추상적 환상주의 - 환상에서 현실을 빼내다

COVID-19의 확산 덕분에 예술 분야는 세계의 모든 전시가 디지털 형태로 재구성되는 극단적인 평면성의 이상한 시기로 접어들었습니다. 이는 추상 환영주의라는 과소평가되고 오해받는 운동을 되돌아보기에 완벽한 시점입니다. 이 운동의 전체 목적은 깊이의 요소를 되찾는 것이었습니다. 아마도 여러분은 이 운동에 대해 들어본 적이 없을 것입니다. 왜냐하면 오늘날 미술사 수업에서 거의 가르쳐지지 않기 때문입니다. 왜 그럴까요? 제 추측은 그것이 너무 성공적이어서입니다. 그것은 너무 인기가 많아 예술 세계를 넘어 모든 시각 문화의 측면으로 퍼져나갔고, 그로 인해 기믹으로 축소되었습니다. 추상 환영주의는 기본적으로 trompe l’oeil(프랑스어로 "눈을 속이다"라는 의미)와 20세기 중반의 추상 미술 경향인 추상 표현주의 및 기하학적 추상화의 혼합체입니다. Trompe l’oeil 화가들은 관객이 실제 현실을 보고 있다고 착각하게 만들며, 초현실적인 질감, 색조 및 색상을 통해 눈을 속이고, 관객이 환영적인 프레임 안으로 걸어 들어가서 그려진 세계로 사라지도록 초대합니다. 대부분의 예술가들은 추상을 trompe l’oeil의 반대라고 생각합니다. 그러나 추상 환영주의자들은 그림이 현실의 대리자가 될 수 있다는 trompe l’oeil 아이디어에서 영감을 받았습니다. 그러나 이 아이디어를 사용하여 현실을 복제하는 대신, 그들은 의미나 대표적 현실과의 관계가 없는 선, 붓질 및 형태와 같은 형식적 추상 요소를 우리에게 바깥쪽으로 튀어나오게 하여 실제 환경의 일부인 것처럼 보이게 만들었습니다. 이 운동과 관련된 예술가들은 그들이 하는 일에 매우 능숙하여 1980년대에 이르렀을 때, 이 운동이 절정에 달했을 때, 그들의 기술은 지구상의 모든 그래픽 디자이너에 의해 사용되었습니다. 오늘날 그 시대의 시각 언어를 되돌아보면, 비디오 게임 그래픽에서 앨범 커버에 이르기까지 모든 것이 추상 환영주의의 교훈을 차용하고 있습니다. 이는 그토록 성공적이어서 대중에게 짓밟힌 운동에 대한 실망스러운 유산입니다.

불가능한 관점

끔찍한 운명을 겪었음에도 불구하고, 추상 환상주의자들은 적어도 좋은 동료들과 함께하고 있다. 그들은 예술계에서 사랑받기에는 너무 유명해진 다른 예술가들의 긴 목록과 함께하고 있다. 특히 떠오르는 인물은 네덜란드 예술가인 모리츠 코르넬리스(엠. 시.) 에셔로, 그는 복잡한 목판화로 불가능해 보이는 공간 현실을 보여주는 장면을 창조하는 데 전문화되었다. 그의 가장 유명한 이미지는 동시에 위로, 아래로, 옆으로 가는 것처럼 보이는 계단과 서로를 존재로 그리는 두 손의 그림이다. 인류 역사상 가장 뛰어나고 교활한 드로잉가 중 한 명임에도 불구하고, 그는 자신의 작품이 키치라고 여겨진 예술계 내부자들에 의해 거의 무시당했다. 에셔는 그의 작품이 제대로 된 회고전을 갖기까지 70세가 되었다. 그러나 빅토르 바사렐리와 브리짓 라일리와 같은 선구적인(그리고 훨씬 더 유명하고 존경받는) 옵 아티스트들의 작품은 에셔가 완성한 기법에 절대적으로 의존하고 있다.

