조지아 오키프가 추상 미술을 창조했을 때

예술과 상호작용할 때, 다른 사람들이 덧붙인 진부한 표현, 우화, 판단을 무시하는 것은 도전입니다. 단순히 열린 마음으로 접근하는 것이죠. 이는 조지아 오키프의 예술에 특히 어렵습니다. 오키프는 98년의 삶 동안 미국 미술 역사에서 가장 유명하고 사랑받으며 즉시 인식할 수 있는 작품을 창조했습니다. 그녀의 작품 예시는 대부분의 주요 미국 박물관에 있습니다. 그녀의 그림, 드로잉, 조각은 지난 세기 모든 주요 비평가들에 의해 해부되었으며, 책과 대학 강좌의 기초가 되었습니다. 그럼에도 불구하고 조지아 오키프의 예술에 대해 이야기하라고 하면, 많은 사람들이 지루하게도 strikingly 유사한 제한된 관점을 전파합니다: 오키프는 미국 남서부를 사랑한 장식 예술가였고; 그녀는 가장 유명한 이미지가 꽃인 인물화 화가였으며; 그리고 그 상징적인 꽃 그림은 사실 질의 비밀 그림이라는 것입니다. 2009년, 뉴욕의 휘트니 미술관은 조지아 오키프: 추상 전시회를 개최하여 이러한 진부한 개념을 무너뜨리려 했습니다. 이 전시회는 오키프의 125점의 추상 작품을 선보였으며, 이 필수적인 미국 예술가가 엄청나게 오해받아 왔다는 주장을 했습니다. 그러나 휘트니 전시회의 성공과 이후 그녀의 작품이 받은 비평적 재조명에도 불구하고, 조지아 오키프는 여전히 주로 인물화 화가로 언급되며, 그녀의 작품에 대한 은유와 진부한 표현에 짓눌려 있습니다. 사람들은 여전히 그녀의 그림이 무엇을 나타내는지에 대해 이야기하고, 그것이 어떻게 느끼게 하는지에 대해서는 이야기하지 않습니다. 만약 우리가 그녀의 비전을 더 완전히 이해하고, 현대 미술에 대한 그녀의 필수적인 기여를 이해하고자 한다면, 우리는 열린 마음을 유지하고 조지아 오키프가 추상적 개척자로서 이룬 업적을 더 깊이 살펴봐야 합니다.

미국의 프로토 추상주의자

힐마 아프 클린트(Hilma af Klint), 19세기 스웨덴의 신비주의 화가, 조르주 쇠라(Georges Seurat)와 같은 후기 인상파 화가들, 그리고 바실리 칸딘스키(Wassily Kandinsky)와 카지미르 말레비치(Kazimir Malevich)와 같은 비전가들의 작업으로 거슬러 올라가든, 현대 추상 미술의 역사는 거의 항상 유럽이나 러시아에서 시작되었다고 말해진다. 그러나 위스콘신 출신의 조지아 오키프(Georgia O’Keeffe)가 이러한 혁신가들과 동등한 평가를 받을 자격이 있다는 증거가 존재한다. 우리가 알고 있는 오키프의 첫 번째 추상 작품은 최소한 1915년, 즉 말레비치가 검은 사각형을 그린 해와 같고, 칸딘스키가 그의 첫 번째 추상 작품을 그린 지 불과 2년 후에 만들어졌다. 그러나 추상이 미지의 것을 전달할 수 있는 잠재력에 대한 그녀의 지적 이해가 오키프가 현대 추상 미술을 발명하는 데 동등한 공로를 인정받아야 하는 주된 이유이다.

클린트, 세라, 칸딘스키, 말레비치와 마찬가지로, 오키프는 자신의 작업에 철학적인 경외감을 가지고 접근했습니다. 그녀는 예술이 단순히 이미지와 물체를 만드는 것 이상이라고 이해했습니다. 이 예술가는 그것을 더 깊은 것을 표현할 수 있는 잠재적인 경로로 간주했습니다. 칸딘스키처럼, 오키프는 음악이 추상적으로 깊은 의미를 전달하는 능력에 대해 이야기했습니다. 그녀는 "노래는 항상 나에게 가장 완벽한 표현 수단처럼 보였습니다. 그것은 매우 자발적입니다. 그리고 노래 후에는 바이올린을 생각합니다. 나는 노래를 부를 수 없기 때문에, 나는 그림을 그립니다."라고 말했습니다. 그러나 칸딘스키가 영적이고 보편적인 것을 표현하기 위해 추상으로 나아간 반면, 오키프는 더 많은 것을 표현하려고 했습니다. 당신이 말할 수 있듯이, 미국적인 것을 표현하려고 했습니다. 그녀는 자신을 표현하려고 했습니다.

