시몬 앙타이. 보이지 않음과 시각의 지속성 사이에서

시몬 앙타이는 결핍, 비가시성, 그리고 철수의 화가입니다. 그의 예술의 본질은 한 색과 다른 색 사이의 빈 공간, 그의 회화적이고 개념적인 틈새에서 포착될 수 있습니다. 앙타이의 그림에서, 예술가의 부담스러운 존재는 의도적으로 사라지고, 오직 덧없는 후광만이 남습니다. 그의 예술은 주로 추상 및 비형식 예술의 영역에서 알려져 있지만, 깊은 개념적 연구와 그의 발명 기술로 특징지어진 개인적인 스타일을 가지고 있습니다. 가장 잘 알려진 플리아주와 같은 기술이 그 예입니다.

1922년 헝가리에서 태어나 프랑스 국적을 취득한 한타이는 부다페스트의 헝가리 미술 아카데미에서 공부하며 반나치 투쟁을 공개적으로 지지하고 스스로 공산주의자로 선언했습니다. 그의 예술 경력은 여행에 의해 강하게 영향을 받았습니다: 먼저 이탈리아에서, 현대적인 그랜드 투어의 발자취를 따라, 그는 라벤나의 비잔틴 예술의 위엄 있는 아이콘과 르네상스의 형식적 균형에 매료되었습니다. 그 후 그는 1948년에 프랑스에 정착하게 됩니다.

그의 탄생 100주년을 맞아, 루이 비통 재단은 파리에서 그를 기리는 대규모 회고전시회를 개최하며, Anne 발다사리의 큐레이션으로 한타이 가족의 지원을 받습니다. 이 전시는 다양한 형식과 기술적 단계를 특징으로 하는 예술가의 다면적인 창작 경로를 추적하며, 이는 끊임없이 변화하는 사고의 흐름을 내포합니다. 한 스타일에서 다른 스타일로의 전환은 결코 우연이 아니며, 지적 반영을 구현합니다. 이러한 이유로 그의 유산은 회화의 경계를 초월하여 수많은 추상 예술가들에게 여운을 남기고 철학을 포함하게 됩니다.

초현실에서 추상으로

1948년 프랑스로의 이주는 젊은 한타이에게 결정적이었다. 파리에서 헝가리 화가는 곧 초현실주의자 그룹을 알게 되었다. 특히 시인 앙드레 브르통과의 만남은 그를 자동주의의 혁신적인 개념에 더 가까이 이끌었다. 이성의 간섭 없이, 완전히 본능적으로 또는 무작위 기준을 통해 단어와 이미지를 그리는 것은 무의식의 숨겨진 이미지를 드러내어 "논리의 독재"에서 자유롭게 하는 것을 가능하게 했다. 한타이의 초기 그림은 사실상 형상적인 꿈의 그림이었다.

그러나 1955년 화가는 곧 구상 스타일을 포기하고 초기 실험적 제스처 추상화로 전환했다. 이 전환은 그에게 모순된 단절이 아니었다. 화가는 초현실주의의 제스처적 자발성을 이해하고, 프로타주, 긁기, 또는 데칼코마니와 같은 자동 기법을 적용하며, 예술가의 선입견에서 자유로운 예술에 집중했다. 이 변화는 또한 잭슨 폴록의 추상 표현주의의 폭발적인 발견에 의해 영향을 받았으며, 그를 보다 서정적 추상 예술에 가깝게 만들었다. 그러나 현대적 참조 외에도 그는 비잔틴 예술과 같은 과거 예술의 영향도 유지했다. 한타이의 1950년대 그림은 진정으로 세련된 매체였다: 그것들은 과거와 현재 문화의 메아리를 구현하며, 새로운 제스처와 고대의 제스처를 결합했다.

