노먼 루이스의 아메리칸 토템, 휘트니 미술관의 최신 수집품

뉴욕의 휘트니 미술관은 최근 “아메리칸 토템” (1960)을 노먼 루이스로부터 인수했다고 발표했습니다. 이는 루이스의 첫 번째 작품이 휘트니 컬렉션에 들어온 것입니다. 이 인수는 루이스가 남긴 유산에 대한 새로운 논의를 초대합니다. 루이스는 종종 “유일한” 흑인 추상 표현주의 화가 중 한 명으로 언급됩니다. 그러나 실제로는 그 당시 미국에서 몇 명의 흑인 화가들이 추상 표현주의 운동 내에서 이름을 알리기 위해 노력했는지는 알려져 있지 않습니다. 대부분의 흑인 예술가들은 전적으로 무시되거나 인종 때문에 대학, 박물관, 갤러리 시스템의 변두리에 머물렀기 때문입니다. 루이스 자신이 추상 표현주의 화가였다고 주장하는 것도 타당한 주장이 아닙니다. 그는 사회적 투쟁을 묘사한 회화를 그리는 구상 화가로 시작했습니다. 사회적 리얼리즘이 문화적 변화의 유효한 도구라는 믿음을 잃은 후, 그의 스타일은 더 추상적으로 변했습니다. 그러나 그가 개발한 특이하고 추상적인 시각 언어의 맥락 내에서도 루이스는 구조에 대한 강한 이해와 의도에 대한 재능을 유지했습니다. 이는 추상 표현주의의 무의식적이거나 자동적인 방법과는 거의 맞지 않습니다. 루이스는 상징적인 추상 표현주의 순간에 관여하지 않았습니다. 그는 메트로폴리탄 미술관의 전시회 "아메리칸 페인팅 투데이 – 1950"에 대한 항의 서명의 서명자도 아니었습니다. 그는 라이프 매거진에 실린 "이라스시블스"의 후속 사진에도 존재하지 않았습니다. 또한 루이스는 1951년 9번가 전시에 참가한 예술가 중 한 명도 아니었습니다. 이 전시는 많은 운동의 구성원들의 경력을 확립했습니다. 그러나 루이스가 “유일한” 흑인 추상 표현주의 화가가 아니거나 심지어 추상 표현주의 화가조차 아니라면, 왜 그는 그렇게 자주 그 서사에 포함되는 것일까요? 이는 물어볼 가치가 있는 질문이며, 아마도 휘트니의 이번 최신 인수가 그에 대한 답을 도와줄 것이고, 아마도 루이스의 유산을 재구성하여 적절한 수준으로 끌어올릴 것입니다.

사회 변화의 예술

휘트니가 “아메리칸 토템”을 인수한 이유 중 하나는 루이스가 가졌던 정치적 및 미적 관심사를 표현하는 "브릴리언트"한 방식이라고 합니다. 그러나 이 설명은 다소 피상적입니다. 이 그림은 약 80%가 검은색이고 20%가 흰색으로, 흰색 형태의 수직 구성이 캔버스의 하단 중앙 부분을 쐐기처럼 지배하고 있습니다. 흰색 형태는 제목의 "토템"을 나타내는 것으로 휘트니 보도자료에서 해석됩니다; 토템은 특정 품질을 상징하는 것입니다. 이 가상의 토템의 정점에는 흰색 삼각형이 있습니다. 흰색 삼각형 아래에는 두 개의 검은색 원이 있는 흰색 직사각형 형태가 있습니다. 삼각형, 직사각형, 두 개의 검은색 원의 조합은 쿠 클럭스 클랜의 후드를 연상시킨다고 합니다. 따라서 우리는 루이스가 이 그림의 흰색 형태가 "아메리카니즘"의 품질이 클랜이 주장하는 악랄한 인종차별과 관련이 있음을 암시하도록 의도했다고 전해집니다.

