구겐하임 미술관: 잭슨 폴록의 벽화

가장 전설적인 미국 회화 중 하나가 22년의 공백을 깨고 맨해튼으로 돌아옵니다. “벽화” (1943) 는 잭슨 폴록의 작품으로, 2020년 10월 3일부터 2021년 9월 19일까지 뉴욕의 솔로몬 R. 구겐하임 미술관에서 전시됩니다. 이 “집중 전시” (즉, 전시회에서 유일한 작품임을 의미함)는 이 그림이 로스앤젤레스의 게티 보존 연구소에서 2년간의 청소 및 보존 작업을 마친 이후 6년간의 세계 투어의 최신 정거장입니다. 재조정된 345파운드, 2.5 x 6 미터 크기의 이 그림은 2015년 이탈리아 베니스의 페기 구겐하임 컬렉션에서 열린 전시회 “잭슨 폴록의 벽화: 에너지가 가시화되다”에서 처음 공개되었습니다. 그 이후로 이 작품은 베를린, 말라가, 런던, 캔자스시티, 워싱턴 D.C., 보스턴 등 여러 박물관을 여행했습니다. 뉴욕에서의 전시가 끝난 후, “벽화”는 기술적으로는 영구 거주지인 아이오와 대학교 미술관으로 돌아갈 것입니다. (페기 구겐하임은 1951년에 이 그림을 하키아이들에게 기증했으며, 그녀의 첫 선택인 예일 대학교의 학생들이 제안을 거절한 후에 기증했다고 전해집니다.) 그러나 맨해튼은 항상 “벽화”의 진정한 고향으로서의 주장을 할 수 있을 것입니다. 폴록은 구겐하임이 그녀가 살고 있는 이스트 61번가의 아파트 건물의 길고 좁은 로비에 걸 작품을 만들도록 의뢰받은 후, 그의 로어 맨해튼 스튜디오에서 이 작품을 그렸습니다. 이 의뢰는 폴록이 비목적 회화 미술관에서 보존가로서의 일에서 전업 예술가로 전환할 수 있게 해주었습니다. “벽화”가 대표하는 추상화의 이정표적 성취와, 폴록이 하루 만에 이 작품을 그렸다는 이제는 반박된 신화와 같은 다양한 신화에 대해 이미 많은 글이 쓰여졌습니다. 이 이정표적인 그림의 뉴욕 귀환을 준비하는 과정의 일환으로, 우리는 폴록이 그의 제스처 회화 스타일을 창조하도록 영감을 준 간과된 사진작가와 “벽화”가 정의하는 지속적인 미적 유산이라는 두 가지 중요한 측면을 살펴보려고 합니다.

동작 중인 조명

당신은 아마도 Pollock이 현재 유명한 몇 가지 기법이 실제로는 유명한 멕시코 벽화가 David Alfaro Siqueiros에 의해 개척되었다는 이야기를 이미 들었을 것입니다. Pollock은 1930년대에 Siqueiros에게 수업을 들었으며, 그 과정에서 학생들은 표면에 페인트를 튕기고 흘려서 구성에서 감정적 힘을 생성하는 방법을 배웠습니다. 그러나 "Mural"에서는 dripping과 splashing의 증거가 거의 없으며, 이는 Pollock이 만든 첫 번째 "all-over" 추상화로 간주됩니다. 현대 과학 분석에 따르면, 이 그림의 대부분의 자국은 전통적인 브러시가 캔버스와 직접 접촉하여 만들어졌습니다. 그러나 "Mural"은 또 다른 기법인 제스처 마크 메이킹 측면에서 Pollock에게 중요한 전환점을 나타냅니다. 구성은 격렬하고 생물형적이며, 흐르는 제스처 선과 형태의 정글입니다. 나중에 그의 작업실에서 작업하는 Pollock의 필름은 그가 마치 무용수처럼 온몸을 사용하여 그의 그림이 에너지와 행동의 구현이 되도록 했음을 보여줍니다.

