리차드 푸세트-다르트의 예술은 완벽하다

미국 화가 리차드 푸세트-다르트 (1916 – 1992)에게 원은 영원한 삶의 상징이었다. 그는 원의 형태가 영원성뿐만 아니라 인간의 영적 본질, 사람들이 자연과 분리될 수 없다는 개념, 그리고 예술적 표현을 통해 존재의 일시적인 측면을 초월할 수 있다는 희망적인 믿음과 같은 다른 보편적 진리의 표현이라고 생각했다. 푸세트-다르트는 그의 경력 동안 여러 가지 방법으로 원에 대한 사랑을 표현했다. 1930년대 젊은 화가로서 그는 원을 눈의 비유적 표현으로 사용하여 그의 거칠고 원시적인 구성에 가득 채웠다. 1940년대에는 추상 표현주의 첫 번째 세대의 가장 어린 구성원으로서 원을 반복되는 추상 토템으로 활용했다: 인간의 머리, 버섯 구름, 행성, 태양, 희망, 지혜, 그리고 꽃의 대체물로서. 몇 년 동안 푸세트-다르트는 다양한 크기와 형태의 황동 원을 조각하여 친구들과 동료들에게 영적 연결의 상징으로 주었다. 그리고 1960년대에는 그의 원에 대한 사랑의 가장 완전하고 성숙한 표현이 나타났는데, 푸세트-다르트는 점묘법 기법을 채택하여 그의 캔버스를 수천 개의 작은 원형 점으로 완전히 채웠다. 19세기 점묘화가들과는 달리, 그들은 인접한 색 점들이 눈에서 혼합되어 관객이 그들의 비유적 장면의 생생하고 역동적인 비전을 경험할 수 있도록 하기를 바랐지만, 푸세트-다르트는 원형 점을 동원하여 완전히 추상적인 구성을 만들었다. 그의 추상 점묘화는 관객의 눈과 마음을 초월적인 공간으로 끌어들이기 위해 의도되었으며, 그곳에서 신비로운 진리가 기다리고 있다. 원의 형이상학적 힘에 대한 그의 열망적인 축하에서 푸세트-다르트는 힐마 아프 클린트와 바실리 칸딘스키와 같은 화가들과 동맹을 맺었다: 물리적 세계와 눈으로 쉽게 인식할 수 있는 것들을 그리는 것이 아니라, 오직 잠재의식의 깊이에서 접근할 수 있는 영혼의 것들을 그리기를 열망한 추상화가들.

뉴욕 학교 난민

그가 여러 면에서 그들과 정확히 일치하지는 않았지만, 역사적 우연의 일치로 인해 푸세트-다르트는 20세기 미국 예술가들 중 가장 영향력 있는 그룹 중 하나인 뉴욕 스쿨과 함께하게 되었다. 이 느슨하게 결합된 예술가 집단은 제2차 세계 대전 이후 두각을 나타냈다. 여기에는 추상 표현주의자들과 추상 예술의 중요성에 대한 유사한 방법론적 또는 미적 감상을 공유한 수많은 다른 예술가들이 포함되었다. 몇 가지 뚜렷한 문화적 순간들이 뉴욕 스쿨의 일원이 누구인지 정의하는 데 도움을 주었다. 하나는 스튜디오 35에서 열린 아티스트 세션이라는 일련의 회의로, 참석한 예술가들이 그들의 작업을 안내하는 아이디어, 방법 및 철학에 대해 논의했다; 또 다른 하나는 메트로폴리탄 미술관에 보내진 악명 높은 항의 서한으로, 전시회 "American Painting Today – 1950"를 거부했으며, 그 후 얼마 지나지 않아 라이프 매거진에 실린 “이레서블스” 사진이 있었다; 또 하나는 1951년 9번가 미술 전시회로, 64명의 예술가의 작품이 전시되었으며, 이는 전 세계적으로 관련성이 있는 미국의 전후 아방가르드의 존재를 확립한 것으로 여겨진다.

리차드 푸세트-다르트 - 사막, 1940. 유화. 43" x 6' (109 x 182.8 cm). 모마 컬렉션. © 2019 리차드 푸세트-다르트.