론 데이비스 - 링, 1968. 폴리에스터 수지와 유리섬유. 56 1/2" x 11' 4" (143.4 x 345.6 cm). 모마 컬렉션. 사무엘 C. 드레츠킨 부부 기금. © 2020 론 데이비스

추상 환영주의는 이러한 운명을 겪었을 뿐만 아니라, 이를 개척한 예술가들은 에셔가 개발한 기법과 이론에서 직접적으로 영감을 받았습니다. 그들의 그림 속 사물은 실제가 아닙니다; 실제일 수 없으며; 그럼에도 불구하고 우리가 그것들을 바라볼 때 우리의 마음은 그들의 현실성에 대해 확신하게 됩니다. 잭슨 폴록의 그림을 볼 때, 우리는 그 복잡함에 빠져들거나, 그 임파스토 층의 촉각적 특성을 감상할 선택을 가집니다. 그러나 추상 환영주의자가 스플래터 페인팅을 만들면, 우리의 마음은 붓 자국과 스플래터가 공간에 떠 있는 환상에 끊임없이 괴롭힘을 당합니다. 우리의 눈과 뇌가 그 환상을 조화시키기 위해 싸우는 동안 초월은 불가능해집니다. 우리가 보고 있는 것이 단지 패턴, 붓 자국, 색상이라는 것을 안다면, 우리는 그 작업을 형식적인 수준에서 다룰 수 있습니다. 이러한 요소들이 의도나 의미, 주제와 무관하게 실제 공간에 존재하는 것처럼 보이게 함으로써, 추상 환영주의자들은 우리가 그것들을 실제 물체로, 바위와 먼지 토끼, 바나나와 같은 세계에서 존재할 권리를 가진 것들로 간주하도록 강요합니다. 우리의 경험 생태계에서 역할을 할 것들입니다.

폴 사르키시안 - #6,1981. 아크릴, 글리터 및 실크스크린 캔버스. 43 x 45 인치. (109.2 x 114.3 cm). © 폴 사르키시안

환상의 현실

트롬프 로일이 현실의 환상이라면, 추상이 현실의 확장이라 할 수 있다면, 추상 환상주의는 환상의 현실을 확장하는 것으로 생각할 수 있다. 1979년, 덴버 미술관은 "환상의 현실"이라는 제목의 전시회를 통해 이 운동의 유산을 확고히 했다. 이 전시는 이제 추상 환상주의의 선구자로 여겨지는 소수의 예술가들, 즉 조 도일, 제임스 하바드, 잭 레일리를 정립했다. 도일은 기하학과 표현주의를 결합하여 원, 삼각형, 그리고 구불구불한 선들이 평면 표면 위의 환상적인 공간에 떠 있는 것처럼 보이게 하는 기발하고 다채로운 그림을 만들었다.

제임스 하바드 - 에어카라 곰의 배, 1976. 아크릴, 파스텔 및 그래파이트를 종이에 부착한 판에 사용. 40 x 31 7/8 인치 (101.6 x 80.9 cm). 마리안 록스 갤러리, 필라델피아. 현재 소유자에 의해 위에서 인수, 1976. © 제임스 하바드

Reilly는 그의 작업에서 일종의 장난기 가득한 시각 언어를 수용하여, 만화책의 에너지 폭발처럼 우주로 날아가는 조각화된 그림을 만들었고, Francis Picabia가 꿈꾼 상상의 기계의 폭발하는 부분처럼 보이게 했다. 이 세 명의 추상 환상주의자 중에서 Havard는 가장 절제된 스타일을 가지고 있었다. 그는 요소들이 우주에서 떠 있는 것처럼 보이도록 그림자와 원근법을 사용하면서도, 큐비즘과 아르 브뤼와 같은 역사적 미학적 입장을 사색적인 방식으로 업데이트한 음침한 구성을 만들었다. 오늘날 이들 및 이 오해받는 운동의 다른 주인공들의 작업을 되돌아보면, 그들의 노력을 쉽게 무시할 수 있다. 왜냐하면 추상 환상주의의 잔재가 한 세대 전의 자주 끔찍한 대중문화에 널리 퍼져 있기 때문이다. 그들의 작업을 기교적이거나, 진부하거나, 환각적이거나, 평범하다고 부르라. 무엇이라 부르든지 간에, 그것은 여전히 정당하다. 그들은 회화에서 깊이를 형식적 요소로 되찾으려 했던 것이다: 진지한 추구이며, 특히 COVID-19 시대와 디지털 전시의 과부하 속에서, 오늘날 우리에게 여전히 많은 의미가 있다.

특집 이미지: 제임스 하바드 - 플랫 헤드 리버, 1976, 아크릴화, 72 x 96 인치. 루이스 K. 마이젤 갤러리.
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됩니다.
필립 Barcio