Georgia O'Keeffe - Abstraction White Rose, 1927 (Left) and Georgia O'Keeffe - Music Pink And Blue II, 1927 (Right), © The Estate of Georgia O'Keeffe

그것들은 꽃이 아닙니다

조지아 오키프가 만든 가장 초기의 추상 미술 작품들은 종이 위에 목탄으로 그린 간단하고 우아한 구성이다. 이 이미지는 자연에서 발견되는 생물형 형태와 패턴을 불러일으킨다. 그러나 그녀는 이러한 드로잉에서 주제를 직접적으로 묘사하려고 하기보다는 선, 형태, 붓질, 제스처, 그리고 균형과 같은 형식적 요소에 순수하게 집중했다. 이 목탄 드로잉에 대한 위대한 이야기 중 하나는 친구의 교활한 행동 덕분에 역사 속에 쉽게 잊혀질 뻔했다는 것이다. 오키프는 그 드로잉을 그 친구와 공유했는데, 그 친구는 허락 없이 알프레드 스티글리츠에게 보여주었다. 스티글리츠는 드로잉의 명백한 아름다움과 눈에 띄는 현대성을 인식하고 즉시 그의 유명한 공간에서 전시하기로 결정했다. 이렇게 해서 조지아 오키프의 전문 미술 경력이 시작되었다.

스티글리츠와 처음 전시한 직후, 오키프는 뉴욕으로 이사했습니다. 그 다음 10년 정도 동안, 그녀는 추상 탐구를 풍부하게 확장했습니다. 그녀는 자연에서 인식한 미적 요소와 구성의 메아리를 반영하는 작업을 계속했으며, 초기의 목탄 드로잉을 넘어 색상 관계에 대한 고급 직관을 발전시켰습니다. 그녀의 색상 사용은 그녀의 그림의 표현력을 크게 높였습니다. 그러나 그녀가 구체적으로 무엇을 표현하려 했는지는 그녀의 작업에 대한 일반적인 오해가 드러나는 부분입니다. 이 시기에 그녀가 만든 많은 이미지들은 꽃의 확대된 조각처럼 보입니다. 아니면 적어도 꽃의 미적 특성과 직접 대화하는 것처럼 보입니다. 그리고 아마도 그들은 실제로 꽃이 전달하는 것과 같은 무언가를 전달하고 있습니다. 하지만 그들은 또한 더 많은 것을 전달합니다. 오키프가 말했듯이, “나는 색상과 형태로 내가 다른 방법으로는 말할 수 없는 것들을 말할 수 있다는 것을 발견했다 - 내가 말할 단어가 없는 것들. 나는 내가 보고 있는 것에 대해 느끼는 것의 동등한 것을 만들어야 했다 - 복사하는 것이 아니라.”

Georgia O'Keeffe - Flower of Life (Left) and Georgia O'Keeffe - Flower of Life II (Right), © The Estate of Georgia O'Keeffe

진정한 개척자

1930년대 경, 15년 동안 추상 이미지에 집중한 후, O’Keeffe는 더 넓은 스타일과 영향력을 탐구하기 시작했습니다. 그녀는 수년 동안 구상적으로 그림을 그린 후 다시 추상으로 돌아갔고, 두 접근 방식의 차이를 자주 의문시하며 왔다 갔다 했습니다. 그녀의 후반기에는 때때로 그녀의 뉴멕시코 집 주변의 풍경과 자연 물체를 직접 그리는 것처럼 보였고, 결국 그녀는 뉴욕을 떠났습니다. 그러나 그녀의 작업의 본질은 항상 동일하게 유지되었습니다. 그녀의 목표는 항상 감정을 전달하고, 자연을 영감으로 사용하여 그녀가 느낀 것을 포착하는 것이었지, 자연이 객관적으로 보이는 장식적인 이미지를 그리는 것이 아니었습니다.

