위대한 로버트 라이먼을 기억하며
미국 화가 로버트 라이먼이 88세의 나이로 세상을 떠났습니다. 그의 죽음은 그의 갤러리에서 발표된 성명에서 알려졌습니다. 독학으로 배운 예술가인 라이먼은 50년 이상 관객들을 매료시키고 기쁘게 하며 혼란스럽게 한 방대한 작품을 창조했습니다. 그의 그림의 대다수는 주로 흰색이었습니다. 그러나 라이먼은 항상 그것들이 "흰색 그림"으로 의도된 것이 아니라고 지적했습니다. 오히려 그는 그것들을 다른 것들이 드러나게 하기 위해 흰색이 사용된 그림으로 설명했습니다. 그는 스스로 무언가를 드러내려 하지 않았습니다. 그는 사회적, 정치적, 또는 지적 의제가 없었습니다. 오히려 그는 그림이 스스로 드러날 수 있는 상황을 창조하고 있었습니다. 그는 흰색이 다른 색보다 더 드러내는 힘이 있다고 믿었습니다. 그는 그 효과를 흰 셔츠에 커피를 쏟는 것에 비유했습니다. "흰 셔츠에 쏟으면 커피가 매우 선명하게 보입니다,"라고 그는 말했습니다. "어두운 셔츠에 쏟으면 그렇게 잘 보이지 않죠." 그의 그림에서 흰색이 드러내는 것에 대한 질문에 대해 라이먼은 관객들에게 그 해답을 generously 남겼습니다. 그는 "그림이란 사람들이 보는 것과 정확히 같습니다"라고 말했습니다. 수십 년 동안 사람들은 그의 그림에서 온갖 종류의 것들과 비물질적인 것들을 보았다고 보고했습니다. 어떤 이들은 솜뭉치나 구름 형상을 본다고 말합니다. 다른 이들은 그림의 기술적 과정에 대한 개념적 표현을 본다고 보고합니다. 많은 이들이 그들이 보는 것을 추상적이라고 묘사했습니다. 그러나 라이먼은 자신을 추상 화가로 여기지 않았습니다. 그는 자신의 그림을 자기 지시적인 객체로 간주했습니다. "내가 이야기해야 할 상징이나 이야기는 없습니다,"라고 그는 말했습니다. 이 점에 대한 그의 부드러운 주장 덕분에 그는 회화의 영원한 관련성에 대한 완벽한 대사가 되었습니다. 단일 색상을 거의 벗어나지 않고 수백 개의 아름다운 그림을 만들어내면서, 라이먼은 끝없는 다양성의 그림이 여전히 만들어질 수 있음을 부인할 수 없이 증명했습니다.
그림, 사진이 아닌
로버트 라이먼은 1930년 테네시주 내슈빌에서 태어났습니다. 대학을 졸업한 후 그는 미국 육군에서 음악가로 복무하며 한국 전쟁 동안 육군 예비군 밴드에서 연주했습니다. 1953년 뉴욕시로 이사할 때 그는 화가가 아니라 재즈 음악가가 되겠다는 의도로 이사했습니다. 그는 예술 수업을 한 번도 들어본 적이 없었습니다. 그의 주요 야망은 창의적인 삶에 전념할 수 있도록 가능한 한 적은 책임으로 도시에서 일자리를 찾는 것이었습니다. 라이먼은 현대 미술관의 경비원으로 일자리를 수락했습니다. 그곳에서 그는 자신의 첫 번째 그림을 보았습니다. 처음에는 그가 보고 있는 것이 그림이라는 것을 깨닫지 못했습니다. 그는 박물관 벽에 걸린 것들을 그림이 아니라 사진으로 보았습니다. 그는 그 표면과 재료를 사진이 전달하려는 주제에 비해 부차적인 것으로 보았습니다.
