로베르 드로네와 그의 색채 접근법
그림이 “사실적”이라고 말할 때 그것은 무슨 뜻일까요? 현실은 논쟁의 대상이 되는 주제입니다. 결국 완전히 주관적인 것이기 때문입니다. 한 사람이 현실이라고 여기는 것은 그가 인지하는 것, 이해하는 것, 그리고 상상할 수 있는 것의 결합에 기반합니다. 1912년, 화가 로베르 들로네는 독일 잡지 Der Sturm에 “순수 회화에서 현실 구성에 관한 노트”라는 제목의 에세이를 발표했습니다. 이 에세이는 인상주의가 시작된 이후 지난 60년간의 예술 연구를 요약하여 예술에서 현실을 가장 잘 표현하는 방법에 대해 다루려는 시도였습니다. 들로네는 자신의 선배들의 작업을 과학적이고 분석적인 것으로 묘사하며, 회화를 구성 요소로 분해하여 그려진 현실의 본질에 도달하려 했다고 했습니다. 그는 예술가들이 오직 아름다운 것을 창조하려 노력해야 하며 현실만이 진정으로 아름다운 것이라고 썼습니다. 그러나 들로네에 따르면 현실은 단순한 모방을 의미하지 않았습니다. 오히려 그는 현실의 가장 기본적이고 아름다운 요소가 색채라고 추측했습니다. 자연은 빛을 통해 세상의 아름다움을 색채로 우리의 눈에 전달하며, “자연에서 인지된 감각을 우리 영혼에 전달하는 것은 우리의 눈이다”라고 했습니다.
색채가 곧 현실이다
로베르 들로네가 자신에 대해 자주 말하던 것 중 하나는 그 이전의 화가들은 단지 색을 채색용으로만 사용했다는 점입니다. 그는 자신이 색을 그 자체의 주제로 사용한 최초의 화가라고 믿었습니다. 그는 인상주의자들에게 공을 돌렸는데, 그들이 빛의 중요성을 처음으로 인식했기 때문입니다. 그러나 그들은 여전히 빛의 특성을 사용해 객관적으로 보이는 세계의 이미지를 복제하는 데 그쳤습니다. 하지만 적어도 그들은 이미지가 여러 부분으로 이루어져 있고, 그 부분들의 인지가 현실에 대한 감각을 만든다는 것을 인식했습니다. 인지는 캔버스 위가 아니라 뇌에서 일어납니다.
점묘법은 인지가 뇌에서 일어난다는 사실을 진지하게 탐구한 최초이자 가장 깊이 있는 회화 양식이었습니다. 분할주의라고도 불리는 이 기법은 캔버스 위에 작은 색 블록들을 나란히 배치하여 색을 먼저 섞지 않고 혼합된 색의 감각을 전달했습니다. 뇌가 그 색들을 결합하여 이미지를 완성하는 것입니다. 눈과 뇌가 불완전한 그림을 완성할 수 있다는 이 깨달음은 19세기 후반과 20세기 초 아방가르드의 기본 원리가 되었습니다. 이로 인해 미래파 회화, 입체파, 오르피즘 및 수많은 다른 양식과 운동이 탄생했습니다.
주제로서의 색채
로베르 들로네는 분할주의 사상에 매료되었습니다. 그는 색들이 캔버스 위에 나란히 놓였을 때 서로 어떤 관계를 맺는지, 그것들이 어떤 이미지를 만드는지와는 독립적으로 생각하게 되었습니다. 그는 점묘법 화가들이 했던 것보다 색 블록을 더 크게 확대하여 훨씬 더 뚜렷하고 추상적인 시각 효과를 만들어 냈습니다. 이 기법을 사용해 친구이자 동료 추상 화가인 장 메칭거의 초상화 시리즈를 제작했습니다.
들로네의 메칭거 그림에서는 색 블록이 단순히 이미지를 형성하는 것뿐 아니라 깊이와 움직임의 감각을 만들어 내는 것을 볼 수 있습니다. 분할주의 회화를 통해 들로네는 색이 형태, 깊이, 빛, 심지어 감정까지 전달할 수 있음을 깨달았습니다. 이미지의 구상적 요소와는 별개로, 색은 그 자체로 화가가 표현하고자 하는 어떤 진실이나 현실도 전달할 수 있었습니다.
로베르 들로네 리듬 1번, 튈르리 살롱 장식, 1938년, 캔버스에 유채, 529 x 592 cm, 파리 시립 현대미술관
색채와 평면
들로네가 그려진 현실에 대해 자신의 발견을 하는 동안, 입체파 화가들은 파블로 피카소를 중심으로 비슷한 영역에서 실험을 하고 있었습니다. 그들은 4차원 현실과 시간의 흐름을 전달하려 했습니다. 그들의 방법은 세계를 공간 평면으로 나누고, 그 평면들을 사용해 하나의 주제에 대한 여러 동시적 관점을 표현하는 것이었습니다.
