노먼 루이스의 아메리칸 토템, 휘트니 미술관의 최신 수집품

뉴욕에 있는 휘트니 미국 미술관은 최근 노먼 루이스의 작품 “아메리칸 토템”(1960)을 소장하게 되었다고 발표했습니다. 이 작품은 루이스의 작품 중 휘트니 컬렉션에 처음으로 들어간 그림입니다. 이번 소장은 루이스가 남긴 유산에 대한 새로운 논의를 불러일으킵니다. 루이스는 종종 “유일한” 흑인 추상 표현주의 화가 중 한 명으로 지목되곤 합니다. 그러나 실제로는 당시 미국에서 대부분의 흑인 예술가들이 인종 때문에 대학, 미술관, 갤러리 시스템에서 완전히 배제되거나 주변부에 머물렀기 때문에, 추상 표현주의 운동 내에서 이름을 알리려 했던 흑인 화가가 얼마나 있었는지는 알려져 있지 않습니다. 또한 루이스 자신이 추상 표현주의 화가였다고 주장하는 것도 타당하지 않습니다. 그는 사회적 투쟁을 묘사하는 구상화가로 시작했습니다. 사회적 사실주의가 문화 변화를 위한 실질적 도구라는 믿음을 잃은 후, 그의 화풍은 점점 더 추상적으로 변했습니다. 하지만 그가 개발한 독특한 추상적 시각 언어 안에서도 루이스는 구조에 대한 엄격한 통제와 의도에 대한 감각을 유지했으며, 이는 추상 표현주의의 무의식적이거나 자동적인 방법과는 어울리지 않습니다. 루이스는 추상 표현주의의 상징적인 순간들에 참여하지 않았습니다. 그는 1950년 메트로폴리탄 미술관 전시 American Painting Today에 대한 항의 서한에 서명하지 않았고, 라이프 매거진에 실린 “이래스키블스” 사진에도 없었습니다. 또한 1951년 9번가 전시회에 참여하지도 않았는데, 이 전시회는 많은 추상 표현주의 작가들의 경력을 확립시킨 자리였습니다. 그렇다면 루이스가 “유일한” 흑인 추상 표현주의 화가도 아니고, 심지어 추상 표현주의 화가도 아닌데 왜 그가 자주 그런 이야기 속에 묶여 있을까요? 이 질문은 가치 있는 물음이며, 이번 휘트니의 소장이 그 답을 찾고 루이스의 유산을 올바른 위치로 재조명하는 데 도움이 될지도 모릅니다.

사회 변화를 위한 예술

휘트니가 “아메리칸 토템”을 소장한 이유 중 하나는 루이스가 지닌 정치적·미학적 관심사를 “탁월하게” 표현했기 때문이라고 합니다. 하지만 이 설명은 다소 피상적입니다. 이 그림은 약 80%가 검은색이고 20%가 흰색으로 구성되어 있으며, 하단 중앙 부분에는 쐐기 모양이나 분할선처럼 흰색 형태가 세로로 자리 잡고 있습니다. 휘트니 보도자료에서는 이 흰색 형태를 제목에 나오는 “토템”으로 해석하는데, 토템은 특정한 성질을 상징하는 것입니다. 이 토템의 꼭대기에는 흰색 삼각형이 있고, 그 아래에는 두 개의 검은 원이 있는 흰색 직사각형 형태가 있습니다. 삼각형, 직사각형, 두 개의 검은 원의 조합은 쿠 클럭스 클랜의 두건을 연상시킨다고 합니다. 따라서 루이스는 이 그림 속 흰색 형태가 “아메리칸”이라는 성질이 클랜이 내세운 혐오스러운 인종차별과 관련이 있음을 암시하려 했다고 전해집니다.

