구겐하임 미술관: 잭슨 폴록의 벽화

가장 전설적인 미국 회화 중 하나가 22년 만에 다시 맨해튼으로 돌아옵니다. Mural (1943) 작품은 Jackson Pollock의 작품으로, 2020년 10월 3일부터 2021년 9월 19일까지 뉴욕의 솔로몬 R. 구겐하임 미술관에서 전시됩니다. “집중 전시”(즉, 전시 중 유일한 작품)는 이 그림이 로스앤젤레스의 게티 보존 연구소에서 2년간의 세척과 보존 작업을 마친 후 6년간의 세계 순회 전시의 최신 여정입니다. 복원된 345파운드, 2.5 x 6미터 크기의 이 그림은 2015년 이탈리아 베니스의 페기 구겐하임 컬렉션에서 열린 ‘Jackson Pollock’s Mural: Energy Made Visible’ 전시에서 처음 공개되었습니다. 이후 베를린, 말라가, 런던, 캔자스시티, 워싱턴 D.C., 보스턴 등 여러 박물관을 거쳤습니다. 뉴욕 전시가 끝난 후에는 기술적으로 영구 소장처인 아이오와 대학교 미술관으로 돌아갈 예정입니다. (페기 구겐하임은 1951년 이 작품을 하키스에게 기증했는데, 그녀가 처음 선택한 예일 대학 학생들이 제안을 거절한 후라고 전해집니다.) 그러나 맨해튼은 언제나 “Mural”의 진정한 고향으로서의 권리를 주장할 수 있습니다. 폴록은 이 작품을 구겐하임이 살던 이스트 61번가 아파트 건물의 길고 좁은 현관에 걸 작품을 의뢰받아 로어 맨해튼 작업실에서 그렸습니다. 이 의뢰 덕분에 폴록은 비객관 회화 미술관에서 보존가로 일하던 낮 직업에서 전업 화가로 전환할 수 있었습니다. “Mural”이 추상미술에서 이룬 획기적인 성취와, 폴록이 하루 만에 그렸다는 잘못된 신화 등 여러 이야기는 이미 많이 알려져 있습니다. 이번 뉴욕 귀환을 준비하며, 우리는 이 작품과 관련된 두 가지 중요한 측면을 살펴보고자 합니다. 하나는 폴록의 제스처 회화 스타일에 영감을 준 간과된 사진작가이고, 다른 하나는 “Mural”이 정의하는 지속적인 미적 유산입니다.

움직이는 빛

폴록이 현재 유명한 기법 중 일부가 사실은 멕시코의 유명한 벽화가 다비드 알파로 시케이로스에 의해 처음 시도되었다는 이야기를 들어보셨을 것입니다. 1930년대 폴록은 시케이로스에게 수업을 받았는데, 그 수업에서 학생들은 표면에 페인트를 튀기고 흩뿌려 감정적 힘을 표현하는 방법을 배웠습니다. 그러나 “Mural”에는 그런 떨어뜨리기나 튀기기 흔적이 거의 없으며, 이 작품은 폴록이 만든 최초의 ‘전체를 아우르는’ 추상화로 여겨집니다. 현대 과학 분석 결과, 그림의 대부분 자국은 전통적인 붓이 캔버스에 직접 닿아 만들어진 것으로 밝혀졌습니다. 하지만 “Mural”은 폴록에게 또 다른 기법, 즉 제스처적 자국 만들기에서 돌파구가 된 작품입니다. 구도는 격렬하고 생명체를 닮은 형태로 가득 차 있습니다. 폴록이 생애 후반 작업실에서 작업하는 모습을 담은 영상은 그가 무용수처럼 온몸을 사용해 그림을 에너지와 행동의 구현체로 만들었음을 보여줍니다.