로버트 라이먼 - Attendant, 1984. 유리섬유에 알루미늄, 볼트 및 나사로 만든 유화. 51 7/8 x 47 x 2 1/8" (131.8 x 119.4 x 5.4 cm). Anne과 시드 배스 기금. 모마 컬렉션. © 2019 로버트 라이먼
그의 마음은 마크 로스코의 그림을 처음 봤을 때 바뀌었다. 라이먼은 말했다, “나는 이전에 그런 방식으로 그림을 본 적이 없었다. 나는 항상 사진을 보고 있었고, 여기에는 전혀 다른 느낌이 있는 무언가가 있었다.” 로스코는 자신의 그림을 사진으로 인식하지 않았다. 그는 그것들을 초월적인 관문으로 여겼다. 그는 표면, 페인트, 색상, 질감, 빛, 그리고 그림의 물리적 환경이 모두 같은 경험의 일부가 되기를 의도했다. 그는 관람객들이 그림을 "보다"가 아니라 그 경험에 몰입하기를 원했다. 그의 그림을 깊이 생각함으로써, 로스코는 관람객들이 사색적인 상태에 들어가기를 희망했다. 그것이 그의 작업의 진정한 목적이었다. “나는 그가 무엇을 하고 있는지 몰랐다,”고 라이먼은 말했다. 그러나 라이먼은 그 시점 이후로 그림과 사진 사이의 본질적인 차이를 최소한 인식하게 되었다. 이 계시에 영감을 받아 그는 철물점으로 향했고, 인생에서 처음으로 페인트와 그림을 그릴 표면을 구입했다.
로버트 라이먼 - 브리지, 1980. 캔버스에 유화와 녹 방지 페인트, 네 개의 금속 고정 장치와 사각 볼트가 포함되어 있습니다. 75 1/2 x 72 인치 (191.7 x 182.8 cm). 콘라드 피셔, 뒤셀도르프, 토마스 아만, 취리히, 현재 소유자에 의해 위에서 인수됨. © 2019 로버트 라이먼
절대 실험을 멈추지 마세요
학술 미술 세계에 결코 참여하지 않았던 라이먼은 그림을 만드는 방법에 대한 이해를 방해할 수 있는 편견에 얽매이지 않았다. 그는 모든 가능성에 마음을 열었고, 단순히 표면에 페인트를 바르는 과정의 즐거움을 누릴 수 있도록 자신을 허용했다. 그는 다양한 도구의 느낌, 그것들이 다양한 매체와 상호작용하는 방식, 그리고 그 매체들이 다양한 표면을 변형시키는 방식에 매료되었다. 그의 첫 번째 그림들은 거의 단색이었으며—주로 녹색이나 주황색이었다. 그러나 지배적인 색상만이 유일한 색상은 아니었다. "제목 없음 (주황색 그림)" (1959)은 노란색, 빨간색, 녹색, 파란색으로 얼룩져 있다. 주황색은 관객이 가장 먼저 보는 것일 수 있지만, 그 직후 눈과 마음은 작품의 모순으로 끌리게 된다.
로버트 라이먼 - 제목 없음 (오렌지 그림), 1955 및 1959. 캔버스에 유채. 28 1/8 x 28 1/8" (71.4 x 71.4 cm). 조 카롤과 로널드 S. 로더의 부분 기증 및 약속된 기증, 데이비드 록펠러의 100세 생일을 기념하여. 모마 컬렉션. © 2019 로버트 라이먼
그러한 모순들은 결국 Ryman이 흰색에 끌리게 만든 이유였다. 흰색은 극명한 대비를 제공했기 때문이다. 그러나 흰색에 그렇게 의존했음에도 불구하고 Ryman은 그의 초기 작품에 영향을 준 실험 정신을 잃지 않았다. 그는 제한이 창의성을 낳는다는 아이디어의 살아있는 증거였다. 그는 흰색에 고수했지만 수십 가지 매체를 사용했다. 그는 정사각형 형식에 고수했지만 크기를 다양하게 했다. 몇 인치 정사각형 크기의 그림부터 본질적으로 정사각형 벽에 이르기까지 다양했다. 그는 그가 그린 표면의 종류에서 다양성을 찾았고, 그의 그림이 벽에 부착되는 방식에 대해 실험했다. 그가 변화를 주지 않은 유일한 것은 그의 그림이 전시되는 환경이었다. 그의 그림이 제대로 기능하기 위해서는 깨끗한 흰색 벽의 갤러리에서 표준 조명으로 전시되어야 한다고 믿었다. 그의 전시 전통주의는 모든 그림이 표현하고자 하는 고유한 무언가가 있다고 믿는 데 뿌리를 두고 있었다. "그림은 완전해지기 위해서는 특정한 경외감을 주는 분위기가 필요하다," Ryman은 한때 Art21에 말했다. "그림은 스스로 드러날 수 있도록 상황에 있어야 한다."
특집 이미지: 로버트 라이먼 - 제목 없음, 1965. 에나멜, 브리스톨 보드. 7 3/4 x 8 1/8" (19.7 x 20.6 cm). MoMA 컬렉션. © 2019 로버트 라이먼
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됩니다.
필립 Barcio에 의해
