추상적 환상주의 - 환상에서 현실을 빼내다

코로나19의 확산 덕분에 전 세계의 모든 전시가 디지털 형태로 재구성되면서 미술 분야는 극도의 평면성이라는 이상한 시기에 접어들었습니다. 이로 인해 깊이의 요소를 되찾는 것을 목적으로 했던 과소평가되고 오해받은 운동인 추상 환영주의를 되돌아보기에는 완벽한 시기가 되었습니다. 아마도 이 운동에 대해 들어본 적조차 없을 것입니다. 오늘날 미술사 수업에서 거의 가르치지 않기 때문입니다. 왜일까요? 제 추측으로는 너무 성공적이었기 때문입니다. 너무 인기가 많아 미술계를 넘어 시각 문화의 모든 측면에 퍼졌고, 결국에는 장난감 같은 것으로 전락했습니다. 추상 환영주의는 기본적으로 트롱프뢰유(눈속임이라는 뜻의 프랑스어)와 20세기 중반의 추상 미술 경향인 추상 표현주의와 기하학적 추상주의가 결합된 형태입니다. 트롱프뢰유 화가들은 매우 사실적인 질감, 색조, 색상을 통해 관람객을 속여 실제를 보고 있다고 착각하게 만들며, 관람객이 환영의 틀 안으로 걸어 들어가 그림 속 세계에 사라지도록 초대합니다. 대부분의 예술가는 추상을 트롱프뢰유의 반대 개념으로 봅니다. 그러나 추상 환영주의자들은 그림이 현실의 대체물이 될 수 있다는 트롱프뢰유의 아이디어에서 영감을 얻었습니다. 하지만 이 아이디어를 현실을 복제하는 데 사용하지 않고, 선, 붓질, 형태와 같은 형식적 추상 요소들을 실제 환경의 일부인 것처럼 우리 쪽으로 튀어나오게 하여 존재하는 것처럼 보이게 만들었습니다. 이 운동과 관련된 예술가들은 1980년대 절정기에 이르러 그들의 기법이 전 세계 모든 그래픽 디자이너에게 사용될 정도로 뛰어났습니다. 오늘날 그 시대의 시각 언어를 되돌아보면 비디오 게임 그래픽부터 앨범 커버까지 모두 추상 환영주의의 교훈을 빌려왔다는 것을 알 수 있습니다. 너무 성공적이어서 대중에게 너무 많이 사랑받아 결국 그 힘에 눌려버린 운동의 안타까운 유산입니다.

불가능한 시점

결국 끔찍한 운명을 맞았지만, 추상 환영주의자들은 적어도 좋은 동료들과 함께 있습니다. 미술계가 사랑하기에는 너무 인기가 많았던 다른 예술가들의 긴 명단에 그들도 포함되어 있습니다. 특히 떠오르는 인물은 네덜란드 예술가 모리츠 코르넬리스 (M. C.) 에셔로, 그는 불가능해 보이는 공간 현실을 보여주는 복잡한 목판화를 전문으로 했습니다. 그의 가장 유명한 작품은 동시에 위, 아래, 옆으로 이어지는 계단과 서로를 그려내는 두 손의 그림입니다. 인류 역사상 가장 뛰어나고 교묘한 화가 중 한 명임에도 불구하고, 그의 작품은 미술계 내부자들에게 키치로 간주되어 거의 무시당했습니다. 에셔는 70세가 되어서야 제대로 된 회고전을 가질 수 있었습니다. 그러나 빅터 바자렐리와 브리짓 라일리 같은 선구적이고 훨씬 더 유명하며 존경받는 옵 아트 예술가들의 작품은 에셔가 완성한 기법에 절대적으로 의존합니다.

