아돌프 고틀리브의 버스트 시리즈의 중요성

Adolph Gottlieb는 한때 이렇게 말했습니다. “예술가의 역할은 물론 항상 이미지 제작자였습니다. 시대가 바뀌면 요구되는 이미지도 달라집니다.” Gottlieb는 여러 뚜렷이 다른 시대를 목격했고, 문화의 진화에 대응하기 위해 세 번이나 자신의 방식을 크게 바꾸었습니다. 그의 작품은 1957년에 시작해 1974년 사망할 때까지 계속 확장한 버스트 회화 시리즈에서 절정에 달했습니다. 버스트의 시각 언어는 단순하고 직접적입니다—캔버스는 위와 아래 두 구역으로 나뉩니다. 위쪽 구역에는 제한된 색상 범위의 하나 이상의 원형 형태가 자리 잡고, 아래쪽 구역에는 보통 검은색으로 그려진 소란스럽고 격렬한 에너지의 소용돌이 같은 표현이 있습니다. Gottlieb에게 버스트 회화는 그의 큰 아이디어의 궁극적 표현을 의미했습니다: 우주에는 동시에 존재하는 양극이 있다는 것, 예를 들어 어둠과 빛처럼. 일반적인 생각은 이러한 힘들을 이분법적으로 설명하는 경향이 있습니다—빛이 근본적으로 어둠과 반대라는 식으로요. Gottlieb는 빛과 어둠이 스펙트럼상의 점들이며, 같은 물질이 다른 비율로 퍼져 있는 것임을 이해했습니다. 그는 양극이 너무 비슷해서 약간의 힘에 의해 서로 바뀔 수 있다고 보았고, 그의 버스트 회화 속 두 구역도 비슷하게 작동합니다. 원형 형태는 마치 모든 것을 갖춘 듯 자신 있게 아래의 소란 위에 떠 있는 것처럼 보입니다. 그러나 둘 다 같은 그림의 일부이며 어느 쪽도 고정된 상태가 아닙니다. 위에 있는 것이 아래로 내려올 수 있고, 혼란스러워 보이는 것이 적절한 상황에서는 하나로 뭉칠 수 있습니다.

주요 버스트 작품들

버스트 회화의 예는 세계에서 가장 존경받는 미술 컬렉션 중 일부에 전시되어 있습니다. 거대한 “Blast I”(1957년, 228.7 x 114.4 cm)는 뉴욕의 MoMA에 걸려 있습니다. 그 위에는 거대한 붉은 구체가 침착하게 아래의 위협적인 검은색 붓질 무리 위에 떠 있습니다. 이 상징적인 이미지는 시리즈의 시작을 알렸고, 1973년, Gottlieb가 사망하기 1년 전에 이 아이콘을 시적으로 재해석한 작품이 다시 나타났습니다. “Burst”(1973년)는 작가가 죽기 전에 만든 마지막 작품 중 하나로, 붉은 구체가 부드러워지고 분해되기 시작해 분홍빛 태양 광선을 우주로 내보냅니다. 한편, 혼란스러운 붓질 무리는 형태의 가족처럼 흩어져 지평선 아래로 가라앉으며, 공간으로 촉수와 씨앗을 내뿜는 듯 보입니다.

Adolph Gottlieb - Blast I, 1957년. 캔버스에 유화. 7' 6" x 45 1/8" (228.7 x 114.4 cm). Philip Johnson 기금. © Adolph and Esther Gottlieb 재단/뉴욕 VAGA 라이선스. MoMA 소장.

다른 유명한 버스트 작품 중에는 현재 스미스소니언 미국 미술관 소장인 “Blues”(1962년)가 있습니다. 그 파란색과 검은색 팔레트는 침착하고 평온하며, 어둠은 일식이나 태양화된 잔상처럼 보입니다. 또 다른 거대한 버스트 작품 “Trinity”(1962년)는 크리스털 브리지 미국 미술관의 영구 소장품입니다. 이 203.2 x 469.9 cm 캔버스는 시야를 수평으로 확장합니다. 세 개의 단단한 구체—하나는 파란색, 하나는 붉은색, 하나는 검은색—가 공간에 떠 있고, 우아한 서예적 붓질 무리 위에 있습니다. 붓질은 회색 그림자를 드리우는 듯하며, 부드러운 노란 구체가 위와 아래 구역 사이 중간 지점에 떠 있습니다. “Blues”와 “Trinity”가 보여주는 변주 범위는 Gottlieb가 비교적 단순한 주제 안에서 탐구한 엄청난 변화를 보여주며, 버스트 시리즈 각 작품에 독특한 의미를 부여합니다.