“아메리칸 토템”에 대한 이런 해석은 다소 진부합니다. 이 작품은 루이스가 흑인 예술가들과 시민권 운동 간의 연대를 보여주고자 했던 시기에 그린 ‘시민권’ 시리즈에 속합니다. 하지만 루이스는 이 작품을 그릴 때 이미 10년 넘게 추상적으로 그림을 그려왔으며, 사회적 메시지를 전달하는 수단으로서 직접적인 구상화를 오래전에 포기했습니다. 흰색 두건에 대한 시각적 참조 외에 이 그림에서 주목해야 할 다른 점은 무엇일까요? 시간의 흐름에 따른 마모를 암시하는 낡은 표면에 주목할 수도 있고, 구도에서 암시하는 분열의 개념에 더 집중할 수도 있습니다. 검은 원을 흰 눈 구멍으로 보기보다는 순수한 가능성의 풍경 속에서 두 검은 인물이 탐색하는 모습으로 볼 수도 있지 않을까요? 왜 흰색 형태만이 주제가 되어야 할까요? 캔버스 대부분은 검은색입니다. 왜 검은색이 주제가 되지 못할까요? 이 그림에서 단순히 환상을 찾는 것보다 더 깊은 해석이 필요합니다. 루이스는 그런 얕고 단순한 해석보다 더 많은 존중을 받을 만한 작가입니다.

한 사람의 예술 운동

“아메리칸 토템”에 대해 이렇게 단순한 해석이 주어진 이유 중 하나는, 루이스가 특정 예술 운동에 속하지 않아 대중의 한정된 관심을 설명하기 쉽기 때문일 수 있습니다. 루이스는 어느 한 예술 운동에 충실하지 않았기에 그의 작품을 정치적·사회적 선언문 모음으로 묶는 것이 편리합니다. 하지만 더 어렵고 정확한 것은 우리가 “아메리칸 토템”과 루이스의 다른 작품들을 이제 막 이해하기 시작했다는 사실을 인정하는 것입니다. 빈센트 반 고흐, 마르셀 뒤샹, 조지아 오키프, 루이즈 부르주아, 그리고 노먼 루이스처럼, 그는 하나의 독자적인 예술 운동이었습니다. 그의 작품은 예술가이자 인간으로서 자신의 내면적 성장에 따라 진화했으며, 동시대 동료들이 하던 모든 것을 초월했고, 오직 자신만의 아름다움과 진실에 대한 감각에 충실했습니다.

사실 루이스가 추상 표현주의 운동과 연결된 거의 유일한 사실은, 1950년 윌렘 드 쿠닝과 프란츠 클라인이 주최한 스튜디오 35 아티스트 세션에 초대된 유일한 흑인 예술가였다는 점입니다. 이 모임은 당시 뉴욕 예술가들이 관심을 가진 진지한 미학적 주제를 담배 연기와 예술가들로 가득한 방에서 테이블을 둘러싸고 토론하는 자리였습니다. 루이스는 이 토론에서 많은 통찰력 있는 의견을 내놓았는데, 그중 하나는 그의 작업 방식을 이해하는 데 중요한 통찰을 제공합니다. “언제 그림이 ‘완성’되었는지 아느냐”는 질문에 루이스는 “내가 도달한 것이 신비의 질일 때 멈춘다고 생각한다”고 답했습니다. 그러므로 “아메리칸 토템”과 루이스의 모든 그림은 어느 정도 루이스 자신에게도 신비였다고 볼 수 있습니다. 우리가 어떤 의미나 해석을 부여하든 완전한 평가에 이를 수는 없습니다. 루이스는 스타일과 운동의 한계를 넘어섰고, 자신의 주제에 대한 인식도 넘어섰습니다. 예술 운동은 스스로 경계를 정함으로써 일종의 죽음이 되지만, 노먼 루이스의 그림 속 신비는 그들에게 생명력을 부여합니다.

대표 이미지: 노먼 W. 루이스 - 아메리칸 토템, 1960년. 캔버스에 유화. 74″ x 45″. 노먼 W. 루이스 유산; 뉴욕 마이클 로젠펠드 갤러리 제공 © 노먼 W. 루이스 유산; 뉴욕 마이클 로젠펠드 갤러리 LLC 제공.
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됨
작성자 Phillip Barcio