푸제트-다르(Pousette-Dart)는 그 세 가지 사건 모두에 연루되어 있었다. 그러나 동시에 그는 이러한 다른 외부인들 사이에서도 외부인이었다. 대부분의 동료들과 달리 그는 채식주의자였고 알코올을 피했다. 그는 바에서 시간을 보내는 일이 드물었고, 불안과 우울증으로 공개적으로 고생하지도 않았다. 반대로, 푸제트-다르는 그의 세대의 두려움과 불안이 희망과 초월로 대체될 수 있다고 낙관적이었다. 그리고 예술이 그 변혁에서 주요한 역할을 할 수 있다고 믿었다. 아마도 그가 사회적으로 적응하지 못했기 때문이거나, 아니면 단순히 작업하기에 더 조용하고 사색적인 환경을 원했기 때문일 것이다. 그는 1951년에 뉴욕을 떠났고, 그때 뉴욕 스쿨이 유명해지고 있었다. 아내와 아이들과 함께 그는 주로 이주하여 철학 중심의 스튜디오 작업에 정착했다. 이는 그가 색상, 조화 및 단순성을 기반으로 독특한 개인 스타일을 발전시킬 수 있게 해주었고, 도시의 동시대 작가들과는 거의 공통점이 없었다.

리차드 푸세트-다르트 - 제목 없음, 1944. 유화. 39 × 52 인치 (99.1 × 132.1 cm). 마이클 로젠펠드 갤러리. © 2019 리차드 푸세트-다르트.

날카로운 르네상스

그의 생애 동안, 푸세트-다르트는 휘트니 미술관과 인디애나폴리스 미술관에서의 회고전을 포함하여 많은 찬사를 받았다. 그리고 1992년 그의 사망 이후, 그의 작품은 휘트니, 메트로폴리탄 미술관, 구겐하임(뉴욕 및 베니스), 그리고 워싱턴 D.C.의 필립스 컬렉션 등에서 회고전에 전시되었다. 그럼에도 불구하고 이러한 주목에도 불구하고 그의 작품은 국제 관객들에 의해 다소 과소평가되고 있다. 이러한 인식된 무시에 대한 일반적으로 제시되는 설명 중 하나는 사람들이 낙관적인 추상 표현주의자에 관심이 없다는 이론이다 – 그들은 우울하고 알코올 중독된 종류를 선호한다. 또 다른 이론은 그가 뉴욕을 떠난 후 개발한 특이한 스타일이 그의 작품을 분류하기 어렵게 만들었고, 따라서 딜러들이 판매하기 힘들게 만들었다고 제안한다.

리차드 푸세트-다르트 - 제목 없음, 1977. 그래파이트, 종이에. 22 3/4 × 30 인치 (57.8 × 76.2 cm). 마이클 로젠펠드 갤러리. © 2019 리차드 푸세트-다르트.

그러나 고려해야 할 최소한 하나의 대안적 관점이 있다: 푸세트-다르트는 무시당하지 않았으며, 아마도 그는 단지 시대를 조금 앞서갔을 뿐이다. 현대 시대의 최고의 추상 영성가인 힐마 아프 클린트를 생각해 보라. 그녀의 회고전이 뉴욕 구겐하임 미술관의 벽을 장식하고 있는 지금, 대중들은 그녀의 작품을 알게 되고 있다. 그녀는 자신의 시대보다 한 세기 이상 앞서 있었다. 푸세트-다르트는 그녀의 계보에 속한다 – 직관적이고 자수성가한 영성가로서 추상 미술의 신비롭고 보편적인 가능성을 믿었다. 최근 두 개의 전시회가 그의 작품을 영국 관객들에게 소개하고 있다 – 하나는 케임브리지에서 최근 종료되었고, 다른 하나는 2019년 2월 20일까지 페이스 런던에서 전시 중이다 – 이제 우리가 현대 트렌드와 함께 푸세트-다르트를 재조명할 적기인 것 같다. 그의 작품이 자신의 세대의 냉소와 맞지 않았을 수도 있다. 그러나 우리 시대에, 우리가 자신의 구체적인 문제와 두려움에 맞서고 있는 지금, 그의 더 희망적이고 통합된 (비록 보이지 않는) 세계에 대한 통찰은 우리가 필요로 하는 바로 그것이다.

특집 이미지: 리차드 푸세트-다르트 - 방 안에서, 1942. 캔버스와 나무에 유화. 36 × 60인치. (91.4 × 152.4 cm). 휘트니 미국 미술관, 뉴욕; 2014년 아티스트의 50주년 기념 선물 2014.99. © 2019 리차드 푸세트-다르트.
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됩니다.
필립 Barcio에 의해