위대한 로버트 라이먼을 기억하며

미국 화가 Robert Ryman이 88세의 나이로 세상을 떠났습니다. 그의 사망 소식은 그의 갤러리에서 발표한 성명을 통해 알려졌습니다. 독학으로 예술을 익힌 Ryman은 50년 넘게 관람객들을 매료시키고 혼란스럽게 한 방대한 작품 세계를 창조했습니다. 그의 작품 대부분은 주로 흰색이었습니다. 그러나 Ryman은 그것들이 “흰색 그림”으로 의도된 것이 아니라고 항상 강조했습니다. 오히려 그는 흰색을 다른 것들이 드러나게 하는 수단으로 사용한 그림이라고 설명했습니다. 그는 스스로 무언가를 드러내려 한 것이 아니었습니다. 사회적, 정치적, 지적 의도가 없었습니다. 대신 그는 그림들이 스스로를 드러낼 수 있는 상황을 만들고자 했습니다. 흰색은 다른 색보다 더 드러내는 힘이 있다고 믿었습니다. 그는 그 효과를 흰 셔츠에 커피를 쏟는 것에 비유했습니다. “커피가 아주 선명하게 보입니다,”라고 말했습니다. “어두운 셔츠에 쏟으면 그렇게 잘 보이지 않죠.” 그의 그림에서 흰색이 드러내는 것이 무엇인지에 대한 질문에 대해 Ryman은 관람객들에게 관대하게 맡겼습니다. 그는 “그림이란 사람들이 보는 바로 그것이다”라고 말했습니다. 수십 년 동안 사람들은 그의 그림에서 다양한 것들, 심지어 무형의 것들까지 보았다고 보고했습니다. 어떤 이들은 솜뭉치나 구름 모양을 본다고 했고, 다른 이들은 그림 기법의 개념적 표현을 보았다고 했습니다. 많은 이들은 자신들이 본 것을 추상적이라고 묘사했습니다. 그러나 Ryman은 자신을 추상 화가로 여기지 않았습니다. 그는 자신의 그림을 자기 참조적 대상이라고 생각했습니다. “내가 전할 상징이나 이야기는 없다”라고 말했습니다. 그의 부드러운 어조로 이 점을 고집한 것은 그림의 영원한 중요성을 알리는 완벽한 대사가 되었습니다. 단 한 가지 색을 거의 벗어나지 않고 수백 점의 아름다운 그림을 만들어내면서, Ryman은 무한한 다양성의 그림들이 여전히 만들어지길 기다리고 있음을 부인할 수 없이 증명했습니다.

그림이지 사진이 아니다

Robert Ryman은 1930년 테네시 주 내슈빌에서 태어났습니다. 대학을 졸업한 후 그는 한국전쟁 중 예비군 밴드에서 연주하는 군악대로 미 육군에 복무했습니다. 1953년 뉴욕으로 이주했을 때 그는 화가가 아니라 재즈 음악가가 되려는 의도로 왔습니다. 그는 이전에 미술 수업을 한 번도 들어본 적이 없었습니다. 그의 주된 목표는 가능한 한 책임이 적은 직장을 찾아 창작 활동에 전념하는 것이었습니다. Ryman은 현대미술관의 경비원 자리를 맡았습니다. 그곳에서 그는 처음으로 그림을 보았습니다. 처음에는 그것들이 그림이라는 것을 깨닫지 못했습니다. 그는 미술관 벽에 걸린 것들을 사진으로 보았습니다. 그는 그 표면과 재료를 사진이 전달하려는 주제보다 부차적인 것으로 여겼습니다.

