예술 객체의 비물질화란 무엇인가?

루시 리파드—미국 미술 비평의 거장, 20권 이상의 저자, 그리고 예술가들이 만든 책을 판매하는 전형적인 상점인 프린티드 매터의 공동 창립자—가 올해 80세가 되었습니다. 그녀의 수많은 다른 업적에도 불구하고, 리파드는 1968년 존 챈들러와 공동 저술한 에세이 “예술의 비물질화”로 가장 잘 알려져 있습니다(온라인에서 여기에서 확인할 수 있습니다.) 이 에세이에서 리파드는 예술이 순수한 지적주의의 단계에 들어가고 있을지도 모른다는 증거를 제시했으며, 그 결과 전통적인 예술 객체가 완전히 사라질 수 있다고 주장했습니다. 이 글은 지난 10년간의 기발한 개념 미술의 맥락을 형성하는 데 도움을 주었으며, 종종 덧없는 비아카이벌 유물만 남기거나 경험의 기록 외에는 아무 유물도 남기지 않았습니다. 개념 미술가들은 아이디어를 작업의 중심으로 삼는 데 헌신했으며, 많은 이들이 예술가들이 자신의 아이디어를 표현하기 위해 만드는 객체는 단지 폐기물일 뿐이며, 아이디어 자체만이 고려할 가치가 있다고 설득력 있게 주장했습니다. 이 에세이는 당시 엄청난 영향을 미쳤습니다: 그래서 리파드는 이 트렌드에 대한 증거를 광범위하게 분석한 6년이라는 책으로 후속 작업을 했습니다. 그러나 분명히 장기적으로 그녀의 예감은 부정확했습니다. 왜냐하면 예술 객체는 여전히 비물질화되지 않았기 때문입니다. 그럼에도 불구하고, 예술의 비물질화의 원래 출판 50주년을 기념하여, 우리는 이 영향력 있는 에세이를 깊이 있게 살펴보고 그것이 우리 시대와 어떤 관련이 있는지 강조할 순간을 가지기로 했습니다.

예술의 과학

리파드는 예술의 비물질화에서 논의한 핵심 개념을 미국 화가 조셉 실링거가 쓴 예술의 수학적 기초라는 책에 처음 제시된 아이디어를 바탕으로 하였다. 그 책에서 실링거는 모든 예술 역사를 다섯 가지 미적 현상 범주로 나누었다. 첫째, 그가 설명한 것은 모방의 "전미적" 단계였다. 다음은 의식적이거나 종교적인 예술이었다. 그 다음은 감정적인 예술이었다. 그 다음은 이성적이고 경험에 기반한 예술이었다. 그리고 실링거가 설명한 다섯 번째, 그리고 allegedly "최종적인" 미적 단계는 "과학적"이거나 그가 "포스트 미적"이라고 부른 것이었다. 그는 이 최종 단계가 "아이디어의 해방"으로 절정에 이르고 "예술의 분해"로 이어질 것이라고 예측했다.

1950년대와 60년대의 예술의 진화를 고민하면서, 리파드는 자신이 목격하고 있는 것이 예술의 다섯 번째 단계의 출현이라고 믿었다. 그리고 그녀는 그 개념에 대해 흥분했다. 그녀는 비물질화를 긍정적이고 중요한 변화로 간주했다. 결국, 미적 객체가 예술의 중심 초점으로 존재하지 않을 수 있다면, 예술은 상품화에서 해방될 수 있으며, 이는 많은 예술가들의 삶과 작업에 파괴적인 힘을 행사하는 종종 악랄한 시스템이다.

조셉 실링거 - 녹색 정사각형, 시리즈에서, 예술의 수학적 기초, 약 1934년, 종이판에 템페라, 스미소니언, 사진 출처: rendaan.com

상품의 과학

탈물질화가 시작되었다는 증거로, 리파드는 시각적이지만 물체 기반이 아닌 빛과 공간과 같은 움직임과 미니멀리즘을 인용했다. 그녀는 이러한 움직임이 예술 작품의 시각적 측면의 중요성을 감소시킨다고 믿었으며, 시각적 요소를 비물질적이고 지적인 경험을 위한 출발점으로 정의했다. 그러나 예술의 탈물질화에 대한 초기의 명백한 비판 중 하나는 이러한 덧없는 개념들이 물체 기반이 덜하더라도 여전히 물리적 현상을 초래한다는 점이었다. 심지어 퍼포먼스 아티스트도 판매할 수 있는 경험으로 기록될 수 있는 것, 즉 퍼포먼스를 창조한다.

