노먼 루이스, 추상 표현주의의 간과된 보석

2015년 펜실베이니아 미술 아카데미가 "행렬: 노먼 루이스의 예술" 전시회를 개최했을 때, 이 전시는 대부분의 관람객에게 계시와 같은 경험이었습니다. 전시의 주제인 미국 화가 노먼 윌프레드 루이스 (1909 – 1979)는 추상 표현주의의 첫 번째 세대 중 유일한 흑인 예술가로 여겨집니다. 그의 작품은 동료 예술가들의 작품과 완전히 구별되며, 오늘날에도 신선함과 독창성을 부여하는 미학적 및 지적 흐름을 따릅니다. 그러나 잭슨 폴록, 윌렘 드 쿠닝, 마크 로스코 및 그가 자주 전시했던 다른 화가들과는 달리, 루이스는 생전 큰 명성이나 재정적 성공을 거두지 못했습니다. 그는 주로 교사로서 자신과 가족을 부양했습니다. 그가 시장에서 어려움을 겪었던 주요 이유 중 하나는 백인 포스트 전후 미국 미술계가 추상 미술을 수용했음에도 불구하고, 흑인 예술가들의 작업은 추상적이든 아니든 대부분 무시했기 때문입니다. 동시에 대부분의 포스트 전후 흑인 미국 미술상인과 수집가들도 사회 정의 문제를 직접적으로 다루는 예술만이 사회 정의를 이룰 수 있다는 믿음 때문에 추상 미술을 무시했습니다. 사실, 1930년대에 경력을 시작했을 때, 루이스 자신도 같은 믿음을 가지고 있었습니다. 그는 Works Progress Administration의 일환으로 인물 중심의 사회 현실주의 그림을 그렸고, 그곳에서 동료 추상 표현주의자 폴록을 만났습니다. 그러나 제2차 세계 대전 중, 루이스는 백인 우월주의 적과 싸우는 미국 군대가 동시에 자신의 군대 내에서 인종 차별을 강요하는 위선에 주목하지 않을 수 없었습니다. 전쟁 후, 루이스는 사실적인 예술이 문화 재형성에 중요한 역할을 할 수 있다는 믿음을 버렸습니다. 그는 "나는 예전에는 흑인들이 강제로 쫓겨나는 그림을 그렸고, 차별을 다루었지만, 점차 이것이 아무에게도 감동을 주지 못하고, 상황을 개선하지 못한다는 사실을 깨달았다."고 말했습니다. 그는 대신 미학의 보다 보편적인 측면을 평생 탐구하는 데 헌신하며, 색상, 선, 질감 및 형태의 힘을 동원하여 사람들이 사색과 초월의 시각적 공간에서 함께할 수 있도록 했습니다.

매력적인 선과 공간

루이스가 발전시킨 추상화 스타일의 가장 독특한 측면 중 하나는 선의 사용입니다. 그의 붓놀림은 가볍고 에너지가 넘치며, 심지어 서정적이기까지 하지만, 동시에 강도와 무게감을 부여하는 건축적인 구조를 가지고 있습니다. 그는 이 요소를 사용하여 그의 선들이 서로 관계를 형성하게 하여, 공간에서 문자 그대로의 물체를 설명하기보다는 형태의 존재를 암시했습니다. “거리 음악가들” (1948)과 같은 그림에서는 선들이 캔버스의 중앙을 차지하고 있으며, 분홍빛의 대기적인 안개로 둘러싸여 있습니다. 이 그림은 완전히 추상적이지만, 공간이 나누어진 방식 때문에 마치 인식 가능한 무언가의 그림처럼 보입니다. 캔버스 중앙의 선형 패턴은 실제 음악가의 모습을 암시하며, 아마도 입체파의 다중 관점과 평면으로 산산조각 난 것처럼 보입니다. 그러나 이것은 음악가의 그림이 아닙니다. 이것은 거리에서 연주되는 음악의 에너지와 감정을 표현한 것이며; 공간을 뚫고 나오는 음표의 흥분과 공기를 채우는 색과 소리의 카니발입니다.

노먼 루이스 - 플로렌스, 1947. 유화, 메이슨라이트. 14 x 18 인치. 개인 소장. © 노먼 W. 루이스 재단, 뉴저지의 Iandor Fine Arts 제공.