Robert Ryman - Attendant, 1984. 유리섬유에 유화, 알루미늄, 볼트와 나사 사용. 51 7/8 x 47 x 2 1/8" (131.8 x 119.4 x 5.4 cm). Anne과 Sid Bass 기금. MoMA 소장. © 2019 Robert Ryman

그의 생각은 Mark Rothko의 그림을 처음 보았을 때 바뀌었습니다. Ryman은 “그전까지는 그림을 그런 식으로 본 적이 없었다. 나는 항상 사진을 보고 있었는데, 여기에는 완전히 다른 느낌이 있었다”고 말했습니다. Rothko는 자신의 그림을 사진으로 여기지 않았습니다. 그는 그것들을 초월적인 통로로 생각했습니다. 그는 그림의 표면, 물감, 색, 질감, 빛, 그리고 물리적 환경 모두가 같은 경험의 일부가 되길 원했습니다. 관람객들이 그림을 ‘보는’ 것이 아니라 그 경험 속에 몰입하기를 바랐습니다. 그의 그림을 통해 관람객들이 사색의 상태에 들어가길 바랐는데, 그것이 그의 작업의 진정한 목적이었습니다. Ryman은 “그가 무엇을 하는지 몰랐다”고 말했습니다. 그러나 그때부터 그는 그림과 사진의 본질적인 차이를 알게 되었습니다. 이 깨달음에 영감을 받아 그는 철물점에 가서 처음으로 물감과 그림을 그릴 표면을 샀습니다.

Robert Ryman - Bridge, 1980. 캔버스에 유화와 방청 페인트, 네 개의 칠해진 금속 고정장치와 사각 볼트 사용. 75 1/2 x 72 인치 (191.7 x 182.8 cm). 쾰른 피셔, 뒤셀도르프, 토마스 암만, 취리히, 위에서 현재 소유자에게 인수. © 2019 Robert Ryman

실험을 멈추지 마라

학문적 미술계에 참여한 적이 없던 Ryman은 그림을 만드는 방법에 대한 편견에 얽매이지 않았습니다. 그는 모든 가능성에 자신을 열었고, 단순히 표면에 물감을 바르는 과정을 즐기는 기쁨을 누렸습니다. 그는 다양한 도구의 감촉, 그것들이 다양한 매체와 상호작용하는 방식, 그리고 그 매체들이 다양한 표면을 변화시키는 방식에 매료되었습니다. 그의 첫 그림들은 거의 단색이었는데, 주로 녹색이나 주황색이었습니다. 그러나 주된 색만 있는 것은 아니었습니다. “Untitled (Orange Painting)” (1959)은 노랑, 빨강, 초록, 파랑으로 얼룩져 있습니다. 주황색이 관람객이 처음 보는 색일지라도 곧 눈과 마음은 작품 속 모순에 끌립니다.

Robert Ryman - Untitled (Orange Painting), 1955 및 1959. 캔버스에 유화. 28 1/8 x 28 1/8" (71.4 x 71.4 cm). David Rockefeller 100세 생일을 기념하여 Jo Carole과 Ronald S. Lauder가 부분적으로 기증 및 약속한 작품. MoMA 소장. © 2019 Robert Ryman

이러한 모순이 결국 Ryman을 흰색으로 이끌었는데, 흰색은 극명한 대비를 제공했기 때문입니다. 그럼에도 불구하고 흰색에 크게 의존하면서도 Ryman은 초기 작품에서 느꼈던 실험 정신을 잃지 않았습니다. 그는 제한이 창의성을 낳는다는 생각의 살아있는 증거였습니다. 그는 흰색을 고수했지만 수십 가지 매체를 사용했습니다. 정사각형 형식을 고수했지만 크기는 몇 인치 크기의 작은 그림부터 사실상 정사각형 벽 크기까지 다양했습니다. 그는 그림을 그리는 표면의 종류에서 다양성을 찾았고, 그림을 벽에 부착하는 방법도 실험했습니다. 그가 변하지 않은 유일한 것은 그림이 전시되는 환경이었습니다. 그의 그림이 제대로 기능하려면 깨끗한 흰 벽의 갤러리 벽에 표준 조명 아래 전시되어야 한다고 믿었습니다. 그의 전시 전통주의는 모든 그림이 자신만의 표현하고자 하는 무언가를 가지고 있다는 믿음에 근거했습니다. Ryman은 한때 Art21에 “그림은 완성되기 위해 경건한 분위기가 필요하다. 그림이 스스로를 드러낼 수 있는 상황에 있어야 한다”고 말했습니다.

대표 이미지: Robert Ryman - Untitled, 1965. 브리스톨 보드에 에나멜. 7 3/4 x 8 1/8" (19.7 x 20.6 cm). MoMA 소장. © 2019 Robert Ryman
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됨
작성자 Phillip Barcio