론 데이비스 - 링, 1968년. 폴리에스터 수지와 유리섬유. 56 1/2" x 11' 4" (143.4 x 345.6 cm). MoMA 소장. Mr. and Mrs. Samuel C. Dretzin 기금. © 2020 론 데이비스

추상 환영주의는 같은 운명을 겪었을 뿐만 아니라, 이 운동을 개척한 예술가들은 에셔가 개발한 기법과 이론을 직접 차용했습니다. 그들의 그림 속 사물들은 실제가 아니며, 실제일 수 없지만, 우리가 그것을 볼 때 우리의 마음은 그것이 실제라고 확신하게 됩니다. 잭슨 폴록의 그림을 볼 때 우리는 그 복잡함에 빠져들거나 임파스토 층의 촉감적 특성을 감상할 수 있습니다. 그러나 추상 환영주의자가 튀긴 그림을 만들면, 붓질과 튀김이 공간에 떠 있는 것 같은 환영에 우리의 마음은 끊임없이 괴롭힘을 당합니다. 초월은 불가능해지고 우리의 눈과 뇌는 그 환영을 조화시키기 위해 싸웁니다. 우리가 보는 것이 단지 무늬, 붓 자국, 색상임을 알면 형식적인 차원에서 작품을 다룰 수 있습니다. 그러나 이러한 요소들이 의도나 의미, 주제와 무관하게 실제 공간에 존재하는 것처럼 보이게 함으로써, 추상 환영주의자들은 그것들을 실제 사물, 즉 바위, 먼지 토끼, 바나나와 같은 세상에 존재할 권리가 있는 것들, 우리의 경험 생태계에서 역할을 하는 것들로 간주하도록 강요합니다.

폴 사르키시안 - #6, 1981년. 아크릴, 반짝이, 실크스크린 캔버스. 43 x 45 인치 (109.2 x 114.3 cm). © 폴 사르키시안

환영의 현실

트롱프뢰유가 현실의 환영이고, 추상이 현실의 확장이라면, 추상 환영주의는 환영의 현실 확장이라고 생각할 수 있습니다. 1979년 덴버 미술관은 환영의 현실이라는 제목의 전시로 이 운동의 유산을 확고히 했습니다. 이 전시는 조 도일, 제임스 하바드, 잭 라일리 등 추상 환영주의의 선구자로 여겨지는 소수의 예술가들을 정립했습니다. 도일은 기하학과 표현주의를 결합해 원, 삼각형, 곡선이 평면 위에 튀기고 떨어진 붓 자국과 얼룩 위에 떠 있는 것처럼 보이는 기발하고 다채로운 그림을 만들었습니다.

제임스 하바드 - 에어카라 베어스 벨리, 1976년. 아크릴, 파스텔, 흑연, 판에 부착된 종이. 40 x 31 7/8 인치 (101.6 x 80.9 cm). 마리안 록스 갤러리, 필라델피아. 현재 소유자가 1976년에 위에서 구입. © 제임스 하바드

라일리 역시 그의 작품에서 장난기 어린 시각 언어를 받아들여 만화책 속 에너지 폭발처럼 공간으로 튀어나오는 조각 같은 그림을 만들었으며, 프란시스 피카비아가 상상한 기계의 폭발하는 부품처럼 보이기도 합니다. 이 세 명의 추상 환영주의자 중 하바드는 가장 절제된 작가였습니다. 그는 그림자와 원근법을 사용해 요소들이 공간에 떠 있는 것처럼 보이게 하면서도, 입체파와 아르 브뤼 같은 역사적 미학적 입장을 사색적으로 현대화한 침착한 구성을 만들었습니다. 오늘날 이 오해받은 운동의 주인공들과 그들의 작품을 되돌아보면, 추상 환영주의의 잔재가 한 세대 전의 자주 흉측한 대중문화 곳곳에 널리 퍼져 있어 그들의 노력을 쉽게 무시할 수 있습니다. 그들의 작품을 장난감 같다고 하든, 촌스럽다고 하든, 환각적이라고 하든, 평범하다고 하든, 무엇이라 부르든 간에 그들은 정당한 예술가들입니다. 그들은 회화에서 깊이를 형식적 요소로 되찾으려 했습니다. 이는 진지한 추구였으며, 특히 코로나19 시대와 디지털 전시 과잉의 시대에 여전히 우리에게 많은 의미가 있습니다.

대표 이미지: 제임스 하바드 - 플랫 헤드 강, 1976년, 캔버스에 아크릴, 72 x 96 인치. 루이스 K. 마이젤 갤러리.
모든 이미지는 설명 목적으로만 사용됨
필립 Barcio 작성