조지아 오키프가 추상 미술을 창조했을 때

예술과 교류할 때 다른 사람들이 덧붙인 진부한 표현, 우화, 판단을 무시하고 단순히 열린 마음으로 다가가는 것은 도전입니다. 특히 조지아 오키프의 예술에서는 더욱 그렇습니다. 98년의 생애 동안 오키프는 미국 미술사에서 가장 유명하고 사랑받으며 즉시 알아볼 수 있는 작품 세계 중 하나를 창조했습니다. 그녀의 작품은 대부분의 주요 미국 박물관에 소장되어 있습니다. 그녀의 그림, 드로잉, 조각은 지난 세기의 모든 주요 비평가들에 의해 분석되었고, 책과 대학 강좌의 기초가 되었습니다. 그럼에도 불구하고 조지아 오키프의 예술에 대해 이야기할 때 많은 사람들이 게으르게도 매우 비슷한 제한된 시각을 퍼뜨립니다. 즉, 오키프는 미국 남서부를 사랑한 장식적인 예술가였고, 그녀는 꽃을 가장 많이 그린 구상화가였으며, 그 상징적인 꽃 그림들은 사실은 여성 성기를 은유한 그림이라는 것입니다. 2009년 뉴욕의 휘트니 미술관은 조지아 오키프: 추상 전시를 개최하여 그런 진부한 인식을 무너뜨리려 시도했습니다. 이 전시에는 오키프의 125점의 추상 작품이 전시되어 이 중요한 미국 예술가가 크게 오해받아 왔음을 보여주었습니다. 그러나 휘트니 전시의 성공과 이후 비평적 재조명에도 불구하고, 조지아 오키프는 여전히 주로 구상화가로 불리며 그녀의 작품에 대한 은유와 진부한 표현에 짓눌려 있습니다. 사람들은 그녀의 그림이 무엇을 그린 것인지에 대해 이야기할 뿐, 그것이 어떤 감정을 불러일으키는지에 대해서는 이야기하지 않습니다. 만약 우리가 그녀의 비전을 더 온전히 이해하고 현대 미술에 대한 그녀의 필수적인 기여를 이해하고자 한다면, 열린 마음을 유지하고 조지아 오키프가 추상 미술의 선구자로서 이룬 것을 더 깊이 살펴봐야 합니다.

미국의 초기 추상주의자

19세기 스웨덴의 신비주의 화가 힐마 아프 클린트, 후기 인상파 화가 조르주 쇠라, 또는 바실리 칸딘스키와 카지미르 말레비치 같은 선구자들까지 거슬러 올라가도, 현대 추상 미술의 역사는 거의 항상 유럽이나 러시아에서 시작된 것으로 여겨집니다. 그러나 위스콘신 출신 조지아 오키프도 그 혁신가들과 동등한 평가를 받아야 한다는 증거가 있습니다. 우리가 가진 오키프의 최초 추상 작품들은 적어도 1915년에 만들어졌는데, 이는 말레비치가 검은 사각형을 그린 해와 같고, 칸딘스키가 첫 추상 작품을 그린 지 불과 2년 후입니다. 그러나 추상이 미지의 것을 전달할 수 있다는 지적 이해가 오키프가 현대 추상 미술을 발명한 데 동등한 공로를 인정받아야 하는 주된 이유입니다.

클린트, 쇠라, 칸딘스키, 말레비치처럼 오키프도 철학적인 경외심을 가지고 작품에 접근했습니다. 그녀는 예술을 단순히 이미지와 물체를 만드는 것을 넘어선 것으로 이해했습니다. 예술가는 그것을 더 깊은 무언가를 표현하는 잠재적 길로 여겼습니다. 칸딘스키처럼 오키프도 음악이 깊은 의미를 추상적으로 전달하는 능력에 대해 이야기했습니다. 그녀는 “노래는 항상 나에게 가장 완벽한 표현 수단으로 보였습니다. 그것은 매우 즉흥적입니다. 노래 다음으로는 바이올린이라고 생각합니다. 나는 노래를 할 수 없기에 그림을 그립니다.”라고 말했습니다. 그러나 칸딘스키가 영적이고 보편적인 무언가를 표현하기 위해 추상에 의지한 반면, 오키프는 좀 더, 말하자면, 미국적인 무언가를 표현하려 했습니다. 그녀는 자신을 표현하려 했던 것입니다.

