메리 애보트 - 추상 표현주의의 가장 중요한 예술가 중 한 명

많은 사람들이 2016년에 메리 애보트의 그림을 처음 접했습니다. 그녀는 덴버 미술관에서 열린 여성의 추상 표현주의 전시회에 포함된 12명의 화가 중 한 명이었습니다. 전시회를 준비하기 위해 미술관은 100명 이상의 예술가의 작품을 고려했습니다. 그들이 최종적으로 선택한 예술가들은 추상에 대한 평생의 헌신과 그 운동의 역사에 미친 깊은 영향의 조합을 바탕으로 선정되었습니다. 그렇다면 지난 세기 가장 중요한 예술 운동 중 하나에 깊은 영향을 미친 것으로 여겨지는 예술가가 현대 관객에게는 거의 알려지지 않은 이유는 무엇일까요? 애보트가 한 인터뷰에 따르면, 그녀의 업적이 과시되거나, 그녀의 영향력에 대한 인정을 받거나, 예술 역사에 대한 기여가 인정받는 것들은 그녀에게 그리 중요하지 않다고 합니다. 현재 90대 중반에도 여전히 자신의 스튜디오에서 활동하고 있는 애보트는 자신이 가장 중요하다고 믿는 것, 즉 예술 창작에 집중하는 것에 만족하는 것 같습니다. 그리고 평판과 같은 무관한 것들은 스스로 해결되도록 두는 것 같습니다.

구글이 알아요

메리 애보트가 자신을 다루는 겸손함을 빼앗는 것은 아니지만, 우리는 최소한 이 예술가가 현대 미술 역사에 미친 구체적인 영향을 인정하는 데 몇 개의 단락이 할애되어야 한다고 생각합니다. 그것은 그녀가 화가 윌렘 드 쿠닝의 작품에 미친 영향입니다. 애보트가 드 쿠닝에게 얼마나 깊은 영향을 미쳤는지 직접 확인하려면, 우리가 연구 중에 실시한 다음 테스트를 반복해 보십시오: 애보트의 루시라는 그림에 대한 구글 이미지 검색을 해보세요. 우리가 이 검색을 했을 때, 그 그림의 미적 특성에 기반하여 구글은 추상 표현주의 드 쿠닝이라는 문구를 제안했고, 거의 전적으로 윌렘의 그림으로 구성된 시각적으로 유사한 이미지 선택을 제공했습니다.

Mary Abbott - Oisins Dream, 1952, Oil paint and oil stick on canvas, 68 x 84 in, Photo courtesy of the Denver Art Museum, © Mary Abbott

단 몇 초 만에 구글은 예술계가 반세기 이상 걸쳐 알아낸 것을 깨달았다. 메리 애봇은 윌렘 드 쿠닝의 가까운 친구이자 영감의 원천이었다. 그녀는 자주 그를 비롯한 뉴욕 스쿨의 주요 화가들을 집으로 초대하여 토론과 그녀가 준비한 식사를 함께 했다. 그 후 그녀는 드 쿠닝과 함께 자신의 스튜디오로 물러나는 경우가 많았다. 물론, 드 쿠닝은 이제 1955년에 그린 인터체인지라는 가장 비싼 그림 중 하나를 그린 화가로 알려져 있다. 애봇이 1950년대 초반에 그린 첫 번째 추상 풍경화들과의 나란히 비교한 결과는 드 쿠닝이 몇 년 후 채택한 스타일과 팔레트가 놀라울 정도로 유사하다는 것을 보여준다. 이는 인터체인지가 속한 시리즈로 시작된다.

Mary Abbott - Willem de Kooning, Interchange, 1955, Oil on canvas, 79.0 in × 69.0 in, from the private collection of Kenneth C. Griffin, © Mary Abbott

상상력을 그리다

아마도 메리 애보트가 누가 누구에게 영향을 미쳤는지에 대해 큰 소동을 일으키지 않는 이유는 그녀가 자신을 더 큰 현상의 일부로 보고 있기 때문일 것이다. 그녀의 관점에서, 그녀가 속했던 동료 예술가들의 공동체를 통해 전파된 아이디어와 관행은 어떤 개인의 것이 아니다. 그것들은 공동의 의식의 산물이며, 그것들과 연결되어 있다고 느끼는 누구나 자유롭게 그리고 생산적으로 탐구해야 한다. 이것이 그녀가 1948년에 배운 철학의 본질이다. 그 해에 설립된 일종의 반학교인 예술가의 주제 학교에 참석했을 때.

아티스트 학교의 주제의 창립자는 윌리엄 바지오티스, 마크 로스코, 데이비드 헤어, 로버트 마더웰, 그리고 바넷 뉴먼이었다. 그들은 장 아르프, 아돌프 고틀리브, 아드 레인하르트와 같은 예술가들의 강의를 열었고, 참석자는 이전에 배운 것을 잊고 그들의 예술을 보는 완전히 새로운 방법에 마음을 열 준비가 되어 있다면 누구나 참석할 수 있었다. 학교는 단 1년 만에 문을 닫았지만, 거의 즉시 인근 로프트에서 클럽으로 다시 나타났다. 그곳에서 아보트는 그녀가 말하길, “상상력을 그리는 법”을 배웠다.

Mary Abbott - All Green, 1954, Oil on linen, 49 x 45 in., Courtesy of Denver Art Museum, © Mary Abbott

제스처와 색상

메리 애봇이 그녀의 경력 동안 창조한 수많은 작품들은 제스처와 색상의 장엄한 잠재력을 보여주는 가장 놀라운 예 중 하나입니다. 이 작품들은 에너지와 분위기를 구현합니다. 그녀는 자연에서 접한 색상에서 영감을 받아, 그 색상이 불러일으킨 감정을 내면화하고, 그 감정을 페인트로 표현하는 작업에 자신을 바쳤습니다. 그녀는 탐구 외에는 어떤 다른 충동에서도 자유로웠습니다. 그녀는 이렇게 말했습니다. “내 자신을 통해 살아있는 자연의 강도를 탐구하며––매체인 페인트, 색상, 선을 사용하여 살아있는 공간의 시를 정의하는 것.”

추상 표현주의와 관련된 주요 갤러리에서 그녀의 작품이 전시되었음에도 불구하고, 메리 애봇은 오늘날까지도 제한된 전시 이력을 가지고 있다. 아마도 그녀의 자유와 겸손, 그리고 배우고 일하는 데 대한 헌신이 시장이 그녀의 작품에 주목하는 것을 제한하는 데 일조했을 것이다. 그것은 손실로 인식될 수 있다. 그러나 그녀가 드물게 전시한 것은 또한 선물이다. 우리는 이제 애봇이 창조한 방대한 작품의 부를 깨닫고 있으며, 추상 표현주의의 알려지지 않은 측면에 대한 매혹적인 통찰을 받고 있다. 그리고 처음으로 많은 사람들이 우리 시대의 숨겨진 거장의 깊은 감정과 아름다움을 즐길 기회를 얻고 있다.

Mary Abbott - Untitled, Haiti, 1953, Oil on canvas, 38 x 48 in., © Mary Abbott

특집 이미지: 메리 애봇 - 루시, 유화, 71 x 75 인치, 이미지 제공: 발라리노 파인 아트, 뉴욕, © 메리 애봇
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됩니다.
필립 Barcio