잭슨 폴록이 벽화 앞에 서 있다 (1943) 보그 잡지 스튜디오에서, 약 1947년. 사진: 허버트 매터, 스탠포드 대학교 도서관 특별 컬렉션 부서 제공

물론, 제스처 움직임은 항상 화가 전통의 일부였습니다. 중국 잉크 예술가들은 수세기 전에 그려진 제스처의 감정적 잠재력을 활용했습니다. "벽화"는 그럼에도 불구하고 "행동화"라는 독특한 현대 운동의 선구자로 여겨집니다. 폴록은 이 운동의 개척자이지만, 그의 제스처 기법은 또 다른 예술가, 즉 바바라 모건이라는 사진작가의 작업에서도 영감을 받았습니다. 모건은 1930년대 뉴욕에서 현대 무용수를 촬영하며 사진 매체 내에서 추상화의 잠재력에 대한 초기 옹호자였습니다. 그녀는 그들의 움직임의 유동성에 영감을 받아 1940년경 "빛의 드로잉"을 만들기 시작했습니다. 그녀는 어두운 방에서 카메라의 조리개를 열어 놓고, 손에 든 빛을 사용하여 제스처 움직임을 수행하면서 필름에 "그리기"를 했습니다. 이러한 제스처적이고 추상적인 빛의 드로잉은 "벽화"의 선과 형태와 주목할 만한 유사성을 지니고 있습니다. 물론 이것이 폴록에게서 아무것도 빼앗지 않으며, 그가 모건과 그녀의 빛의 드로잉에 익숙했다는 것을 인정하는 것입니다. 이 드로잉은 폴록이 "벽화"를 그린 해에 MoMA에서 열린 행동 사진 전시회에 포함되었습니다.

잭슨 폴록, 여늑대, 1943. 캔버스에 유화, 과슈, 석고, 106.4 x 170.2 cm. 현대 미술관, 뉴욕, 구매, 1944 © 2020 폴록-크라스너 재단/예술가 권리 협회 (ARS), 뉴욕. 디지털 이미지 © 현대 미술관/SCALA/아트 리소스 라이센스, 뉴욕

자연을 표현하다

"벽화"는 추상적으로 여겨지지만, 구성 내에서 일부 구상적인 내용도 보입니다. 폴록은 한때 이 그림을 "미국 서부의 모든 동물들, 소와 말, 영양과 버팔로의 [of]"가 포함되어 있다고 설명했습니다. 어떤 이들은 구성의 중앙 왼쪽에 말 머리가 분명히 보인다고 말합니다. 그럼에도 불구하고 폴록이 현대 미술의 발전에 미친 지속적인 영향은 관람자가 이 그림이나 그의 다른 그림에서 인식할 수 있는 어떤 서사적 내용과는 관계가 없습니다. 오히려 그의 유산은 그가 그림을 그린 방식과 관련이 있습니다. 이는 그에게 한 번 제기된 질문에 대한 그의 유명한 대답으로 요약될 수 있습니다. 즉, 그는 자연에서 그림을 그리는지에 대한 질문에 폴록은 "나는 자연이다"라고 대답했습니다.

잭슨 폴록과 그의 Lee 크래스너의 8번가 아파트에서의 벽화를 위한 미완성 캔버스, 뉴욕, 1943년 여름. 사진: 베르나르 샤르트, 폴록-크래스너 하우스 및 연구 센터, 이스트 햄프턴, 뉴욕, 제프리 포터 기증.

폴록은 시각 예술 작품의 진정한 주제가 예술 자체의 어떤 시각적 측면에도 포함될 필요가 없다는 개념적 개념을 이해했다. 그는 자연을 그림으로 표현하는 예술가에서 자연의 살아있는 대표자인 예술가로 도약했다. Yves Klein, Joseph Beuys, Gutai Group, Andy Warhol, Yoko Ono, Alan Kaprow, Donald Judd, Richard Tuttle, Carolee Schneemann과 같은 미학적 접근이 다양한 예술가들의 입장은 모두 이 같은 반물질주의적 개념에 뿌리를 두고 있으며, 미적 유물보다 창조적 행위 자체가 더 중요하다는 것이다. 이는 폴록 유산의 과소평가된 측면으로, 아마도 그의 예술 작품이 지구에서 가장 비싼 물질적 것들 중 하나이기 때문일 것이다. 그럼에도 불구하고 나는 그가 증명한 가장 중요한 것이 바로 방법이 의미라는 것이라고 생각한다.

특징 이미지: 잭슨 폴록 - 벽화, 1943. 유채와 카세인, 캔버스, 242.9 x 603.9 cm. 아이오와 대학교 스탠리 미술관, 페기 구겐하임 기증, 1959.6 © 2020 폴록-크라스너 재단/예술가 권리 협회 (ARS), 뉴욕
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됩니다.
필립 Barcio