조지아 오키프 - 추상 백장미, 1927년 (왼쪽) 및 조지아 오키프 - 음악 분홍과 파랑 II, 1927년 (오른쪽), © 조지아 오키프 유산

그것들은 꽃이 아닙니다

조지아 오키프가 만든 가장 초기의 추상 작품들은 종이에 목탄으로 그린 단순하고 우아한 구성입니다. 이 이미지들은 자연에서 발견되는 생물형태적 형태와 무늬를 떠올리게 합니다. 그러나 그녀는 이 드로잉들에서 주제를 직접 묘사하려 하지 않고, 오로지 선, 형태, 붓질, 몸짓, 균형 같은 형식적 요소에 집중했습니다. 이 목탄 드로잉들에 관한 유명한 이야기는, 친구의 교활한 행동 덕분에 역사 속에서 쉽게 사라질 뻔했다는 것입니다. 오키프는 그 드로잉들을 친구와 공유했는데, 그 친구가 허락 없이 맨해튼의 291 갤러리 소유주 알프레드 스티글리츠에게 보여주었습니다. 스티글리츠는 그 드로잉들의 명백한 아름다움과 인상적인 현대성을 알아보고 즉시 자신의 유명한 공간에서 전시하기로 결정했습니다. 그렇게 해서 조지아 오키프의 전문 예술 경력이 시작되었습니다.

스티글리츠와 처음 전시한 직후, 오키프는 뉴욕으로 이사했습니다. 그 후 10여 년 동안 그녀는 추상 탐구를 활발히 확장했습니다. 그녀는 자연에서 인지한 미적 요소와 구성을 반영하는 작품을 계속 만들었고, 초기 목탄 드로잉을 훨씬 넘어 색채 관계에 대한 고급 직관을 발전시켰습니다. 그녀의 색채 사용은 그림의 표현력을 크게 높였습니다. 그러나 그녀가 구체적으로 무엇을 표현하려 했는지에 대해서는 흔한 오해가 자리 잡고 있습니다. 이 시기에 그녀가 만든 많은 이미지는 꽃의 확대된 일부 조각처럼 보입니다. 또는 적어도 꽃의 미적 특성과 직접 대화하는 듯 보입니다. 그리고 아마도 그것들은 꽃이 전달하는 무언가를 실제로 전달할지도 모릅니다. 그러나 그것들은 또한 더 많은 것을 전달합니다. 오키프가 말했듯이, “나는 색과 형태로 다른 어떤 방법으로도 말할 수 없는 것들, 즉 말로 표현할 수 없는 것들을 말할 수 있다는 것을 알게 되었습니다. 나는 내가 보고 있는 것에 대해 느끼는 것을 대체할 무언가를 만들어야 했습니다 - 그것을 복사하는 것이 아니라.”

조지아 오키프 - 생명의 꽃 (왼쪽) 및 조지아 오키프 - 생명의 꽃 II (오른쪽), © 조지아 오키프 유산

진정한 선구자

1930년대 무렵, 15년 가까이 추상 이미지에 집중한 후, 오키프는 더 넓은 범위의 양식과 영향을 탐구하기 시작했습니다. 그녀는 수년간 구상화 작업을 하다가 다시 추상으로 돌아갔다가 오가며 두 접근법의 차이를 자주 의문시했습니다. 말년에 그녀는 때때로 뉴멕시코 집 주변의 풍경과 자연물을 직접 그리는 듯 보였는데, 그녀는 결국 뉴욕을 떠나 그곳으로 이주했습니다. 그러나 그녀 작품의 본질은 항상 같았습니다. 그녀의 목표는 언제나 감정을 전달하는 것이었고, 자연을 영감으로 삼아 자신이 느낀 바를 포착하는 것이었지, 자연을 객관적으로 보이는 장식적인 이미지로 그리는 것이 아니었습니다.