“아메리칸 토템”에 대한 이 해석은 다소 진부하다. 이 작품은 루이스의 캔버스 모음집에 속하며, 총칭하여 그의 “시민권” 그림으로 알려져 있다—그가 흑인 예술가들과 시민권 운동 간의 연대를 보여주고자 했던 시기에 그려졌다. 그러나 루이스는 그것을 그릴 당시 이미 10년 이상 추상적으로 그림을 그려왔다. 그는 사회적 메시지를 전달하는 방법으로서 직선적인 형상을 오래전에 포기했다. 흰색 후두에 대한 시각적 참조 외에, 이 이미지에서 우리가 주목해야 할 다른 것이 있을까? 시간이 지나면서 생긴 마모를 암시하는 닳은 표면에 주목할 수 있을까? 모든 초점을 한 극단적이고 급진적인 집단에 두기보다는 구성에서 제안된 분열의 개념에 더 집중할 수 있을까? 검은 원을 백인의 눈을 위한 구멍으로 보는 대신, 순수한 가능성의 풍경에서 탐색하는 두 개의 검은 형체로 볼 수 있을까? 왜 흰색 형태가 주제가 되어야 할까? 캔버스의 대부분은 검은색이다. 왜 검은색이 주제가 되지 않는가? 우리는 이 그림에서 단순히 패레이돌리아를 찾는 것보다 더 나은 접근을 할 수 있다. 루이스는 이렇게 얕고 기본적인 해석보다 더 많은 존경을 받을 자격이 있다.

한 아티스트 운동

"아메리칸 토템"에 대해 이렇게 단순한 해석이 주어진 이유 중 하나는, 그것이 제한된 주의 집중력을 가진 대중에게 설명할 수 없는 것을 설명하는 데 도움이 되기 때문일 수 있다. 루이스는 특정한 예술 운동에 대한 충성을 거부하므로, 그의 작품을 즉흥적인 정치적 및 사회적 발언의 모음으로 묶는 것이 편리하다. 우리는 "아메리칸 토템"과 이 예술가가 한 나머지 작업을 이해하기 시작한 지 불과 얼마 되지 않았다는 것을 인정하는 것이 더 어렵지만 더 정확하다. 빈센트 반 고흐, 마르셀 뒤샹, 조지아 오키프, 루이즈 부르주아, 그리고 아그네스 마틴과 마찬가지로, 노먼 루이스는 스스로의 운동이었다. 그의 작업은 예술가이자 인간으로서 자신의 내적 발전에 따라 진화했으며, 동시대 동료들이 하고 있던 모든 것을 초월하고 오직 그가 아름답고 진실하다고 느끼는 것에만 따랐다.

사실, 루이스가 추상 표현주의 운동과 연결된 유일한 검증 가능한 연결 고리는 그가 1950년 윌렘 드 쿠닝과 프란츠 클라인이 주최한 스튜디오 35 아티스트 세션에 초대된 유일한 흑인 예술가였다는 점이다. 이 세션에서는 당시 뉴욕 예술가들이 우려했던 심각한 미학적 주제들이 담배 연기와 예술가들로 가득한 방의 테이블 주위에서 논의되었다. 루이스는 논의에 많은 계몽적인 의견을 기여했으며, 그 중 하나는 그의 작업에 대한 우리의 이해에 필수적인 통찰을 제공한다. 그가 그림이 "완성되었다"고 느끼는 순간에 대해 질문을 받았을 때, 루이스는 "나는 멈췄다고 생각한다. 내가 신비의 질에 도달했을 때"라고 대답했다. 따라서 "아메리칸 토템"과 루이스의 다른 모든 그림은 어느 정도 루이스 자신에게도 신비였다. 우리가 그것에 부여할 수 있는 의미나 해석이 무엇이든, 우리는 결코 완전한 평가를 할 수 없다. 루이스는 스타일과 운동의 한계를 넘어섰고, 자신의 주제에 대한 인식도 넘어섰다. 예술 운동은 스스로의 경계를 정의함으로써 죽음의 한 형태가 된다. 노먼 루이스의 그림 속 신비는 그것들에게 생명감을 부여하는 요소이다.

특집 이미지: 노먼 W. 루이스 - 아메리칸 토템, 1960. 유화, 캔버스. 74″ x 45″. 노먼 W. 루이스 유산; 마이클 로젠펠드 갤러리, 뉴욕 제공 © 노먼 W. 루이스 유산; 마이클 로젠펠드 갤러리 LLC, 뉴욕, NY 제공.
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됩니다.
필립 Barcio에 의해