Adolph Gottlieb-Icon, 1964년. 캔버스에 유화. 144 x 100". ©Adolph and Esther Gottlieb 재단.

버스트를 준비하며

그는 1920년대에 그림을 시작했지만, Gottlieb가 버스트 회화의 단순한 천재성에 도달하기까지의 여정은 1930년대에 시작되었습니다. 그때 그는 초현실주의가 무의식을 받아들이는 태도를 마음에 새겼습니다. 그는 가장 본질적인 미적 표현은 권력, 두려움, 탄생, 죽음과 같은 근본적인 존재 현실과 관련되어 있기 때문에 시대를 초월한다고 깨달았습니다: 신화의 재료들입니다. 이 생각을 연구하면서 그는 첫 주요 회화 시리즈인 픽토그래프를 개발했습니다. 추상 형태의 상징적이고 직관적인 언어를 바탕으로, 그의 픽토그래프는 격자 안에 구조화되어 현실의 구획된 표현을 전달하려는 시도였습니다. 종종 추상으로 여겨지지만, Gottlieb는 픽토그래프를 진실되고 불안하며 신비로운 인간 조건을 표현했기 때문에 사실적이라고 설명했습니다. 그는 1951년까지 이 작품들을 그렸고, 그때 시대가 새로운 것을 요구한다고 판단했습니다. 단순화된 방법을 찾기 위해 그는 격자를 버리고 캔버스를 위와 아래, 그리고 그 사이의 지평선으로 나누었습니다. 그는 이 새로운 시리즈를 상상 풍경이라고 불렀는데, 존재의 내면 풍경, 즉 감정적, 지적, 직관적, 무의식적 상태를 전달했기 때문입니다.

Adolph Gottlieb - 여자를 바라보는 남자, 1949년. 캔버스에 유화. 42 x 54" (106.6 x 137.1 cm). 작가 기증. © Adolph and Esther Gottlieb 재단/뉴욕 VAGA 라이선스. MoMA 소장.

버스트 시리즈는 상상 풍경에서 발전한 것으로, 같은 아이디어의 정수를 나타냅니다. Gottlieb는 상상 풍경의 위와 아래 부분에서 일어나는 일을 단순화하고, 캔버스를 두 부분으로 나누는 실제 지평선을 더 이상 사용하지 않았습니다. 그러나 버스트 회화는 일종의 추가를 나타내기도 합니다—공간의 추가입니다. 가장 간단히 말해, 지평선이 사라지면 캔버스 위아래 형태 사이에 남는 것은 공간뿐이며, 캔버스가 클수록 형태는 더 넓게 퍼지고 공간도 더 커 보인다는 것을 깨달았습니다. 그러나 그는 공간을 단지 측정 가능한 거리로만 생각하지 않았습니다. 그것은 회화의 시각적이고 감정적인 세계 전체와 더 관련이 있었습니다. 형태들은 같은 공간에 살지만, 그 공간 내에서 독특한 영역을 차지합니다. 그들의 색 공간은 구별되고; 형태 공간도 구별되며; 선 공간은 독특하고; 지적 공간도 독특합니다. 궁극적으로, 이것이 Gottlieb가 버스트 회화를 인식하는 데 중요한 공간 개념이었는데, 그는 이것을 존재 전체의 고양된 표현이자 그 개별 부분들의 신화로 이해했습니다.

대표 이미지: Adolph Gottlieb - Trinity, 1962년. 캔버스에 유화. 80 x 185". ©Adolph and Esther Gottlieb 재단.
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용되었습니다
작성자 Phillip Barcio