시몬 앙타이. 루이 비통 재단에서의 100주년 전시. 프랑스 파리. 2022. 설치 전경

주름 사이의 공간

1960년대는 플리아주 기법의 발명으로 시몬 앙타이의 경력에 중요한 이정표가 되었다. 플리아주는 천을 매고, 접고, 구기는 새로운 작업 방법으로, 캔버스 위에 다양한 구성을 드러내는 방식이었다. 플리아주를 통해 제작된 작품들은 1967년 미술상인 장 푸르니에가 기획한 전시회에서 헌정되었다. 1960년부터 1982년까지 앙타이는 각각 마리아레스(마리아 회화)와 판세스와 같은 여덟 개의 시리즈를 제작했으며, 각 시리즈는 서로 다른 절차에 해당하며, 그의 기법을 벽화에 적용하기도 했다. 그의 작업은 항상 연속성을 특징으로 하며, 절차적 객관성에 대한 지속적인 탐구로 나타난다. 주름과 하얀 결핍에서 생명을 얻는 앙타이의 작품을 바라보면, 갑자기 앙리 마티스의 고아쉬 색종이 오려내기가 떠오르며, 이는 공간과 형태의 춤을 만들어낸다.

1970년대에 플리아주 과정은 더 구조화된 형태와 규칙적인 패턴을 갖게 됩니다. 이는 블랑 시리즈(1973-1974)와 더 유명한 타불라스의 경우입니다. 라틴어 단어 tabula(테이블)에서 유래된 이 시리즈는 균일하게 칠해지지 않은 공간으로 구분된 단일 색상의 정사각형 그리드로 구성되어 있습니다. 서로 접촉할 때, 이 패턴은 망막 지속성이라는 현상 덕분에 무지갯빛 색상의 시각적 효과를 생성합니다. 우리의 눈은 강렬한 색상과 흰색 영역 간의 대비를 인식하여 색조가 있는 후광을 발산합니다. 예를 들어, 릴라스 그림에서는 아크릴 페인트의 차가운 흰색이 캔버스의 따뜻한 흰색 위에 놓여져 놀라운 라일락 색조의 색상을 만들어냅니다. 따라서 타불라스 시리즈는 실제로 색상이 없는 상태에서도 색상을 인식하도록 시각을 훈련시키는 광학 실험으로 볼 수 있습니다: 보이지 않음을 보고 이해하는 연습입니다.

시몬 앙타이. 루이 비통 재단에서의 100주년 전시. 프랑스 파리. 2022. 설치 전경

사라지는 화가

1980년대에 Hantaï는 점점 더 자신을 보이지 않게 만들었다: 그는 더 가볍고 얇은 매체를 사용했고, 정의되었지만 덧없는 경계를 가진 작품을 실현했으며, 그는 포착할 수 없고 도달할 수 없는 존재가 되었다. 1982년 여름, 화가는 제40회 베니스 비엔날레에서 공식적으로 프랑스를 대표했다. 이 사건은 그를 고무시키기보다는 예술 세계와의 거리를 영구적으로 두게 하였고, 그를 사적인 삶으로 은퇴하게 만들었다. Hantaï는 예술이 무의미한 구경거리가 될 위험을 인식했고, 화가의 제스처가 캔버스를 지배하는 냄새 나는 예술을 두려워했다. 대신 그의 회화는 시각과 사고의 인지적 메커니즘과 엄격하게 연결되어 있었다. 이러한 강한 이론적 흐름은 그가 다른 화가들보다 철학자들과 더 자주 유대감을 형성하게 만들었다. Derrida, Nancy, Deleuze와 같은 철학자들이다.

이곳이 Hantaï의 현대성이 존재하는 곳이다: 그는 추상적 사고처럼 행동하는 예술을 창조했다. 그의 유산은 이후에도 계속해서 공명했으며, 이는 Michel Parmentier의 미니멀리스트 회화나 Daniel Buren의 무지개빛 그리드에서 볼 수 있다. 예술 시스템의 장면에서 예술가로서 사라졌음에도 불구하고, Simon Hantaï의 비물질적인 색상은 다음 세대의 예술가들의 시각적 기억에 각인되었다: 캔버스와 우리의 망막에 지속되는 무지개빛 후광처럼.

시몬 앙타이. 루이 비통 재단에서의 100주년 전시. 프랑스 파리. 2022. 설치 전경

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