스탠리 휘트니의 그리드 회화가 중요한 이유

미국의 추상 화가 스탠리 휘트니의 최근 작품들은 독특한 격자 같은 특성을 가지고 있다. 그들은 네오 플라스티시즘의 텔레비전 색상 바를 연상시키는 색상의 건축적 쌓음이다. 그리고 그의 최근 드로잉은 두꺼운 검은 선으로 구성된 단순한 구성으로 격자에 대한 그의 매력을 더욱 드러내며, 기본적인 체커보드나 어망을 닮았다. 하지만 휘트니는 항상 격자 화가였던 것은 아니다. 격자는 그가 수십 년을 거쳐 끌리게 된 것이었다. 사실, 지난 50년간 그의 그림을 돌아보면, 그 작업에 일종의 점진적인 서사를 붙일 수밖에 없다. 이 서사는 그 기원을 훨씬 넘어 확장되었고, 그 과정에서 더 단순해지고 더 심오해졌다. 이는 아이러니한데, 휘트니는 현대 미술 뉴스 팟캐스트에서 그가 추상적인 시각 언어를 채택한 이유가 "나는 정말로 이야기꾼이 되고 싶지 않았다"고 말했기 때문이다. 하지만 그의 미학적 진화는 이야기를 전한다. 그것은 전형적인 영웅적인 시작-중간-끝의 이야기 유형이 아니다. 오히려 연대기와 같거나, 진행 중인 전선에서의 뉴스 보도 시리즈와 같다. 스탠리 휘트니가 1960년대 후반에 추상화로 전환하기 전부터 벌여온 그 전투는 회화와 드로잉의 매체, 그리고 색상과 공간 표현에서의 그들의 역할과의 전투이다.

다채로운 청춘

스탠리 휘트니가 색채에 대한 탐구로 알려지게 된 것은 놀라운 일이 아니다. 이제 70대에 접어든 그는 펜실베이니아 브린 마워의 고향에 있는 동네 학교에서 첫 번째 미술 수업을 받던 10세 어린 시절에 대한 아름다운 이야기를 들려준다. 선생님은 수업에 참석한 아이들에게 자화상을 그리라고 지시했다. 다른 학생들이 각자의 사실적인 얼굴을 포착하려고 시도하는 동안, 휘트니는 표현적인 주제보다 색채에 더 끌렸다고 느꼈다.

그의 실제 외모와 관련된 색상 팔레트를 혼합하려고 시도하는 대신, 그는 자신이 생각해낼 수 있는 모든 색상을 포함한 자화상을 만들었다. 휘트니는 선생님이 그 그림을 좋아했지만 그의 부모는 그것을 이해하지 못했다고 말한다. 그들은 그를 다시 수업에 보내지 않았다. 그러나 그것이 휘트니가 그림과 색상의 가능성에 끌리는 것을 막지는 않았다. 사실, 10세 때 첫 번째 미술 수업에서 그날 이후로 스탠리 휘트니는 색상을 주제로 삼는 이상적인 방법을 찾는 데 헌신해 왔다고 말해도 과언이 아니다.

Stanley Whitney - Champagne and Lion, 2010, photo credits of Galerie Nordenhake

공간 찾기

스탠리 휘트니는 색에 대한 매력 외에도 젊은 시절 드로잉 과정에 끌렸습니다. 그의 흑백 드로잉은 처음에는 색에 대한 사랑과 관련이 없는 것처럼 보였지만, 두 가지 사이에는 그가 깨닫기까지 많은 시간이 걸린 미묘한 연결이 있었습니다. 그 연결은 공간과 관련이 있습니다. 흑백 드로잉을 만들 때, 그는 선들이 구성의 흰 공간과의 관계를 협상하면서 공간의 분포가 무수한 방식으로 발생할 수 있음을 발견했습니다. 그러나 그가 그림 그리기에 더 능숙해지면서, 그는 색으로 그 같은 공간의 협상을 어떻게 이룰 수 있을지에 대해 혼란스러워했습니다.

그의 초기 형상 작품에서 색상은 폐쇄적이고 조여진 느낌을 준다. 색면화(Color Field Painting)에 제스처 마킹을 추가한 추상화의 첫 시도에서는 색상이 너무 느슨하게 느껴진다. 그는 “작품에 많은 공기를 원해. 작품에 많은 공간을 원해.”라고 말했다. 하지만 그는 캔버스의 공간 위에 공기를 어떻게 만들어낼지에 대해 고민하고 있는 것 같았다. 그의 계시는 1970년대 지중해 여행 중에 찾아왔다. 이집트와 로마를 방문하면서 그는 건축과 빛에서 해답을 보았다. 고대 건축은 구조, 통제, 쌓인 요소의 민주적 잠재력을 표현했다. 지중해의 그림자와 빛은 그에게 색상과 빛이 동일하다는 것을 보여주었고, 차가운 색상과 따뜻한 색상, 차가운 빛과 따뜻한 빛이 공간을 표현한다는 것을 알게 했다. 이것은 그가 말하듯이 “공기와 공간이 색상 안에 있을 수 있다, 색상이 공간 위에 있는 것이 아니다.”라는 회화의 신비를 열어주었다.

Stanley Whitney - Untitled, 2013, graphite on paper, photo credits of Galerie Nordenhake

체계적인 과정

“그것은 모든 것이 하나로 모이기 시작한 순간이었다,” 휘트니가 말한다. 그 시점 이후로 그는 오늘날 그가 만드는 그리드 회화로 천천히 발전해왔다. 그는 색상이 선으로 어떻게 표현될 수 있는지를 결정하기 위해 그래피티 같은 제스처를 사용하는 것을 탐구해왔으며, 이는 몬드리안의 작업과 유사하다. 그는 쌓인 형태에서 점과 색상 띠의 행에 이르기까지 그리드에 접근하는 방법을 검토해왔다. 그는 자신의 색상을 공정한 방식으로 담을 수 있는 골격 구조를 원했지만, 그리드의 규칙이 그의 작품을 특정 방향으로 강요하는 것을 원하지 않았다. 그는 재즈처럼 구조와 자유의 완벽한 조화를 찾고 싶었다.

Stanley Whitney - Lush Life, 2014, oil on linen, photo credits of Galerie Nordenhake

스탠리 휘트니가 지금 만드는 성숙한 그리드 작품들은 순수하고 안정적이다. 처음에는 그의 초기 작업들이 그렇게 생동감 있게 느껴지게 했던 거칠음과 불안감이 부족한 것처럼 보이기도 한다. 그러나 더 가까이 살펴보면 인간의 손이 남긴 화가의 흔적이 분명히 드러나고, 구성의 복잡성은 휘트니가 여전히 그의 수수께끼와 씨름하고 있음을 드러낸다. 그는 색상을 주제로 삼는 방법을 찾았다. 그는 색상과 빛이 동일하며 둘 다 공간의 표현이라는 비밀을 발견했다. 그리고 이러한 발견을 통해 그는 풍부하고 부인할 수 없이 의미가 가득한 작품을 만들어냈다. 그러나 그의 발견에도 불구하고 그는 날카로운 칼날의 가장자리에 남아 있으며, 그 의미가 정확히 무엇인지 결코 드러내지 않거나, 어쩌면 결코 알지 못하거나 알기를 원하지 않는다.

Stanley Whitney - Manhattan, 2015, oil on canvas, photo credits of Galerie Nordenhake

특집 이미지: 스탠리 휘트니 - 제목 없음, 2016, 리넨에 유화, 갤러리 노르덴하케의 사진 크레딧
모든 이미지 © 아티스트 및 Galerie Nordenhake;
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됩니다.
필립 Barcio