아돌프 고틀리브의 버스트 시리즈의 중요성

아돌프 고틀리브는 한때 “예술가의 역할은 물론 항상 이미지 제작자의 역할이었다. 다른 시대는 다른 이미지를 요구한다.”고 말했다. 고틀리브는 여러 distinctly 다른 시대를 목격했으며, 문화의 진화에 대응하기 위해 세 번이나 그의 방법을 크게 변화시켰다. 그의 작품은 1957년에 시작하여 1974년 그의 죽음까지 계속 확장된 Burst 그림들로 절정에 달했다. Burst의 시각적 언어는 간단하고 직접적이다. 캔버스는 두 개의 영역으로 나뉜다: 상단과 하단. 상단 영역은 제한된 색상 범위의 하나 이상의 원형 형태로 가득 차 있으며; 하단 영역은 일반적으로 검은색으로 칠해진 혼란스럽고 제스처가 가득한 에너지의 폭발로 가득 차 있다. 고틀리브에게 Burst 그림은 그의 큰 아이디어의 궁극적인 표현을 의미했다: 우주에는 어둠과 빛과 같은 동시에 존재하는 극성이 있다는 것이다. 일반적인 지혜는 이러한 힘을 이분법적으로 설명하는 경향이 있다. 즉, 빛이 본질적으로 어둠과 반대인 것처럼 말이다. 고틀리브는 빛과 어둠이 스펙트럼의 점이며, 서로 다른 비율로 분산된 동일한 물질로 이루어져 있다는 것을 이해했다. 그는 극성이 너무 유사하여, 권력자들로부터의 가장 미세한 자극만으로도 하나가 다른 것으로 변할 수 있다고 생각했다. 그의 Burst 그림에서 두 영역은 유사한 방식으로 작동한다. 원형 형태는 자신감 있게 혼란처럼 보이는 것 위에 떠 있는 것처럼 보인다. 그러나 두 가지 모두 같은 그림의 일부이며, 어느 것도 고정된 상태에 있지 않다. 위에 있는 것은 아래로 올 수 있고, 혼란스러워 보이는 것은 적절한 상황에서 응집되어 하나가 될 수 있다.

주요 버스트

버스트(Burst) 회화의 예시는 세계에서 가장 존경받는 미술 컬렉션 중 일부를 장식하고 있습니다. 228.7 x 114.4 cm 크기의 거대한 "블라스트 I(Blast I)"(1957)는 뉴욕의 현대미술관(MoMA)에 걸려 있습니다. 그 위에는 거대한 빨간 구체가 똑바로 떠 있고, 그 아래에는 똑같이 위협적인 검은 제스처 마크들이 뒤엉켜 있습니다. 이 상징적인 이미지는 시리즈의 시작을 알렸고, 그 상징성에 대한 시적인 재조명이 1973년에 다시 나타났습니다. 이는 고틀리브(Gottlieb)가 사망하기 불과 1년 전의 일입니다. "버스트(Burst)"(1973)에서, 고틀리브가 사망하기 전에 만든 마지막 회화 중 하나인 이 작품에서 빨간 구체는 부드러워지고 분해되기 시작하여 분홍색 태양의 폭발을 우주로 발산하고 있습니다. 한편, 제스처 마크의 혼란스러운 집합체는 형태의 일종의 가족으로 분리되어 수평선 아래로 가라앉으며, 우주로 촉수와 씨앗을 방출하는 듯 보입니다.

아돌프 고틀리브 - 블라스트 I, 1957. 유화. 7' 6" x 45 1/8" (228.7 x 114.4 cm). 필립 Johnson 기금. © 아돌프 및 에스더 고틀리브 재단/바가, 뉴욕, NY에 의해 라이센스됨. 모마 컬렉션.

다른 유명한 버스트 작품 중 하나는 현재 스미소니안 미국 미술관 소장품에 있는 "블루스"(1962)입니다. 그 파란색과 검은색 팔레트는 음침하고 고요하며, 어둠은 일식처럼 읽히거나 태양화된 잔상처럼 보입니다. 또 다른 기념비적인 버스트인 "트리니티"(1962)는 크리스탈 브리지 미국 미술관의 영구 소장품에 걸려 있습니다. 이 203.2 x 469.9 cm 캔버스는 시각적 영역을 수평으로 확장합니다. 하나는 파란색, 하나는 빨간색, 하나는 검은색인 세 개의 고체 구체가 우아한 서예 붓 자국의 조합 위에 공간에 떠 있습니다. 이 자국들은 회색 그림자를 드리우는 것처럼 보이며, 부드러운 노란색 구체가 상부와 하부 영역 사이의 중간 지점에 떠 있습니다. "블루스"와 "트리니티"에서 보여지는 변형의 범위는 고틀리브가 그의 비교적 단순한 주제에서 탐구한 엄청난 변화를 보여주며, 버스트 시리즈의 각 작품에 고유한 의미를 부여합니다.

