모네 - 미첼. 추상 인상주의를 향하여.

시각적 언어 간의 비교 이상의 의미: 2022년 가을, 파리의 루이 비통 재단은 인상파 거장 클로드 모네 (1840-1926)와 미국의 추상 화가 조안 미첼 (1925-1992)을 대화하게 하여, 감정적이고도 의미 있는 상관관계를 드러냅니다. 예술 감독 수잔 파제의 큐레이션으로, 뮈제 마르모탕 모네의 특별한 파트너십과 함께 진행되는 이번 전시는 모네의 후기 작품과 20세기 후반 미국에서 제작된 미첼의 친밀한 추상 표현주의 걸작들을 통해 시적인 여정을 제공합니다. 관람객들은 이 만남의 깊은 친화성에 놀라게 될 것입니다. 그들은 서로 다른 문화-역사적 시기에 발전되었음에도 불구하고 태도와 의도에서 매우 유사한 시선을 발견하게 될 것입니다.

우리가 볼 걸작들

모네-미첼은 두 예술가의 경력에서 60개의 중요한 작품을 선보이는 인상적인 전시입니다. 유명한 인상파 화가 클로드 모네의 36점의 작품 - 웅장한 수련 시리즈가 드디어 전체가 재결합된 작품을 포함하여 - 그리고 조안 미첼의 24점의 추상화가 스타 건축가 프랭크 게리의 설계로 된 건물에서 대화할 것입니다. 두 작품군은 주제와 시각 언어 사이의 다리를 만들어내며, 또한 프랑스와 미국 간의 풍부한 예술적 교류의 이야기를 전합니다. 사실, 아가판투스 3부작 (약 1915-1926)의 존재는 상징적입니다. 이 작품은 클로드 모네가 미국에서 널리 알려지게 만든 거의 13미터 길이의 작품으로, 현재 세 개의 서로 다른 미국 박물관에 소장되어 있습니다. 한편, 조안 미첼의 그랑 발레 시리즈도 두드러지며, 이 시리즈는 센터 포음피두에 소장되어 있으며, 미국의 액션 페인팅의 에너지와 유럽 전통의 절제된 내성 사이의 독특한 종합을 나타냅니다.

모네-미첼 대화는 미국 화가에 헌정된 회고전으로 더욱 심화된다. 이는 샌프란시스코 현대미술관(SFMOMA)과 볼티모어 미술관(BMA)에서 처음 선보인 단독 전시의 업데이트된 버전으로, 미첼의 독특한 경력을 재고하는 것을 목표로 한다. 전후 추상 표현주의 운동에 끌리는 여성 예술가는 그녀의 프랑스 경험을 바탕으로 재평가된다. 그녀의 스타일은 모네를 시작으로 세잔, 반 고흐와 같은 유럽 거장들과 연결된다.

클로드 모네, 아가판투스, 1916-1919. 유화, 200 x 150 cm. 마르모탕 모네 미술관, 파리.

놀라운 일치

그러나 클로드 모네의 풍경과 조안 미첼의 강렬한 제스처 회화는 무엇이 공통점이 있을까요? 작품의 선택은 훈련받지 않은 눈에도 명백하게 드러납니다. 대화는 여러 수준에서 이루어지며, 놀라운 접점을 발견합니다. 사실, 이 전시는 두 예술가의 창작 과정에서 두 개의 원래 순간을 사진으로 담고 있습니다: 정원에서 후퇴한 모네의 후기 작품과 점점 심각해지는 시력 문제를 겪으며 흐릿한 윤곽과 생생한 빛의 반짝임으로 특징지어집니다; 그리고 미국에서 베트위유로 이사한 조안 미첼, 모네가 살았던 곳에서 그리 멀지 않은 프랑스 마을입니다. 따라서 첫 번째 대응은 문자 그대로입니다: 전시된 그림들은 두 예술가가 몰두했던 세느 강과 일드프랑스 시골의 같은 장소를 이야기합니다. 공유된 풍경은 서로 다른 감정적이고 예술적인 반응을 이끌어냈지만, 주변 자연을 특히 몰입감 있고 감각적으로 묘사하려는 동일한 충동을 불러일으켰습니다.

