예술 객체의 비물질화란 무엇인가?

루시 리파드—미국 미술 비평의 거장, 20권 이상의 저서의 저자이자 예술가가 만든 책을 전문적으로 판매하는 Printed Matter의 공동 창립자—가 올해 80세가 되었습니다. 그녀의 수많은 업적에도 불구하고, 리파드는 1968년 존 챈들러와 공동 집필한 에세이 “예술의 비물질화”로 가장 잘 알려져 있습니다(온라인에서 여기에서 볼 수 있습니다). 이 에세이에서 리파드는 예술이 순수 지성주의 단계에 접어들고 있으며, 그 결과 전통적인 예술 작품이 완전히 사라질 수도 있다는 증거를 제시했습니다. 이 글은 그 이전 10여 년간의 매우 창의적인 개념미술을 배경으로 하며, 개념미술은 종종 일시적이고 기록으로 남지 않는 유물만을 남기거나 경험의 기록만을 남기는 경우가 많았습니다. 개념미술가들은 아이디어를 작품의 중심으로 삼는 데 전념했으며, 많은 이들이 예술가가 아이디어를 표현하기 위해 만드는 물건은 단지 폐기물에 불과하며, 오직 아이디어만이 고려할 가치가 있다고 설득력 있게 주장했습니다. 이 에세이는 당시 엄청난 영향을 끼쳤으며, 리파드는 이를 바탕으로 여섯 해라는 책을 출간해 이 경향에 대한 증거를 광범위하게 분석했습니다. 하지만 장기적으로 보면 그녀의 예언은 부정확했는데, 예술 작품은 아직까지 완전히 비물질화되지 않았기 때문입니다. 그럼에도 불구하고, 예술의 비물질화 원본 출간 50주년을 기념하여, 이 영향력 있는 에세이를 다시 살펴보고 오늘날 우리 시대에 어떤 점이 여전히 의미 있는지 조명해 보고자 합니다.

예술의 과학

리파드는 예술의 비물질화에서 논의한 핵심 개념을 미국 화가 조셉 실링거가 쓴 예술의 수학적 기초라는 책에서 처음 제시된 아이디어에 기반을 두었습니다. 그 책에서 실링거는 예술사를 다섯 가지 미적 현상 범주로 나누었습니다. 첫째는 모방의 “전미적” 단계였습니다. 다음은 의식적이거나 종교적인 예술이었고, 그 다음은 감정적 예술, 그리고 합리적이고 경험에 기반한 예술이 이어졌습니다. 그리고 다섯 번째이자 실링거가 “최종” 미적 단계라고 주장한 것은 “과학적” 또는 그가 말한 “후미적” 단계였습니다. 그는 이 마지막 단계가 “아이디어의 해방”으로 절정에 달하며 “예술의 해체”로 이어질 것이라고 예측했습니다.

1950년대와 60년대에 걸친 예술의 진화를 관찰하면서, 리파드는 자신이 목격한 현상이 바로 이 다섯 번째 예술 단계의 출현이라고 믿었습니다. 그리고 그녀는 이 생각에 대해 매우 흥분했습니다. 그녀는 비물질화를 긍정적이고 생명력 있는 변화로 여겼습니다. 결국, 미적 대상이 예술의 중심에서 사라질 수 있다면, 예술은 상품화라는, 많은 예술가들의 삶과 작업에 파괴적인 힘을 행사하는 종종 혐오스러운 체계로부터 해방될 수 있기 때문입니다.

조셉 실링거 - 녹색 사각형, 예술의 수학적 기초 시리즈 중, 약 1934년, 종이판에 템페라, 스미스소니언, rendaan.com 제공 사진

상품의 과학

비물질화가 시작되었다는 증거로서, 리파드는 시각적이지만 대상 중심이 아닌 라이트 앤 스페이스 운동과, 미적 대상을 극단적으로 축소한 미니멀리즘과 같은 운동들을 언급했습니다. 그녀는 이러한 운동들이 작품의 시각적 측면의 중요성을 줄이고, 시각을 비물질적이고 지적인 경험을 위한 출발점으로 정의한다고 믿었습니다. 하지만 예술의 비물질화에 대한 초기이자 명백한 비판 중 하나는, 이러한 일시적이고 개념적인 개념들이 대상 중심성이 줄어들었음에도 불구하고 여전히 물리적 현상을 낳는다는 점이었습니다. 퍼포먼스 아티스트조차도 공연이라는 ‘무언가’를 창조하며, 이는 경험으로 판매되거나 기록될 수 있습니다.

