아르피타 싱의 예술이 추상적으로 변했을 때
아르피타 싱이 1980년대 후반부터 만들어온 형상화된 그림들이 흥분과 에너지로 생동감 있게 살아납니다. 그들은 생명으로 윙윙거리며 진동하고, 인간의 조건에 대해 자신 있게 이야기합니다. 그녀의 작품에는 단일한 지배적인 서사가 없지만, 그녀가 만드는 모든 그림은 분명히 펼쳐지는 이야기를 암시합니다. 그 이야기가 정확히 무엇인지는 불분명하거나, 기껏해야 복잡합니다. 싱 자신이 답을 가지고 있지 않고, 오히려 그녀의 예술에서 부지런히 탐구하고 있는 질문들만 가지고 있는 것처럼 보입니다. 그러나 형상적 요소를 사용하는 모든 예술가처럼, 싱은 여러 번 형상화된 예술가로 분류되었습니다. 그녀는 또한 페미니스트, 모더니스트, 진보적 예술가로도 분류되었습니다. 이러한 레이블은 그녀가 그리는 생명체들, 싱이 분명히 동정하는 존재들에서 비롯된 것임에 틀림없습니다. 비록 그녀가 그들을 삶의 고통스러운 시련과 복잡성을 강조하는 환경에 배치했지만 말입니다. 그러나 레이블은 예술가와 그녀의 작품을 이해하기 위해 깊이 파고들지 않고 그림에 대해 이야기하고자 하는 사람들을 위한 약어일 뿐입니다. 아마도 어떤 예술가에게 가장 부담스러운 레이블은 국적일 것입니다. 아르피타 싱은 오로지 인도 예술가로 홍보되어 왔습니다. 그러나 르네 마그리트가 지적했듯이, “벨기에 예술을 보여주는 것은 채식주의자의 예술을 보여주는 것만큼이나 의미가 없다.” 지역적 출신은 무의미합니다. 예술은 인간 문화의 영역입니다. 그렇기 때문에 현재 뉴욕의 탈와 갤러리에서 아르피타 싱의 작품을 보는 것은 정말 기쁨입니다. 이 갤러리는 인도 아대륙의 예술가들만을 전시하는 데 전념하고 있지만, 이 특정한 작품 집합체는 1973년과 1982년 사이에 싱이 만든 추상적 드로잉으로 구성되어 있으며, 그 매력이 진정으로 보편적이라는 점에 집중하고 그 사실을 무시하는 것이 가능합니다. 그리고 싱은 세계의 시민이며, 그녀의 작품은 인류 모두에게 바치는 것입니다.
아르피타 싱, 추상성을 발견하다
아르피타 싱은 1937년 현재 방글라데시로 알려진 곳에서 태어났습니다. 그녀의 예술 경력은 다소 학문적인 환경에서 시작되었습니다. 그녀는 인도 뉴델리의 델리 폴리테크닉에서 미술 학위를 받았으며, 현재 델리 기술 대학교로 알려진 공학 학교입니다. 그러나 졸업 후 그녀는 다른 미적 방향으로 급진적인 전환을 하게 되었습니다. 그녀는 전통 인도 예술 형식으로의 복귀를 장려하는 정부 프로그램에 고용되었습니다. 이 프로그램에서 그녀는 직조 및 기타 전통 기법을 연습하며 자신의 문화의 미적 역사에 몰두하게 되었습니다. 나중에 그녀가 전문적으로 그림을 그리기 시작했을 때, 그녀는 무미건조한 정물화와 같은 영감을 받지 못한 구성에 대해 고군분투하고 있음을 깨달았습니다. 그래서 그녀는 자신의 예술의 정신과 다시 연결할 방법을 찾기 시작하면서 그 고대의 전통적 뿌리로 돌아섰습니다.
1970년대 초, 싱은 사물의 그림을 그리는 것에서 잠시 벗어나 그림을 그리는 것이 무엇인지의 기본으로 돌아갔습니다. 그녀는 자신의 기법의 제스처와 연결되었으며, 이는 직조자, 섬유 노동자 및 모든 종류의 장인들이 항상 사용해온 동일한 제스처입니다. 그녀는 종이에 그림을 그리기 시작했으며, 그곳에서 그녀는 단순히 고대의 흔적을 사용하여 선, 형태 및 형상의 형식적 요소를 표현했습니다. 색상을 절대 최소한으로 사용하고 사실적 표현에 대한 언급은 거의 없이, 그녀는 이러한 간소화된 구성들을 보편적인 미적 아이디어의 표현을 통해 조화로운 상태로 끌어올렸습니다. 이러한 그림들을 그녀의 이전 작업과 함께 살펴보면, 그녀가 갑자기 추상으로의 급진적인 전환을 이룬 것처럼 보입니다. 사물의 그림을 그리는 대신, 그녀는 갑자기 추상의 시적인 미시 세계를 만들고 있었습니다. 그러나 사실 그녀는 단순히 예술의 가장 기본적인 표현인 인간의 제스처와 물리적 세계의 본질적인 미적 요소의 표현으로 돌아갔습니다.
