로베르 드로네와 그의 색채 접근법

그림이 "사실적"이라고 말하는 것은 무엇을 의미할까요? 현실은 논란의 여지가 있는 주제입니다. 결국 그것은 순전히 주관적입니다. 한 사람이 현실이라고 여기는 것은 그 사람이 인식하는 것, 이해하는 것, 상상할 수 있는 것의 조합에 기반합니다. 1912년, 화가 로베르 드로네이는 독일 잡지 Der Sturm에 "순수 회화에서 현실의 구성에 대한 노트"라는 제목의 에세이를 발표했습니다. 이 에세이는 인상주의의 시작 이후 지난 60년간의 예술적 연구를 요약하려는 시도였습니다. 드로네이는 그의 선배들의 작업을 과학적이고 분석적이라고 묘사하며, 회화를 그 구성 요소로 나누어 그려진 현실의 본질에 도달하려고 했습니다. 그는 예술가들이 오직 아름다운 것을 창조하기 위해 노력해야 하며, 현실만이 진정으로 아름다운 것이라고 썼습니다. 그러나 드로네이에 따르면, 현실은 모방을 의미하지 않았습니다. 오히려 그는 현실의 가장 기본적이고 아름다운 요소가 색깔이라고 추측했습니다. 자연은 빛을 통해 세상의 아름다움을 색깔로 우리의 눈에 전달하며, "자연에서 인식된 감각을 우리의 영혼에 전달하는 것은 우리의 눈이다"라고 말했습니다.

색상은 현실이다

로베르 드로네가 자신에 대해 자주 말하던 것 중 하나는, 그 이전의 화가들은 색상을 단순히 색칠하는 데만 사용했다는 것입니다. 그는 자신이 색상을 그 자체로 주제로 사용한 첫 번째 화가라고 믿었습니다. 그는 인상파 화가들에게 공을 돌렸습니다. 왜냐하면 그들이 빛의 중요성을 인식한 사람들이었기 때문입니다. 그러나 그들은 여전히 객관적으로 보이는 세계의 이미지를 복사하기 위해 빛의 특성만을 사용했습니다. 하지만 적어도 그들은 이미지가 여러 다른 부분으로 구성되어 있으며, 그 부분에 대한 인식이 현실에 대한 감각을 만든다는 것을 인식했습니다. 인식은 캔버스에서 일어나는 것이 아니라 뇌에서 일어납니다.

점묘법은 인식이 뇌에서 발생한다는 사실을 진정으로 탐구한 첫 번째이자 가장 심오한 회화 스타일 중 하나였습니다. 분할주의로도 알려진 이 기법은 캔버스에 나란히 배치된 작은 색 블록을 사용하여 색을 먼저 혼합하는 대신 혼합된 색의 느낌을 전달했습니다. 그러면 뇌는 이미지를 완성하기 위해 색을 결합했습니다. 눈과 뇌가 그렇지 않으면 불완전한 그림을 완성할 수 있다는 깨달음은 19세기 후반과 20세기 초 아방가르드의 기초 원칙이 되었습니다. 이는 미래주의 회화, 입체파, 오르피즘 및 그 이후의 수많은 다른 스타일과 운동에 영감을 주었습니다.

색상을 주제로 삼다

로베르 드로네이는 분할주의 사상에 매료되었습니다. 이는 그가 캔버스에 나란히 놓였을 때 색상들이 서로에게 가지는 관계에 대해 생각하도록 영감을 주었습니다. 그는 포인트리스트들이 했던 것보다 색상의 블록을 확대하여 훨씬 더 뚜렷하고 추상적인 시각적 효과를 만들어냈습니다. 그는 이 기법을 사용하여 그의 친구이자 동료 추상 화가인 장 메치니어의 초상화 시리즈를 만들었습니다.

드로네의 메칭거 그림에서 우리는 색의 블록이 이미지를 형성하는 것 외에도 깊이와 움직임의 감각을 만들어내는 것을 볼 수 있습니다. 그의 분할주의 그림을 통해 드로네는 색이 형태, 깊이, 빛, 심지어 감정을 전달할 수 있다는 것을 깨달았습니다. 이미지의 구상적 요소와 독립적으로 색은 화가가 표현하고자 하는 어떤 진리나 현실도 전달할 수 있었습니다.

Robert Delaunay Rythme n°1, décoration pour le Salon des Tuileries, 1938, oil on canvas, 529 x 592 cm, Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris

색상과 평면

드로네가 그려진 현실에 대한 자신의 발견을 하고 있는 동안, 파블로 피카소가 이끄는 입체파들도 유사한 영역에서 실험하고 있었다. 그들은 사차원 현실과 시간의 흐름을 전달하려고 시도하고 있었다. 그들의 방법은 세계를 공간적 평면으로 나누고, 그 평면을 사용하여 단일 주제에 대한 다수의 동시적 관점을 표현하는 것이었다.