Mural 앞에 서 있는 Jackson Pollock (1943), 약 1947년 Vogue 잡지 작업실에서. 사진: 허버트 매터, 스탠퍼드 대학교 도서관 특별 소장부 제공

물론 제스처적 움직임은 회화 전통에서 항상 중요한 부분이었습니다. 중국의 먹 그림 예술가들은 수세기 전부터 그린 제스처의 감정적 잠재력을 활용했습니다. 그럼에도 “Mural”은 ‘행동화’라는 현대 미술 운동의 선구자로 여겨집니다. 폴록은 이 운동의 개척자이지만, 그의 제스처 기법은 또 다른 예술가이자 사진작가인 바바라 모건의 작업에서 영감을 받았습니다. 모건은 사진 매체 내 추상 가능성을 일찍부터 옹호한 인물로, 1930년대 뉴욕에서 현대 무용수를 촬영하며 이름을 알렸습니다. 그녀는 무용수들의 유연한 움직임에 영감을 받아 1940년경 ‘빛 그림’을 만들기 시작했습니다. 어두운 방에서 카메라 조리개를 열어둔 채 손에 든 빛으로 네거티브 위에 제스처를 그리듯 움직였습니다. 이 제스처적이고 추상적인 빛 그림은 “Mural”의 선과 형태와 놀랍도록 닮아 있습니다. 물론 이것이 폴록의 업적을 깎아내리는 것은 아니며, 그가 모건과 그녀의 빛 그림을 알고 있었음을 인정하는 것입니다. 모건의 작품은 폴록이 “Mural”을 그린 해에 MoMA에서 열린 ‘행동 사진’ 전시에도 포함되었습니다.

Jackson Pollock, The She-Wolf, 1943년. 유화, 구아슈, 석고를 캔버스에, 106.4 x 170.2 cm. 뉴욕 현대미술관 소장, 1944년 구입 © 2020 The Pollock-Krasner Foundation/Artists Rights Society (ARS), 뉴욕. 디지털 이미지 © 뉴욕 현대미술관/SCALA/Art Resource 라이선스 제공

자연의 표현

“Mural”은 추상화로 여겨지지만, 구도 안에는 일부 형상적 내용도 보입니다. 폴록은 이 그림에 대해 “미국 서부의 모든 동물들, 소와 말, 영양과 들소가 떼지어 달리는 모습”이 담겨 있다고 설명한 적이 있습니다. 어떤 이들은 구도 중앙 왼쪽에 말 머리가 뚜렷이 보인다고 말합니다. 그러나 폴록이 현대 미술 발전에 끼친 지속적인 영향은 이 작품이나 다른 작품에서 관객이 인지할 수 있는 어떤 이야기적 내용과는 무관합니다. 그의 유산은 그가 그림을 그린 방식에 있습니다. 그는 한 번 질문받았을 때 “자연에서 그리느냐”는 질문에 “나는 자연이다”라고 답해 그 핵심을 요약했습니다.

Jackson Pollock이 1943년 여름 뉴욕 이스트 햄튼에 있는 자신과 Lee Krasner의 8번가 아파트에서 Mural의 미완성 캔버스와 함께. 사진: 버나드 샤르트, Pollock-Krasner 하우스 및 연구 센터 제공, 제프리 포터 기증

폴록은 시각 예술 작품의 진정한 주제가 반드시 작품 자체의 시각적 측면에만 국한되지 않는다는 개념을 이해했습니다. 그는 자연을 그림으로 표현하는 예술가에서 자연 그 자체를 살아 있는 대표자로서 표현하는 예술가로 도약했습니다. Yves Klein, Joseph Beuys, Gutai Group, Andy Warhol, Yoko Ono, Alan Kaprow, Donald Judd, Richard Tuttle, Carolee Schneemann 등 미학적 접근이 다양한 예술가들의 입장도 모두 이와 같은 반물질주의적 개념에 뿌리를 두고 있습니다. 즉, 미적 유물보다 창작 행위 자체가 더 중요하다는 것입니다. 폴록의 유산 중 이 점은 그의 작품들이 지구상에서 가장 비싼 물질적 대상 중 하나이기 때문에 과소평가된 측면이 있습니다. 그럼에도 저는 이것이 그가 증명한 가장 중요한 사실이라고 생각합니다: 방법이 곧 의미라는 것입니다.

대표 이미지: Jackson Pollock - Mural, 1943년. 유화와 카세인, 캔버스에, 242.9 x 603.9 cm. 아이오와 대학교 스탠리 미술관 소장, 페기 구겐하임 기증, 1959.6 © 2020 The Pollock-Krasner Foundation/Artists Rights Society (ARS), 뉴욕
모든 이미지는 설명 목적으로만 사용됨
필립 Barcio 제공