, 빛, 공간, 시간 등이 인간의 인식을 어떻게 변화시키는지를 탐구하는 다양한 방법을 찾았다. 그녀의 회고전을 놓쳤다면 걱정하지 마라. 더 많은 것이 오고 있다. 2018년 5월, 그녀의 네 작품을 전시하는 새로운 갤러리가 Dia:Beacon에서 공개될 예정이며, 그 다음 달에는 뉴욕의 휘트니 미술관에서 그녀의 작품에 대한 대규모 전시가 열린다. 이 인식은 오랜 시간이 걸렸지만, 아마도 코스가 이제야 인정받는 것이 적절할 것이다. 우리는 현실이 재협상될 수 있는 순간에 있으며, 그녀와 같은 작품이 논리와 이성의 한계를 다루는 데 도움이 될 수 있다.

레트로리플렉티비티는 스트리트 아트다

메리 코스는 1945년 캘리포니아 버클리에서 태어났습니다. 청소년 시절, 그녀는 사립학교의 소규모 학생 그룹의 일원이 되어, 로스앤젤레스 북쪽에 위치한 진보적인 예술 대학인 초이니아드 예술학교(현재의 칼아츠)에서 졸업한 교사에게 예술을 배울 수 있는 특권을 가졌습니다. 그녀와 같은 나이의 대부분의 학생들이 기본적인 미술과 공예를 배우고 있을 때, 코스는 한스 호프만의 이론과 추상 표현주의자들의 회화 기법을 공부하고 있었습니다. 그 교사는 코스에게 깊은 영향을 미쳤고, 그녀는 곧 로스앤젤레스로 이사하여 시내에 있는 예술 스튜디오를 임대했습니다. 그리고 1968년, 그녀도 초이니아드에서 미술 석사 학위를 받았습니다.

코스는 로스앤젤레스에서 빛과 작업하기 시작했다. 그녀는 빛이 표면을 어떻게 비추고 색을 표현하는지에만 관심이 있는 것이 아니라, 빛이 지각에서 어떤 역할을 하는지에도 관심이 있었다. 이 주제에 대한 그녀의 탐구는 그녀를 레트로리플렉티비티라는 것에 이르게 했다. 레트로리플렉티비티는 빛을 원래의 출처로 다시 방향을 바꾸는 것이다. 이는 시정촌 교통부서가 밤에 도로 표지판을 보이게 하기 위해 의존하는 원리이다. 그들은 표지판에 조명을 설치하는 대신, 그 안에 작은 반사 비드를 삽입한다. 이 비드는 그에 닿는 빛을 확대하고, 그 빛을 원래의 방향으로 다시 보낸다. 그래서 작은 양의 주변 빛도 도로 표지판이 빛나는 것처럼 보이게 만든다. 코스는 도로 표지판에 사용되는 것과 유사한 작은 프리즘 비드와 함께 페인트를 혼합함으로써 유사한 효과를 얻을 수 있다는 것을 발견했다. 그녀의 레트로리플렉티브 회화는 전시 조명을 직접 출처로 되돌려 보내어, 관람객이 움직일 때마다 변화하는 운동적인 객체로 그녀의 회화를 만든다.

Mary Corse - Untitled, 2017, glass microspheres in acrylic on canvas, 78 x 234 in, 198.1 x 594.4 cm, Photo: Ron Amstutz. Courtesy the artist, Lehmann Maupin, New York and Hong Kong, and Kayne Griffin Corcoran, Los Angeles

빛으로 그림 그리기

그녀의 레트로리플렉티브 회화 외에도, 코르스는 오랫동안 직접적인 빛을 매체로 실험해왔다. 그녀는 빛 상자를 만들고 때로는 그것을 벽에 직접 걸거나, 때로는 천장에서 걸거나, 다른 경우에는 보드나 캔버스와 같은 2차 표면에 조명을 걸고 그 표면을 벽에 걸기도 한다. 1966년의 "제목 없음 (화이트 라이트 시리즈)"와 같은 작품들은 미적 기대와 일반화를 혼란스럽게 한다. 그것들은 그림처럼 벽에 걸려 있지만 조각적이기도 하다. 다시 말해, 주제는 빛인 것 같으므로, 이 작품은 그 표면이나 지지대에 관한 것이 아니라, 오히려 그것이 비추는 빈 공간에 관한 것이다. 그리고 어떤 지각적이고 개념적인 일이 일어나고 있다. 빛은 끌어당기는 힘이지만, 또한 눈부시기도 하다. 이러한 작품들에는 모순이 쌓인다. 그것들은 단순한 미적 객체 이상이다: 그것들은 우리가 현실이라고 생각하는 것에 내재된 여러 차원을 숙고하도록 초대하는 것이다.

코르스가 동시대 작가들과 차별화되는 점은 그녀가 물질적 과정뿐만 아니라 형이상학적 과정에도 참여하고 있다는 것입니다. 그녀는 시간이 지남에 따라 더욱 개방적이 되었고, 여전히 개방적입니다. 그녀는 호기심이 많고, 단어에 신중하며, 현실에 대한 자신의 인식에 불신을 가지고 있습니다. 한 번 인간 존재의 본질에 대해 질문을 받았을 때, 그녀는 "우리는 추상적 지각 다중우주에 살고 있다"고 말했습니다. 그리고 그녀의 작업을 설명하면서, 사람们이 그것을 "사고를 초월한 추상적 지각 경험"으로 상호작용하기를 바란다고 말했습니다. 이것이 결국 휘트니 미술관과 디아:비컨과 같은 기관들이 코르스에게 매력을 느끼게 한 이유입니다. 그녀가 아름답고, 완벽하게 제작되었으며, 개념적으로 반박할 수 없는 작업을 만든다는 것만이 아니라, 그녀의 사고에서 오는 매력도 있습니다. 그녀가 창조하는 미적 유물들은 그녀의 정신적 과정의 결과물입니다. 그것들은 그녀가 유도하는 효과에 비해 부차적입니다. 그리고 바로 그 효과가 논리와 이성이 한계가 있다는 것을 발견한 사람들에게 위안이 될 수 있습니다. 이 작품들은 우리에게 현실이 주관적이며, 여러 진리가 같은 공간과 시간에 공존할 수 있음을 상기시킵니다.

Mary Corse - Untitled (White Light Series), 1966, Wood, plexiglass, fluorescent tubes (left) and Untitled (Space + Electric Light), 1968, plexiglass, fluorescent tubes (right), © Mary Corse

특집 이미지: 메리 코스 - 제목 없음 (흰색 내부 밴드, 비스듬한), 2008, 아크릴 위 유리 미세구슬, 96 x 144 인치, 243.8 x 365.8 cm, 아티스트와 Lehmann Maupin, 뉴욕 및 홍콩 제공

모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됩니다.

필립 Barcio