시몬 앙타이. 보이지 않음과 시각의 지속성 사이에서

Simon Hantaï는 부재, 보이지 않음, 그리고 철수를 그리는 화가입니다. 그의 예술의 본질은 한 색과 다른 색 사이의 빈 공간, 즉 그의 회화적이고 개념적인 틈새에서 포착할 수 있습니다. Hantaï의 그림에서는 작가의 무거운 존재감이 의도적으로 사라져 오직 덧없는 후광만이 남습니다. 그의 예술은 주로 추상미술과 비정형미술 영역에서 알려져 있지만, 깊은 개념적 연구와 그가 고안한 기법들, 예를 들어 가장 잘 알려진 pliage 같은 개인적인 스타일로 특징지어집니다.

1922년 헝가리에서 태어나 프랑스 시민권을 취득한 Hantaï는 부다페스트의 헝가리 미술 아카데미에서 공부하며 반나치 투쟁을 공개적으로 지지하고 공산주의자로서 자신을 드러냈습니다. 그의 예술 경력은 여행에 크게 영향을 받았는데, 먼저 이탈리아에서 현대적인 그랜드 투어의 발자취를 따라 라벤나의 비잔틴 미술의 엄숙한 상징성과 르네상스의 형식적 균형에 매료되었고, 이후 1948년 프랑스에 정착했습니다.

탄생 100주년을 맞아 루이비통 재단은 Anne Baldassarri의 기획과 Hantaï 가족의 지원으로 파리에서 대규모 회고전을 헌정합니다. 이 전시는 다양한 형식과 기술적 단계를 거치며 끊임없이 변화하는 사유의 흐름을 담은 작가의 다면적인 창작 여정을 추적합니다. 한 스타일에서 다른 스타일로의 전환은 결코 우연이 아니며, 지적 성찰을 구현합니다. 이 때문에 그의 유산은 회화의 경계를 넘어 수많은 추상 화가들에게 울림을 주고 철학까지 아우릅니다.

초현실주의에서 추상으로

1948년 프랑스로 이주한 것은 젊은 Hantaï에게 결정적인 순간이었습니다. 파리에서 헝가리 화가는 곧 초현실주의자 그룹을 알게 되었습니다. 특히 시인 André Breton과의 만남은 그를 자동기술의 혁신적 개념에 가까이 이끌었습니다. 이성의 간섭 없이, 완전히 본능적으로 또는 무작위 기준에 따라 단어와 이미지를 그리는 것은 "논리의 독재"에서 벗어난 무의식의 숨겨진 이미지를 드러내게 했습니다. 사실 Hantaï의 초기 그림들은 구상적인 꿈같은 그림이었습니다.

그러나 1955년 화가는 곧 구상적 스타일을 버리고 초기 형태의 실험적 제스처 추상으로 전환했습니다. 이 전환은 그에게 모순된 단절이 아니었습니다. 그는 초현실주의의 제스처적 자발성을 파악하여 frottage, 긁기, 데칼코마니 같은 자동기법을 적용하며 작가의 선입견에서 자유로운 예술에 집중했습니다. 이 변화는 또한 잭슨 폴록의 추상 표현주의의 폭발적인 발견에 영향을 받아 보다 서정적 추상미술에 가까워졌습니다. 그러나 동시대 참조 외에도 그는 비잔틴 미술 같은 과거 예술의 영향도 유지했습니다. 1950년대 Hantaï의 그림들은 진정한 교양 있는 매체였으며, 과거와 현재 문화의 울림을 담아내며 새롭고 고대의 제스처를 결합했습니다.

Simon Hantaï. 루이비통 재단 100주년 전시. 프랑스 파리. 2022년. 설치 전경

접힘 사이의 공간

1960년대는 Simon Hantaï의 경력에 pliage 기법의 발명으로 큰 획을 그었습니다. pliage는 천을 묶고 접고 구겨서 캔버스 위에 다양한 구성을 드러내는 새로운 작업 방식이었습니다. 1967년 미술상 Jean Fournier가 기획한 전시에서 pliage로 완성된 작품들이 인정받았습니다. 1960년부터 1982년까지 Hantaï는 각각 다른 절차에 해당하는 Mariales(마리아 그림)와 Panses 같은 여덟 개의 시리즈를 제작했으며, 벽화에도 자신의 기법을 적용했습니다. 그의 작업은 항상 연속성으로 특징지어지며 절차적 객관성을 끊임없이 추구합니다. 접힘과 흰 공백에서 생명력을 얻는 Hantaï의 작품을 보면, 공간과 형태의 춤을 만들어낸 앙리 마티스의 구아슈 색종이 오려내기가 떠오릅니다.

1970년대에 pliage 과정은 더 구조화된 형태와 규칙적인 패턴을 띠게 됩니다. 이는 Blancs 시리즈(1973-1974)와 라틴어 tabula(판)에서 유래한 더 유명한 Tabulas의 경우입니다. 단색 사각형들이 균일한 무채색 공간으로 구분된 격자 무늬입니다. 서로 맞닿은 패턴은 망막 지속 현상 덕분에 무지갯빛 색채의 착시 효과를 만듭니다. 우리의 눈은 강렬한 색과 흰 영역 사이의 대비를 인지하며 색조가 도는 후광을 발산합니다. 예를 들어 Lilas 그림에서는 캔버스의 따뜻한 흰색 위에 놓인 차가운 아크릴 흰색이 놀라운 연보라빛 색조를 만들어냅니다. Tabulas 시리즈는 실제 부재 속에서도 색을 인지하도록 시각을 훈련하는 광학 실험으로 볼 수 있습니다: 보이지 않음을 보고 이해하는 연습입니다.

Simon Hantaï. 루이비통 재단 100주년 전시. 프랑스 파리. 2022년. 설치 전경

사라져 가는 화가

1980년대에 Hantaï 자신도 점점 더 보이지 않게 되었습니다: 그는 더 가볍고 얇은 매체를 사용했고, 경계가 분명하지만 덧없는 작품을 완성하며, 포착하기 어렵고 닿기 힘든 존재가 되었습니다. 1982년 여름, 그는 공식적으로 제40회 베니스 비엔날레에서 프랑스를 대표했습니다. 이 행사는 그를 고무시키기보다는 예술계에서 영구히 멀어지게 했고 은둔 생활로 이끌었습니다. Hantaï는 예술이 무의미한 구경거리가 될 위험을 인식했고, 화가의 몸짓이 캔버스를 지배하는 향기 나는 예술을 두려워했습니다. 대신 그의 회화는 시각과 사유의 인지 메커니즘과 엄격히 연결되어 있었습니다. 이러한 강한 이론적 밑바탕은 그가 종종 다른 화가들보다 데리다, 낭시, 들뢰즈 같은 철학자들과 더 깊이 교감하게 했습니다.

여기에서 Hantaï의 현대성이 드러납니다: 그는 추상적 사유처럼 행동하는 예술을 창조했습니다. 그의 유산은 이후 미셸 파르망티에의 미니멀리즘 회화나 다니엘 뷔렌의 무지갯빛 격자에서 계속 울려 퍼졌습니다. 예술계에서 화가로서 사라졌음에도 불구하고 Simon Hantaï의 무형의 색채는 후대 예술가들의 시각 기억에 각인되어, 캔버스와 우리의 망막에 지속되는 무지갯빛 후광처럼 남아 있습니다.

Simon Hantaï. 루이비통 재단 100주년 전시. 프랑스 파리. 2022년. 설치 전경

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