들로네는 원근법에 관심이 없었습니다. 그는 색만으로도 움직임이나 다른 현상을 표현할 수 있다고 믿었습니다. 하지만 들로네는 입체파의 공간 평면 개념에 흥미를 느꼈습니다. 빛이 사물에 닿을 때 나타나는 다양한 색조가 그들의 공간 평면의 기하학에 의해 결정된다는 것을 알아차렸기 때문입니다. 평면과 기하학이 색에 직접적인 영향을 미치므로, 그는 입체파의 부서진 평면 미학 언어를 차용해 자신의 그림에 적용하여 분할주의와 입체파가 결합된 새로운 추상 미학 방식을 창조했습니다. 그는 이 스타일을 가장 유명하게 사용한 작품 시리즈가 현대 시대의 궁극적 상징이라고 믿었던 에펠탑을 그린 작품들입니다.
로베르 들로네 - 에펠탑, 1911년 (화가가 1910년으로 표기). 캔버스에 유채. 79 1/2 x 54 1/2 인치 (202 x 138.4 cm). 솔로몬 R. 구겐하임 미술관, 뉴욕, 솔로몬 R. 구겐하임 창립 소장품, 기증품. 37.463
색채와 대비
들로네가 발견한 다음 중 하나는 대비에 관한 것이었습니다. 그는 색들이 서로 보완하여 관람자의 마음에 감정적 반응을 일으킬 수 있다는 것을 깨달았습니다. 그는 주제, 깊이, 빛, 기타 모든 요소를 제거하고 오로지 색 대비 자체의 가치에 집중하기 시작했습니다. 서로 다른 대비 색들이 서로 다른 감정 효과를 만들어 냈습니다. 어떤 색들은 가볍고 즐거운 느낌을 주었고, 다른 색들은 무겁거나 우울한 느낌을 주었습니다.
또한 그는 어떤 색들이 나란히 놓였을 때 실제로 움직임의 감각을 만들어 낸다는 것도 발견했습니다. 관람자들은 그것들이 떨리거나 진동하거나 심지어 더 오래 볼수록 색조가 변하는 것처럼 인식했습니다. 들로네는 이 감각을 동시성이라고 불렀습니다. 1914년 작품 블리에로 경의 헌사에서 그는 동시성 이론을 사용해 현대성의 본질적 상태인 움직임을 거의 전적으로 색과 순수 추상 형태로 표현했습니다.
로베르 들로네 - 블리에로 경의 헌사, 1914년, 캔버스에 유채, 6피트 4 1/2인치 x 4피트 2 1/2인치. 쿤스트뮤지엄 바젤, 바젤, 스위스
로베르 들로네의 유산
역사는 들로네에게 중요했으며, 그를 아는 이들에 따르면 그는 자신의 역사적 위치를 잘 알고 있었습니다. 그는 누가, 혹은 무엇이 최초였는지를 지적하는 것을 특히 좋아했습니다. 그는 “최초의 그림은 단지 태양이 지면에 만든 사람의 그림자를 둘러싼 선이었다”고 썼습니다. 그는 점묘법의 창시자인 쇠라를 칭찬하며 보색의 중요성을 처음 보여준 인물로 평가했습니다. 그러나 그는 점묘법이 “단지 기법일 뿐”이라며 쇠라의 불완전한 성취를 비판했습니다. 들로네는 보색 이론을 사용해 순수한 아름다움의 표현에 도달한 최초의 인물이 자신이라고 주장했습니다.
실제로 들로네의 색채에 관한 글을 읽으면 그가 회화의 형식적 특성에 대해 많은 독창적 사고를 했음을 알 수 있습니다. 그와 그의 아내 소니아는 제1차 세계대전 이전에 등장한 가장 영향력 있는 추상 양식 중 하나인 오르피즘을 발명한 것으로 인정받고 있습니다. 그러나 들로네에게서 아무것도 빼앗지 않고도, 색에 너무 많은 주목이 집중된 것은 한 가지 의문을 제기합니다: 색이 정말 자연의 가장 순수한 현실 표현일 수 있을까요? 그것만이 아름다움을 우리 영혼에 전달하는 유일한 방법일까요? 시각장애인이나 색맹인에게는 이런 말이 낙담스러울 수도 있습니다. 아마도 들로네의 색채에 대한 생각이 이야기의 끝은 아니었을 것입니다. 어쩌면 그의 작품에서 가장 중요한 점은 그가 오늘날 많은 추상 미술 애호가들이 여전히 묻는 질문들을 던졌다는 것입니다: 현실이란 무엇인가? 아름다움이란 무엇인가? 그것들을 인간의 영혼과 연결되도록 전달하는 가장 좋은 방법은 무엇인가?
대표 이미지: 로베르 들로네 - 장 메칭거 초상, 1906년, 캔버스에 유채, 55 x 43 cm. 개인 소장
필립 Barcio 제공