조안 미첼, 베치 졸라스를 위한 쿼타르 II, 1976. 유화, 279.4 × 680.7 cm. 파리, 퐁피두 센터, 그르노블 미술관에 대여 중. © 조안 미첼 재단.

시각적 차원에서도 관련된 상응이 있습니다. 두 예술가는 구상과 추상 형태 사이에서 왔다 갔다 하는 것처럼 보입니다. 모네는 그의 후기 단계에서 점점 더 추상적인 풍경 표현에 접근하며, 원근법적 참조와 선명함이 결여된 상태입니다. 반면 미첼은 추상 표현주의 운동에 끌리면서도 독창성을 위해 탈피합니다: 그녀의 추상 작품은 프랑스의 채택된 풍경과 그들의 끊임없이 변화하는 순간을 포착하려는 욕망을 드러내며, 이는 인상파 화가들이 했던 것과 같습니다. 캔버스는 또한 유사한 감성을 보여줍니다: 두 예술가는 빛과 색에 큰 주의를 기울여 가장 미세한 변화를 포착하려고 했습니다. 큐레이터의 선택은 이 미학적 대화를 강조하며, 모네의 수련 시리즈를 암시적으로 프레임 없이 제시합니다. 두 작품의 대형 포맷은 서로를 반향합니다. 따라서 관람객의 시선은 거대한 캔버스에 빠져들며, 자연과 기억의 풍경을 발견하게 됩니다.

이 전시가 회화 스타일을 넘어서는 상관관계를 조사하는 것처럼 보입니다. 더 인간적인 기초에 도달하고 있습니다. 예술가들은 비슷한 예술 접근 방식을 보여주며, 이를 관련된 용어로 정의합니다: 모네는 "감각"에 의해, 미첼은 "감정"과 "기억"에 의해 이끌립니다. 그들의 캔버스에서 경험한 풍경은 개인적인 지각 경험을 통해 필터링되어 변형됩니다. 형식주의 미술 비평가 클레멘트 그린버그가 지적했듯이, 모네는 추상 표현주의의 선구자로 볼 수 있습니다. 그의 수련은 단순한 풍경을 넘어서는 많은 것을 조사하며, 그 포괄적인 원리, 자연의 본질, 그리고 그 추상성을 포착하려고 합니다. 마찬가지로, 미첼은 제스처 추상에 뿌리를 두고 있지만, 미시간 호수의 자연 요소들, 그리고 세느 강의 수풀과 물에서 불러일으킨 감정에 의해 이끌립니다.

조안 미첼, 라 그랑드 발레 XIV (잠시 동안), 1983. 유화, 280 × 600 cm. 국립 현대 미술관, 퐁피두 센터, 파리. © 조안 미첼 재단

이 상호 친화성이 후속 세대의 추상 화가들에게 기여한 바는 귀중하며, 계속해서 기여하고 있습니다: 이는 추상 인상주의라고 불릴 수 있는 접근 방식을 드러냅니다. 모네와 미첼은 그들의 다중 캔버스 회화에서 자연과 인간 감각의 변화하는 모습을 포착했습니다. 그들의 자발적이고 빠르며 제스처적인 회화적 접근은 그 일시성을 구현했습니다. 따라서 이번 전시는 두 역사적 예술가를 현대적인 관점에서 재고할 기회를 제공하며, 추상 회화의 시각 언어에 대한 질문을 계속해서 던질 수 있게 합니다: 추상 회화에서 얼마나 많은 것이 실제인가? 예술가는 특정 순간이나 풍경의 감정, 인상, 기억을 어떻게 형성할 수 있는가? 추상과 재현 사이의 경계는 무엇인가? "나는 내 풍경을 항상 가지고 다닌다,"라고 조안 미첼은 종종 선언하며 내면 세계와 외부 세계의 경계를 점점 더 흐리게 했습니다.

특집 이미지: 클로드 모네, 정원에서 본 예술가의 집, 1922-1924. 유화, 81 x 92 cm. 마르모탕 모네 미술관, 파리