아돌프 고틀리브-아이콘, 1964. 캔버스에 유화. 144 x 100". ©아돌프 및 에스더 고틀리브 재단.

터질 준비 중

그가 1920년대에 그림을 그리기 시작했지만, 고틀리브가 그의 버스트(Burst) 그림의 단순한 천재성에 도달하기 위한 여정은 1930년대에 시작되었습니다. 그때 그는 초현실주의가 무의식을 포용하는 것을 마음에 새겼습니다. 그는 가장 본질적인 미적 표현이 권력, 두려움, 탄생, 죽음과 같은 근본적인 존재론적 현실과 관련이 있기 때문에 시대를 초월한다고 깨달았습니다: 신화의 본질입니다. 이러한 사고 방식에 대한 그의 연구는 그가 피토그래프(Pictographs)라고 부르는 첫 번째 주요 그림 시리즈를 개발하게 했습니다. 상징적이고 직관적인 추상 형태의 언어를 기반으로 한 그의 피토그래프는 격자 구조로 구성되어 있었으며, 이는 현실의 구획화된 표현을 전달하려는 시도였습니다. 종종 추상적으로 여겨지지만, 고틀리브는 그의 피토그래프를 현실적이라고 설명했습니다. 왜냐하면 그것들이 진정한, 불안한, 신비로운 인간 조건을 표현했기 때문입니다. 그는 1951년까지 그것들을 그렸고, 그때 그는 시대가 새로운 것을 요구한다고 결심했습니다. 단순화된 방법을 찾기 위해 그는 격자를 버리고 캔버스를 위와 아래로 나누었습니다. 그 사이에는 수평선이 있었습니다. 그는 이 새로운 시리즈를 상상의 풍경(Imaginary Landscapes)이라고 불렀습니다. 왜냐하면 그것들이 존재의 내면 풍경, 즉 감정적, 지적, 직관적, 무의식적 상태를 전달했기 때문입니다.

아돌프 고틀리브 - 여인을 바라보는 남자, 1949. 유화. 42 x 54" (106.6 x 137.1 cm). 작가의 기증. © 아돌프 및 에스더 고틀리브 재단/라이센스 제공 VAGA, 뉴욕, NY. 모마 컬렉션.

버스트 시리즈는 상상의 풍경에서 발전하였으며, 동일한 아이디어의 정수를 나타냅니다. 고틀리브는 상상의 풍경의 상단과 하단에서 일어나는 일을 단순화하였고, 캔버스를 두 부분으로 나누기 위해 실제 수평선에 의존하는 것을 중단했습니다. 그러나 버스트 그림은 일종의 추가를 나타내기도 합니다. 즉, 공간의 추가입니다. 가장 간단히 말하자면, 고틀리브는 수평선이 제거되었을 때 캔버스의 상단과 하단 형태 사이에 있는 유일한 것이 공간이라는 것을 깨달았습니다. 캔버스가 클수록 형태가 더 넓게 퍼지고, 공간이 더 많이 있는 것처럼 보였습니다. 그러나 그는 공간을 단지 측정할 수 있는 거리의 관점에서만 생각하지 않았습니다. 그것은 그림의 시각적이고 감정적인 세계의 전체성과 더 관련이 있었습니다. 형태는 같은 공간을 차지하지만, 그 공간 내에서 독특한 영역을 차지합니다. 그들의 색상 공간은 독특하고; 그들의 형식 공간은 독특하며; 그들의 선형 공간은 독특하고; 그들의 지적 공간은 독특합니다. 궁극적으로, 이것은 고틀리브가 그의 버스트 그림을 인식하는 데 필수적이었던 공간의 개념입니다. 왜냐하면 그는 그것을 존재의 총체성의 고양된 표현이자, 그 개별 부분의 신화로 이해했기 때문입니다.

특집 이미지: 아돌프 고틀리브 - 트리니티, 1962. 캔버스에 유화. 80 x 185". ©아돌프 및 에스더 고틀리브 재단.
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됩니다.
필립 Barcio에 의해