아르피타 싱 - 시간을 묶다 전시, 탈와 갤러리, 2017, 설치 전경
모든 것을 저장하세요
싱h가 거의 10년에 걸쳐 만든 이 추상 드로잉은 그녀가 오랫동안 갈망해온 창의적 영감을 주었습니다. 이들은 그녀에게 사물이나 이야기와의 연결 없이 감정과 느낌을 탐구할 기회를 제공했습니다. 이들은 그녀를 자신의 신체성과 도구의 신체성과 연결시켰고, 그 연결은 그녀가 그 이후로 방대한 작품을 창조하는 기초를 심어주었습니다. 그녀의 현대 회화에서의 조화, 깊이, 생동감과 활력은 그녀가 이른바 추상으로의 일탈 동안 개발한 간소화된 시각 어휘에서 나옵니다. 그러나 그녀의 인물화 작품을 주의 깊게 살펴보면, 사실 이것은 전혀 일탈이 아니었다는 것을 알 수 있습니다. 그것은 단순히 표현의 지속적인 과정의 일부였습니다. 이 겉보기에는 추상적인 작품들은 많은 구체적인 요소를 포함하고 있습니다. 그리고 그녀의 인물화는 많은 추상적인 요소를 포함하고 있습니다.
흥미롭고 아마도 드러내는 점은, 현재 Talwar Gallery에서 전시되고 있는 드로잉들이 이전에 한 번도 전시된 적이 없다는 것입니다. 아마도 Singh은 자신의 발전의 이 단계를 학습과 실험의 시간으로 보았을 것입니다. 아마도 그녀는 이러한 작품들을 공개적으로 보여줄 의도가 없었을지도 모릅니다. 왜냐하면 그녀가 자신의 방향에 변화를 주고 있다는 것으로 보이고 싶지 않았을 수도 있기 때문입니다. 또는 그녀는 추상화와 구상화의 상대적 이점에 대한 명백한 주장을 하고 싶지 않았을 수도 있습니다. 어쩌면 이러한 작품들은 단순히 그녀의 개인 스튜디오 작업의 일부였던 것일 수 있습니다. 사실, 이 작품들을 종이에 보존한 것은 그녀의 남편이었으며, 그는 또한 화가입니다. 그는 수십 년 동안 이 작품들을 보존해 주었습니다. 우리가 지금 이 보물을 고려할 수 있는 것은 그 덕분입니다. 그리고 이 드로잉들이 만들어진 이후 Singh이 창작한 모든 다른 작업을 되돌아보며 이들을 보는 것은 특히 아름답습니다. 이 작품들을 그 이후의 작품들과 맥락에서 비교할 수 있는 능력은 이 작업이 그녀의 다른 작업과 분리된 것이 아님을 재확인시켜 줍니다. 그것은 그녀의 다른 작업에 필수적입니다.
아르피타 싱 - 시간을 묶다 전시, 탈와 갤러리, 2017, 설치 전경
표면의 엄숙함
현재 전시회의 제목인 시간을 묶다는 전시의 드로잉을 바라보는 시적 출발점을 제공합니다. 싱h가 만든 많은 인물 작품은 신체적 폭력, 전쟁, 약자의 체계적 억압과 같은 현대 인류 문화에 중요한 문제를 다루고 있습니다. 시간을 묶다는 한 가지 방식으로 읽히면 누군가를 묶어야 할 시간이 왔다는 듯 위협적인 의미를 가질 수 있습니다. 그러나 이 구절은 또한 시간을 멈추고 싶어하는 일반적이고 본질적으로 인간적인, 향수를 느끼는 욕망을 언급하는 것처럼 더 온화한 방식으로 읽힐 수도 있습니다. 확실히, 이 전시는 과거의 특정 시간 동안에 만들어진 작품만을 특징으로 하며, 그 작품들은 그녀의 나머지 작품들과는 독특하기 때문에, 전시 제목에 어떤 수준의 향수가 작용하고 있는 것처럼 보입니다. 그러나 이러한 작품의 흔적과 구성의 본질적인 어둠과 강렬함을 깊이 들여다볼 때, 훨씬 더 엄숙한 무언가가 작용하고 있다고 생각하는 것도 유혹적입니다.
내가 개인적으로 아르피타 싱의 추상적인 그림을 볼 때마다 떠오르는 생각은 그것들이 발아의 시기를 이야기하는 것처럼 보인다는 것이다: 그것들은 시작과 가능성의 시기, 잠재력의 시기를 보여준다. 그것들은 원형 서사와 같다. 그것들은 다가오는 사건을 위한 무대를 마련한다. 마치 미니어처 원시 우주처럼 에너지를 방출하는 것 같다. 싱이 이러한 작품에 매우 절제된 색조를 사용했다는 사실은 나에게 토양, 공기, 물, 위대한 아래, 미래의 것들이 나타나는 부풀어 오른 표면을 떠올리게 한다. 이러한 작품들은 결국 그녀의 회화 스타일을 변화시켰고, 이전에는 존재하지 않았던 시각적 깊이와 무게를 부여했다. 그것들은 확실히 다가올 무언가의 씨앗이었다. 그리고 그것들이 나타내는 원시적 원천은 보편적이고 순수하며, 고대의 무언가를 나타낸다. 이러한 각 작품이 유기적인 과정을 통해 순간마다, 붓질마다 자신으로 응집된 것처럼, 아르피타 싱의 전체 작품도 그들로부터 나와 에너지를 통해 부분적으로 모여들고 자연스럽고 불가피하며 시적으로 펼쳐진 것처럼 보인다.
아르피타 싱 - 시간을 묶다 전시, 탈와 갤러리, 2017, 설치 전경
'타이잉 다운 타임'은 2017년 8월 11일까지 뉴욕의 탈와 갤러리에서 전시됩니다. 이는 아직 그녀의 정당한 평가를 받지 못한 예술가의 경력에서 독특한 순간을 탐구하고, 그녀가 널리 알려진 더 친숙한 인물화의 기초가 되는 보편적인 추상 요소를 고려할 수 있는 기회입니다.
특집 이미지: 아르피타 싱h - 시간을 묶다 전시, 탈와 갤러리, 2017, 설치 전경
모든 이미지는 Talwar Gallery의 제공입니다.
필립 Barcio