감정을 전달하려는 평생의 탐구에서 오키프는 많은 중요한 미적 탐구를 혁신했습니다. 그녀는 클레멘트 그린버그가 추상 표현주의자들에게 귀속시킨 업적보다 훨씬 이전에 그림 평면의 모든 영역에 동등한 중요성을 두는 전면 추상 구성을 보여주었습니다. 그녀는 포스트 페인터리 추상주의자들가 관심을 갖기 훨씬 이전에 그림 평면의 평면성에 집중했습니다. 그녀는 색면 추상 미술가들이 비슷한 관심을 탐구하기 훨씬 이전에 추상 색면의 초월적 힘에 관심을 가졌습니다. 그리고 포스트모더니즘 상대주의가 미술계에 스며들기 수십 년 전부터 오키프는 모든 양식, 모든 접근법, 모든 기법과 미적 변주가 잠재적 가치에서 동등하며, 궁극적으로는 정직한 자기 표현의 우선성에 종속된다는 생각을 직관적으로 이해했습니다.

조지아 오키프 - 블랙 메사 풍경, 뉴멕시코, 메리 S II 뒤뜰, © 조지아 오키프 유산

형식미를 받아들이기

아마도 조지아 오키프의 예술에 대해 오해받은 점은 모든 예술에 대해 너무 자주 오해받는 것과 같습니다. 즉, 예술은 정의할 수 있는 속성을 가져야 하거나, 대중에게 유용하거나 의미 있어야 한다는 생각입니다. 우리는 작품을 좋아하는지 여부에 따라 비평하도록 배웠고, 관찰과 감정을 요구하는 묘사 단계를 건너뛰고 해석과 판단 단계로 서둘러 넘어갑니다. 우리는 오키프의 그림을 꽃이나 풍경처럼 보이는 무언가를 인식하는 데 충분한 시간만 보고, 그래서 오키프를 꽃과 풍경을 그리는 화가라고 선언합니다. 우리는 특정 꽃 부분이 특정 인체 부분과 닮았다는 것을 보고 오키프를 은밀한 구상적 암시를 그리는 화가라고 선언합니다. 오키프가 추상과 구상 사이를 오가니 우리는 그녀가 시장의 요구나 대중의 기대에 반응한다고 선언합니다. 그리고 그런 것들에 대한 개인적 의견에 따라 “좋아해요!” 또는 “싫어요!”라고 말합니다.

그러나 그런 비평 방식은 미성숙합니다. 조지아 오키프의 예술이나 어떤 예술이든 더 깊이 이해하려면 묘사 단계에 오래 머물러야 하며, 표면, 색, 빛깔, 선, 형태, 그리고 그 요소들 간의 관계와 상호작용해야 합니다. 작품의 형식적 미적 요소들이 노래하게 하십시오. 구성의 리듬을 느끼십시오. 네, 오키프는 한때 “여성에 대해 여성만이 탐구할 수 있는 미지의 무언가가 있다고 느낍니다.”라고 유명하게 말했습니다. 그러나 그녀의 그림에서 여성성을 억지로 보려 하지 말고, 여성성이 어떻게 느껴질 수 있는지 마음을 열어 보십시오. 조지아 오키프가 미국 추상의 선구자가 된 이유는 그녀가 미국처럼 보이는 이미지를 그렸기 때문이 아닙니다. 그녀가 여성성을 그린 화가가 된 이유는 여성 신체의 일부처럼 보이는 이미지를 그렸기 때문이 아닙니다. 그녀가 미국 추상의 선구자이자 여성성을 그린 화가가 된 이유는 그녀가 미국과 여성성이 자신에게 어떤 느낌이었는지에 대한 태도, 인상, 감정을 그렸기 때문입니다.

조지아 오키프 - 시리즈 I, 3번, 1918년 (왼쪽) 및 조지아 오키프 - 시리즈 1, 8번, 1918년 (오른쪽), © 조지아 오키프 유산

대표 이미지: 조지아 오키프 - 회청색과 검정, 분홍 원 (부분), 1927년, © 조지아 오키프 유산
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됨
필립 Barcio 작성