그녀의 평생 감정을 전달하려는 탐구에서, 오키프는 많은 중요한 미학적 탐구를 혁신했습니다. 그녀는 모든 영역에 동등한 중요성을 두고 전체 추상 구성에 대한 관심을 보였으며, 이는 클레멘트 그린버그가 그 성과를 추상 표현주의자들에게 귀속시키기 훨씬 이전의 일입니다. 그녀는 포스트 페인팅 추상주의자들에게 문제가 되기 훨씬 이전에 그림 평면의 평면성에 집중했습니다. 그녀는 색의 추상적 영역의 초월적 힘에 관심을 가졌으며, 이는 색 영역 예술가들이 유사한 관심을 탐구하기 훨씬 이전의 일입니다. 그리고 포스트 모더니즘 상대주의가 미술에 스며들기 수십 년 전, 오키프는 모든 스타일, 모든 접근 방식, 모든 기법 및 미학 내의 모든 변형이 그 잠재적 가치에 있어 동등하며 궁극적으로는 정직한 자기 표현의 우선성에 부차적이라는 아이디어를 직관적으로 이해했습니다.

Georgia O'Keeffe - Black Mesa Landscape, New Mexico, Out Back Of Mary S II, © The Estate of Georgia O'Keeffe

형식을 받아들이다

조지아 오키프의 예술에 대해 오해받고 있는 것이 모든 예술에 대해 자주 오해받는 것과 같을지도 모른다: 예술이 정의 가능한 속성을 가져야 하거나 대중에게 어떤 식으로든 유용하거나 의미가 있어야 한다는 생각이다. 우리는 작품을 좋아하는지 아닌지에 따라 비평하도록 배운다; 보고 느끼는 것을 요구하는 설명 단계를 건너뛰고, 대신 해석과 판단 단계로 서두른다. 우리는 오키프의 그림을 충분히 오래 바라보지 않고, 우리가 인식할 수 있는 어떤 것에 대한 인상을 얻기 위해서만 바라본다. 예를 들어, 꽃이나 풍경처럼 보이는 것에 대해, 그래서 오키프를 꽃과 풍경의 화가라고 선언한다. 우리는 특정 꽃의 부분이 특정 인간의 부분과 닮은 것을 알아차리고, 그래서 오키프를 비유적 암시의 비밀 화가라고 선언한다. 오키프는 추상과 구상 사이를 오가며, 그래서 우리는 그녀가 시장의 힘이나 대중의 기대에 반응한다고 선언한다. 이러한 것들에 대한 개인적인 의견에 따라 우리는 "나는 이걸 좋아해!" 또는 "나는 이걸 싫어해!"라고 말한다.

그러나 그 비판 방법은 미성숙하다. 조지아 오키프의 예술, 또는 어떤 예술이든 더 깊이 이해하기 위해서는, 가능한 한 오래도록 표면, 색상, 색조, 선, 형태 및 이러한 요소들 간의 관계와 상호작용하며 설명 단계에 머물러야 한다. 작품의 형식적 미적 요소들이 노래하게 하라. 구성의 리듬을 느껴라. 맞다, 오키프는 유명하게도 한 번 말했었다. “여성에 대해 탐구되지 않은 무언가가 있다고 느낀다. 그것은 오직 여성만이 탐구할 수 있다.” 그러나 그녀의 그림에서 여성성의 이미지를 보려고 억지로 노력하기보다는, 여성성이 어떻게 느껴질 수 있는지에 마음을 열어라. 조지아 오키프가 미국 추상화의 선구자가 된 이유는 그녀가 미국처럼 보이는 이미지를 그렸기 때문이 아니다. 그녀가 여성성의 화가가 된 이유는 그녀가 여성 신체의 일부처럼 보이는 이미지를 그렸기 때문이 아니다. 그녀가 미국 추상화의 선구자이자 여성성의 화가가 된 이유는 그녀가 미국과 여성성이 그녀에게 어떻게 느껴졌는지를 구성하는 태도, 인상 및 감정을 그렸기 때문이다.

Georgia O'Keeffe - Series I, No 3, 1918 (Left) and Georgia O'Keeffe - Series 1, No 8, 1918 (Right), © The Estate of Georgia O'Keeffe

특집 이미지: 조지아 오키프 - 회색, 파랑, 검정, 분홍색 원 (세부), 1927, © 조지아 오키프 재단
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됩니다.
필립 Barcio