스탠리 휘트니의 그리드 회화가 중요한 이유

미국의 추상화가 Stanley Whitney의 최근 작품들은 뚜렷한 격자무늬 특성을 지니고 있습니다. 이 작품들은 네오플라스티시즘 텔레비전 색상 막대를 연상시키는 건축적인 색채의 층으로 이루어져 있습니다. 그리고 그의 최근 드로잉은 격자에 대한 그의 매력을 더욱 명확히 드러내며, 단순한 두꺼운 검은 선들로 구성된 조잡한 체커보드나 어망을 닮은 구성을 보여줍니다. 하지만 Whitney는 항상 격자 화가였던 것은 아닙니다. 격자에 끌리기까지 수십 년이 걸렸습니다. 사실 지난 50년간 그의 작품을 살펴보면, 그 기원을 훨씬 넘어선 점진적인 서사를 자연스럽게 떠올리게 되며, 그 과정에서 작품은 더욱 단순하면서도 깊이를 더해왔습니다. 이는 아이러니한데, Whitney가 모던 아트 뉴스 팟캐스트에서 한 말에 따르면, 그가 추상적 시각 언어를 채택한 이유는 “나는 사실 이야기를 전하고 싶지 않았다”고 했기 때문입니다. 하지만 그의 미적 진화는 이야기를 전합니다. 그것은 전형적인 영웅적 시작-중간-끝의 이야기가 아니라, 오히려 연대기나 계속되는 전투의 최전선에서 전해지는 일련의 뉴스 보도와 같습니다. 이 전투는 1960년대 후반 추상화에 눈을 돌리기 전부터 Stanley Whitney가 벌여온 것으로, 회화와 드로잉 매체, 그리고 색과 공간 표현에서의 역할과의 싸움입니다.

다채로운 어린 시절

Stanley Whitney가 색채 탐구로 알려진 것은 놀라운 일이 아닙니다. 현재 70대인 그는 펜실베이니아 주 브린모어 고향에서 처음으로 동네 학교에서 그림 수업을 받던 열 살 때의 아름다운 이야기를 들려줍니다. 선생님은 아이들에게 자화상을 그리라고 했습니다. 다른 학생들이 각자의 실제 모습을 담으려 애쓸 때, Whitney는 재현적 주제보다 색에 더 끌렸습니다.

자신의 실제 모습과 관련된 색상을 섞으려 하지 않고, 자신이 생각해낼 수 있는 모든 색을 포함한 자화상을 그렸습니다. Whitney는 선생님이 그 그림을 좋아했지만 부모님은 이해하지 못했다고 말합니다. 그래서 다시는 수업에 보내지 않았습니다. 하지만 그것이 Whitney가 회화와 색채의 가능성에 끌리는 것을 막지 못했습니다. 사실, 그 열 살 때 첫 그림 수업 이후로 Stanley Whitney는 색을 주제로 삼는 이상적인 방법을 찾는 데 헌신해왔다고 해도 과언이 아닙니다.

Stanley Whitney - 샴페인과 사자, 2010, 사진 제공 Galerie Nordenhake

공간 찾기

색에 대한 매력 외에도, Stanley Whitney는 젊은 시절 드로잉 과정에도 끌렸습니다. 그의 흑백 드로잉은 처음에는 색에 대한 사랑과 무관해 보였지만, 두 가지 사이에는 그가 오랜 세월 깨닫게 된 미묘한 연결고리가 있었습니다. 그 연결고리는 공간과 관련이 있습니다. 흑백 드로잉을 할 때, 선들이 구성 내 흰 공간과 관계를 맺으며 공간 분배가 무수히 다양한 방식으로 이루어질 수 있음을 발견했습니다. 그러나 회화에 더 능숙해지면서, 그는 색으로 그 같은 공간의 협상을 어떻게 이룰지 혼란스러워했습니다.

초기 인물화 작품에서는 색이 답답하고 꽉 찬 느낌을 줍니다. 색면화에 제스처를 더한 추상 시도에서는 색이 너무 느슨하게 느껴졌습니다. 그는 “작품에 많은 공기가 있길 원한다. 작품에 많은 공간이 있길 원한다”고 말했습니다. 하지만 캔버스 공간 위에 어떻게 공기 같은 느낌을 만들지에 대해 막혀 있었습니다. 그의 깨달음은 1970년대 지중해 여행에서 왔습니다. 이집트와 로마를 방문하며 건축과 빛에서 해답을 보았습니다. 고대 건축은 구조, 통제, 그리고 쌓인 요소들의 민주적 가능성을 표현했습니다. 지중해의 그림자와 빛은 색과 빛이 같으며, 차가운 색과 뜨거운 색이 차가운 빛과 뜨거운 빛처럼 공간을 표현한다는 것을 보여주었습니다. 이것이 회화의 수수께끼를 풀어주었고, 그는 “공기와 공간이 색 안에 있을 수 있다, 색이 공간 위에 있는 것이 아니다”라고 말합니다.

Stanley Whitney - 제목 없음, 2013, 종이에 흑연, 사진 제공 Galerie Nordenhake

체계적인 과정

“그것이 모든 것이 맞물리기 시작한 출발점이었다”고 Whitney는 말합니다. 그때부터 그는 오늘날 만드는 격자화로 천천히 진화해왔습니다. 그는 Mondrian의 작업과 유사하게 선으로 색을 표현하는 그래피티 같은 제스처를 탐구했습니다. 격자에 접근하는 방법도 쌓인 형태에서 점과 색 띠의 행으로 다양하게 실험했습니다. 그는 색을 공평하게 담을 골격 틀을 원했지만, 격자의 규칙이 작품을 특정 방향으로 강요하는 것은 원하지 않았습니다. 그는 재즈처럼 구조와 자유의 완벽한 조화를 찾고자 했습니다.

Stanley Whitney - 풍요로운 삶, 2014, 리넨에 유화, 사진 제공 Galerie Nordenhake

Stanley Whitney가 현재 만드는 성숙한 격자 작품들은 순수하고 안정적입니다. 처음에는 그의 초기 작품에서 느껴졌던 거칠고 불안한 생동감이 다소 부족해 보일 수도 있습니다. 하지만 자세히 보면 인간의 손길이 느껴지는 붓질과 복잡한 구성이 그가 여전히 자신의 난제를 깊이 고민하고 있음을 드러냅니다. 그는 색을 주제로 삼는 방법을 찾아냈고, 색과 빛이 같으며 둘 다 공간의 표현임을 발견했습니다. 이러한 발견을 통해 그는 풍부하고 부인할 수 없이 의미가 가득한 작품 세계를 구축했습니다. 그러나 그 발견에도 불구하고 그는 언제나 날카로운 경계에 머물며, 그 의미가 정확히 무엇인지 밝히지 않거나, 혹은 알지 못하거나 알기를 원하지 않는 듯합니다.

Stanley Whitney - 맨해튼, 2015, 캔버스에 유화, 사진 제공 Galerie Nordenhake

대표 이미지: Stanley Whitney - 제목 없음, 2016, 리넨에 유화, 사진 제공 Galerie Nordenhake
모든 이미지 © 작가 및 Galerie Nordenhake;
모든 이미지는 설명 목적으로만 사용됨
필립 Barcio 작성