예술가가 만드는 유물의 크기가 아무리 작더라도, 그것은 우상화되어 상품으로 거래될 수 있다. 상품화의 가능성을 완전히 피하는 유일한 방법은 아이디어를 결코 공유하지 않는 것이다: 그러면 아마도 지적 경험의 존경과 신성함이 보존될 수 있을 것이다. 그러나 공유된 아이디어만이 진정한 예술이라고 불릴 수 있다. 그리고 아이디어가 공유되는 순간, 그것은 소유되고, 조작되며, 다른 방식으로 표현되거나, 다시 말해, 물질화될 수 있다. 그리고 무언가가 물질화되는 순간, 그것은 상품으로 사고팔 수 있다.

조셉 실링거 - 리듬에 대한 미완성 연구, 예술의 수학적 기초에서 발전된 시리즈, 약 1934년, 크레용과 연필로 일러스트 보드에 그린 작품, 크기: 14 7/8 x 19 7/8 인치 (37.78 x 50.48 cm), 알브라이트-녹스 미술관 소장, 뉴욕주 버팔로

5단계

오늘 예술의 비물질화를 다시 읽으면서, 명백하게 드러나는 유일한 진실한 오류는 Schillinger가 설명한 예술의 다섯 단계를 선형적인 것으로 제시하는 방식이다. 각 세대가 현대성의 최전선에 서 있다고 생각하는 것은 항상 유혹적이다. Schillinger는 예술이 역사적으로 단계적으로 발전해 왔다고 생각했고, Lippard는 그녀가 예술을 진화의 정점으로 나아가게 하는 세대의 일원이라고 생각했다. 그러나 시간은 앞으로 나아가지 않는다; 그저 지나갈 뿐이다. 문화는 선형적이지 않다; 그것은 반복된다. 인류는 진화하는 만큼 빠르게 퇴화한다. 그리고 1960년대와 70년대의 진실은, 그리고 오늘날에도 여전히, 예술가들이 다른 이들이 그것을 물질화하는 방법을 재발견하는 만큼 빠르게 비물질화하는 방법을 찾고 있다는 것이다.

결국, 리파드는 비물질화라는 주제에 대해 글을 쓰면서도 이 사실을 깨달았음에 틀림없다. 그녀의 에세이는 예술에서 이른바 제로 포인트가 곧 도달될 가능성이 있는지를 묻는 것으로 끝난다. 그녀는 그 대답이 "그럴 가능성은 거의 없어 보인다."고 말한다. 오늘날 예술가들이 디지털 공간에만 존재하는 가상 창작물을 판매하고 있는 상황에서도, 우리는 여전히 비물질화가 환상이라고 주장할 수 있다. 볼 수 있는 것은 정의상 물질적이며, 비록 그것이 가상 현실 고글을 통해서만 볼 수 있다 하더라도 말이다. 그러나 우리의 의견으로는, 비물질화를 이루는 것이 결코 요점이 아니었음을 증명하는 것일 뿐이다. 리파드가 진정으로 말하고자 했던 요점은 시각 예술의 중요한 측면 중 하나는 더 적은 것으로 더 많이 표현하는 방법을 발견하기 위한 끊임없는 탐구에 참여하는 것이라는 것이다. 비물질화를 향해 나아가는 모든 예술가는 또한 단순함을 향해 나아가고 있다. 그리고 단순함은 진정으로 필수적인 것, 즉 진정으로 의미 있는 것을 발견하는 길로 이어진다. 그것은 분명 예술의 최종 단계가 아니다. 그러나 그것은 예술의 진정한 가치를 상기시킬 수 있는 단계이다.

특집 이미지: 조셉 실링거 - 레드 리듬 (세부), 수학적 기초에서 개발된 시리즈, 약 1934년, 종이에 구아슈, 이미지 영역: 8 x 11 15/16 인치 (20.32 x 30.32 cm); 시트: 10 1/2 x 13 7/8 인치 (26.67 x 35.24 cm), 알브라이트-녹스 미술관 소장, 버팔로, 뉴욕

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필립 Barcio