예술가가 만드는 유물이 아무리 미미하더라도, 그것은 숭배의 대상이 되어 상품으로 거래될 수 있습니다. 상품화의 가능성을 완전히 피하는 유일한 방법은 아이디어를 절대 공유하지 않는 것뿐입니다. 그래야만 지적 경험의 존엄성과 신성함이 보존될 수 있을지도 모릅니다. 하지만 오직 공유된 아이디어만이 진정한 예술이라 할 수 있습니다. 그리고 아이디어가 공유되는 순간, 그것은 소유되고 조작되며 다른 방식으로 표현될 수 있습니다. 다시 말해, 물질화되는 것입니다. 그리고 무언가가 물질화되는 순간, 그것은 상품으로 사고팔 수 있습니다.

조셉 실링거 - 리듬 미완성 연구, 예술의 수학적 기초에서 발전한 시리즈, 약 1934년, 크레용과 연필, 일러스트레이션 보드, 크기: 14 7/8 x 19 7/8 인치 (37.78 x 50.48 cm), 알브라이트-녹스 미술관 소장, 뉴욕 버팔로

다섯 단계

오늘날 예술의 비물질화를 다시 읽어보면, 명백한 유일한 오류는 실링거가 설명한 예술의 다섯 단계를 선형적으로 제시한 점입니다. 각 세대는 자신이 현대성의 최전선에 서 있다고 생각하는 경향이 있습니다. 실링거는 예술이 역사적으로 단계별로 발전해 왔다고 생각했고, 리파드는 자신이 예술을 진화의 절정으로 이끄는 세대의 일부라고 믿었습니다. 하지만 시간은 앞으로 나아가지 않고 그저 흘러갈 뿐입니다. 문화는 선형적이지 않고 반복됩니다. 인류는 진화만큼이나 퇴보하기도 합니다. 그리고 1960년대와 70년대, 그리고 오늘날까지도 예술가들은 비물질화를 추구하는 동시에 다른 이들은 그것을 다시 물질화하는 방법을 발견하고 있습니다.

결국 리파드도 비물질화에 대해 글을 쓰면서 이 점을 깨달았던 것 같습니다. 그녀의 에세이는 예술에서 이른바 ‘제로 포인트’가 곧 도달할 가능성이 있는지 묻는 것으로 끝납니다. 그녀가 내린 답은 “그럴 가능성은 거의 없어 보인다”입니다. 오늘날 예술가들이 디지털 공간에만 존재하는 가상 창작물을 판매하더라도, 우리는 여전히 비물질화가 환상임을 주장할 수 있습니다. 볼 수 있는 모든 것은 정의상 물질적이기 때문입니다. 비록 그것이 가상현실 고글을 통해서만 볼 수 있더라도 말입니다. 하지만 우리의 의견으로는, 이것이 오히려 비물질화 달성이 결코 진정한 목적이 아니었음을 증명하는 것입니다. 리파드가 진정으로 말하고자 한 요점은 시각 예술의 중요한 한 측면이 ‘더 적은 것으로 더 많은 것을 표현하는 방법을 끊임없이 탐구하는 것’이라는 점입니다. 비물질화를 향해 나아가는 모든 예술가는 단순함을 향해 나아가고 있습니다. 그리고 단순함은 진정으로 필수적인 것, 즉 진정으로 의미 있는 것을 발견하게 합니다. 이것이 결코 예술의 최종 단계는 아니지만, 예술의 진정한 가치를 일깨워 줄 수 있는 단계임은 분명합니다.

대표 이미지: 조셉 실링거 - 붉은 리듬 (부분), 예술의 수학적 기초에서 발전한 시리즈, 약 1934년, 종이에 구아슈, 이미지 크기: 8 x 11 15/16 인치 (20.32 x 30.32 cm); 전체 크기: 10 1/2 x 13 7/8 인치 (26.67 x 35.24 cm), 알브라이트-녹스 미술관 소장, 뉴욕 버팔로

모든 이미지는 설명 목적으로만 사용되었습니다

필립 Barcio 작성