드로네이는 원근법에 관심이 없었다. 그는 색깔만으로도 움직임이나 다른 현상을 표현할 수 있다고 믿었다. 그러나 드로네이는 공간 평면에 대한 입체파의 아이디어에 여전히 매료되었다. 그는 빛이 사물에 닿을 때 나타나는 다양한 색조가 그들의 공간 평면의 기하학에 의해 결정된다는 것을 알아차렸다. 평면과 기하학이 색깔에 직접적인 영향을 미치기 때문에, 그는 입체파로부터 깨진 평면의 미적 언어를 차용하여 자신의 그림에 적용하였고, 부분적으로 분할주의적이고 부분적으로 입체파적인 새로운 추상 미적 접근 방식을 창조하였다. 그는 가장 유명하게 이 스타일을 사용하여 현대 시대의 궁극적인 상징이라고 믿었던 에펠탑을 묘사한 일련의 그림에서 사용하였다.

Robert Delaunay - Eiffel Tower, 1911 (dated 1910 by the artist). Oil on canvas. 79 1/2 x 54 1/2 inches (202 x 138.4 cm). Solomon R. Guggenheim Museum, New York, Solomon R. Guggenheim Founding Collection, By gift. 37.463

색상 및 대비

드로네가 다음에 발견한 것 중 하나는 대비와 관련이 있었다. 그는 색상이 서로 보완할 수 있는 방식으로 관람자의 마음에 감정적 반응을 일으킬 수 있다는 것을 깨달았다. 그는 주제, 깊이, 빛 및 기타 모든 요소를 제거하고 순수하게 색상 대비에만 집중하기 시작했다. 그는 서로 다른 대비 색상이 서로 다른 감정적 효과를 만들어낸다는 것을 배웠다. 어떤 색상은 경쾌하거나 기쁜 느낌으로 대비되었고, 다른 색상은 무겁거나 우울한 느낌으로 대비되었다.

그는 또한 일부 색상이 서로 나란히 놓였을 때 실제로 움직임의 감각을 만들어낸다는 것을 발견했다. 관객들은 그것들이 떨리거나 진동하거나 심지어 색조가 변하는 것으로 인식했다. 드로네이는 이 감각을 동시성(Simultaneity)이라고 불렀다. 그의 1914년 작품 블레리오에게 바치는 헌사에서 그는 동시성 이론을 사용하여 그가 믿었던 현대성의 본질적인 상태, 즉 거의 전적으로 색상과 순수하게 추상화된 형태로 표현된 움직임을 전달하고자 했다.

Robert Delaunay - Homage to Bleriot, 1914, Oil on canvas, 6 ft 4 1/2 x 4 ft 2 1/2 in. Kunstmuseum Basel, Basel, Switzerland

로베르 드로네의 유산

역사는 들라네에게 중요했으며, 그를 아는 사람들에 따르면 그는 자신의 역사적 위치를 잘 알고 있었다. 그는 누가, 또는 무엇이 처음인지 지적하는 것을 특히 좋아했다. 그는 "첫 번째 그림은 태양이 지구 표면에 비춘 사람의 그림자를 둘러싼 단순한 선이었다."라고 썼다. 그는 점묘법의 창시자인 화가 세라를 칭찬하며 보색의 중요성을 처음으로 보여준 사람이라고 말했다. 그러나 그는 세라의 불완전한 성취를 비판하며 점묘법은 "단지 기법일 뿐"이라고 주장했다. 들라네는 보색 이론을 처음으로 사용하여 순수한 아름다움의 표현에 도달한 것은 자신이라고 주장했다.

실제로, 드러나이의 색채에 관한 글을 읽고 나면 그가 회화의 형식적 특성에 대해 많은 독창적인 사고를 했다는 것이 분명해진다. 그와 그의 아내 소냐는 제1차 세계 대전 이전에 등장한 가장 영향력 있는 추상 스타일 중 하나인 오르피즘을 발명한 것으로 알려져 있다. 그러나 드러나이에 대한 어떤 것도 빼앗지 않으면서, 색채에 이렇게 많은 주목이 쏠리는 것은 질문을 제기한다: 색채가 정말로 자연의 가장 순수한 현실 표현일 수 있는가? 그것이 우리의 영혼에 아름다움을 전달하는 유일한 방법일 수 있는가? 시각 장애인이나 색맹인에게는 이런 소식을 듣는 것이 실망스러울 것이다. 어쩌면 드러나이의 색채에 대한 사고는 이야기의 끝이 아니었을지도 모른다. 아마도 그의 작업에서 가장 중요한 것은 그가 오늘날에도 여전히 많은 추상 미술 애호자들이 묻는 질문을 했다는 것이다: 현실이란 무엇인가? 아름다움이란 무엇인가? 그것들을 인간의 영혼과 연결되도록 전달하는 가장 좋은 방법은 무엇인가?

특집 이미지: 로베르 드로네 - 장 메치징의 초상, 1906, 유화, 55 x 43 cm. 개인 소장
필립 Barcio