선의 사용 외에도, 루이스는 시각적 공간과의 상호작용을 위한 독특하고 매우 효과적인 방법을 개발했습니다. 그의 작품은 잭슨 폴록의 그림처럼 캔버스의 모든 부분을 브러시 자국으로 덮어 어느 부분도 다른 부분보다 더 많은 주의를 받을 자격이 없는 "올-오버" 그림이 아니었습니다. 오히려 루이스는 관객에게 그림 공간 내에서 집중할 수 있는 무언가를 제공했으며, 그들의 집중 대상이 추상적일지라도 말입니다. "그린 미스트"(1948)에서 그는 기술을 혼합하여 눈이 본능적으로 캔버스의 중심으로 끌리도록 만들었습니다. 캔버스의 바깥 가장자리에서는 페인트가 손으로 번지게 하고 부드럽게 하여 대기 중의 녹색 구름의 감각을 생성하며, 이미지의 중심에서는 선명하고 서예적인 선들이 구체적인 무언가가 존재하거나, 아마도 시각적 공간의 신비 속에서 진화하고 있음을 암시합니다.

노먼 루이스 - 크로싱, 1948. 유화. 25 x 54 인치. 마이클 로젠펠드 갤러리. © 노먼 W. 루이스 재단, Iandor Fine Arts, 뉴저지 제공.

스파이럴 그룹

그가 미국에서의 흑인 투쟁에 대한 현실적인 묘사보다는 미학의 보편적인 측면을 탐구하기로 한 결정은 딜러나 수집가들 사이에서 그의 프로필을 높이는 데는 별로 도움이 되지 않았지만, 그로 하여금 미학적 성취의 중요성에 대한 믿음을 공유하는 다른 흑인 미국 예술가들과 함께하게 했다. 1963년 7월 5일, 그는 로마레 비어든의 스튜디오에 초대되어 헤일 우드러프, 찰스 올스턴, 제임스 이어건스, 펠라스 하인스, 리차드 메이휴, 윌리엄 프리차드와 함께 '더 스파이럴 그룹'이라는 집단을 형성했다. 이 그룹은 미학적 숙련도와 문화적 보편성을 촉진하는 데 전념했다. 그들은 정기적으로 모여 인종 불평등의 현실적인 묘사가 흑인 문화에 도움이 되었는지 여부를 논의하고, '일반적인 미학적 문제'의 영역에서의 탁월함이 어떻게 흑인 예술가들의 문화적 지위를 높이고 영향력을 증가시킬 수 있는지를 연구했다.

노먼 루이스 - 재즈 밴드, 1948. 검은색 코팅된 메이슨라이트 보드에 새겨짐. 20 x 23 7/8 인치. 개인 소장. © 노먼 W. 루이스 재단, 뉴저지의 이안도르 파인 아트 제공.

스파이럴 그룹이라는 이름은 헤일 우드러프에 의해 제안되었습니다. 이는 그리스 수학자 아르키메데스를 언급한 것으로, 그의 "나사"가 "점점 더 넓은 원으로 위로 나선다"는 그의 진보의 상징이었습니다. 스파이럴 그룹의 일부 화가들이 구상 작품을 만들었지만, 그들의 추상화의 가능성을 전폭적으로 수용한 것은 특히 흑인 미국 미술에 있어 획기적이었습니다. 이는 조각가 리차드 헌트와 같은 예술가들을 위한 기초를 마련했으며, 그의 1971년 뉴욕 현대 미술관에서의 개인전은 MoMA 역사상 흑인 예술가의 세 번째 개인전이자 추상 예술가의 첫 번째 개인전이었습니다. 또한 미국에는 단 하나의 미술 세계만 있는 것이 아니라, 인정을 받고 영향력을 행사하기 위해 경쟁하는 여러 미술 세계가 있다는 불행한 현실을 뚜렷하게 드러냈습니다. 노먼 루이스와 스파이럴 그룹의 다른 구성원들은 더 나은 무언가를 위한 기초를 마련했습니다: 보편적일 뿐만 아니라 통합적인 예술 접근 방식입니다.

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특집 이미지: 노먼 루이스 - 제목 없음, 1949. 유화, 캔버스. 20 x 30 인치. 개인 소장. © 노먼 W. 루이스 재단, 뉴저지의 Iandor Fine Arts 제공.
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됩니다.
필립 Barcio에 의해