Een museum in Tasmanië verzamelt de oprichters van de Zero Kunstbeweging

De Australische kunstverzamelaar en gokmagnaat David Walsh opende onlangs een baanbrekende tentoonstelling van de Zero kunstbeweging in zijn Museum of Old and New Art (MONA) in Hobart, Tasmanië. De tentoonstelling, getiteld ZERO, toont werken van 16 kunstenaars uit zeven landen, waarvan verschillende voor het eerst sinds hun debuut meer dan een halve eeuw geleden zijn geïnstalleerd. Voor nog meer drama voor bezoekers, en een extra reden om de reis naar deze afgelegen plek te maken, is de omgeving waarin deze monumentale tentoonstelling plaatsvindt. MONA ligt grotendeels ondergronds. Het gebouw is meerdere verdiepingen diep gebouwd onder een paar markante gebouwen van de Australische modernistische architect Roy Grounds. In tegenstelling tot de meeste andere musea, die natuurlijk licht verwelkomen en proberen bezoekers het gevoel te geven dat ze zich in een open, gastvrije ruimte bevinden, is MONA beslist onnatuurlijk en soms zelfs een beetje onvriendelijk. Bij binnenkomst dalen bezoekers af in een enigszins vreemde omgeving waar de kracht van de architectuur vaak concurreert met de kunst die het moet ondersteunen. Toch drijft de ruimte kijkers ook om troost te zoeken bij elkaar en bij het werk. Op een bepaalde manier is de setting ideaal om het werk van de Zero-kunstenaars te tonen, omdat het twee van hun essentiële ideeën belichaamt: dat kunst gaat over mogelijkheden en het onbekende, en dat het echte ervaringen moet omvatten tussen mensen, materialen en ruimte.

Gered door Zero

De Zero-beweging werd in 1957 opgericht door Heinz Mack en Otto Piene uit een verlangen om opnieuw te beginnen. Net als veel van hun tijdgenoten streefden Mack en Piene ernaar om aan het verleden te ontsnappen en weg te komen van het egoïsme en de emotie die zoveel van de kunst uit hun tijd beheersten. In Düsseldorf, waar ze woonden en werkten, waren er weinig kunstgalerijen. En elders neigde de smaak van de markt naar kunstwerken die een soort “cultus van individualiteit” uitdrukten, belichaamd door esthetische posities die persoonlijke emotie uitdrukten, zoals Tachisme, Art Informel en Abstract Expressionisme. Mack en Piene beschouwden samenwerking als belangrijker dan individualisme. Ze geloofden dat de waarde van kunst lag in de ervaring die het kon opwekken tussen makers, kijkers, materialen en omgevingen. Ze vonden dat het traditionele, enkelvoudige, door de kunstenaar gemaakte object dood was, en ze wilden een nieuw beginpunt creëren van waaruit de toekomst kon wortelen.

Otto Piene - Pirouetten (Pirouettes), jaren 60; herbouwd in 2012. Collectie More Sky © Otto Piene. VG Bild-Kunst/ Copyright Agency, 2018. Afbeelding met dank aan Museum of Old and New Art (Mona)

Mack en Piene organiseerden hun eerste tentoonstelling van wat zij als de toekomst van de kunst beschouwden op 11 april 1957, in hun atelier. Het was een eenmalige gebeurtenis bedoeld om vergankelijkheid te omarmen. De show wekte enorme belangstelling en werd snel gevolgd door meerdere andere ervaringsgerichte, eenmalige tentoonstellingen. Maar pas na hun vierde tentoonstelling, in september 1957, bedachten ze het woord Zero om hun samenwerking te beschrijven. Het woord moest het idee overbrengen dat het verleden officieel voorbij was—het was een startpunt voor de toekomst. Zoals Piene het omschreef: “We zagen de term... als een woord dat een zone van stilte en pure mogelijkheden voor een nieuw begin aanduidt, zoals bij de aftelling wanneer raketten opstijgen—zero is de onmeetbare zone waarin de oude toestand overgaat in de nieuwe.”

Adolf Luther - Flaschenzerschlagungsraum, (Flessenbreekruimte), 1961; herbouwd in 2018. Collectie Adolf Luther Stiftung, Krefeld. Copyright: Adolf Luther Stiftung. Afbeelding met dank aan Museum of Old and New Art (Mona)

ZERO, niet Zero

Ondanks de openheid van de beweging hadden Mack en Piene één vreemde eigenaardigheid. Ze bepaalden dat wanneer over hen geschreven werd, de oprichters aangeduid moesten worden als “Zero,” terwijl andere verbonden kunstenaars aangeduid moesten worden als “ZERO.” Daarom gebruikt de tentoonstelling in MONA hoofdletters—omdat het vooral werken toont van het grotere internationale netwerk van kunstenaars die zich met de filosofie verbinden. Niettemin maakt ZERO bij MONA duidelijk dat er geen buitenstaanders waren in de beweging. Iedereen was welkom. Er was geen Zero-manifest, en er was geen officieel lidmaatschap. Deze houding leidde tot een grote verscheidenheid aan werk van ZERO-kunstenaars, belichaamd in deze tentoonstelling door de heropvoering van zulke baanbrekende ZERO-werken als “Flessenbreekruimte” (1961) van Adolf Luthor, en “Spiegelomgeving” (1963) van Christian Megert. De gastvrije houding van de beweging wordt ook getoond in deze tentoonstelling door de opname van kunstenaars uit vele andere internationale bewegingen die Zero hielp inspireren, zoals de Gutai Groep in Japan, tot Nouveau Réalisme in Parijs, tot Licht en Ruimte in de Verenigde Staten, tot de internationale beweging bekend als Fluxus. Deze verbindingen worden aangetoond door zeldzame werken van Marcel Duchamp, Roy Lichtenstein en Yayoi Kusama, bijvoorbeeld, die aspecten van hun praktijk belichten die heel anders zijn dan het werk waarvoor ze vooral bekend zijn.

Roy Lichtenstein - Zeegezicht II, 1965. Collectie Kern, Großmaischeid. Copyright: Nalatenschap van Roy Lichtenstein/Copyright Agency, 2018. Afbeelding met dank aan de kunstenaar en Museum of Old and New Art (Mona)

Een van de belangrijkste aspecten van deze tentoonstelling is dat het de hedendaagse aandacht heroriënteert op de noodzaak om de hedendaagse kunst te vernieuwen. Hoewel de oprichters van Zero officieel in 1966 uit elkaar gingen, is de beweging die zij begonnen nooit echt geëindigd. En deze tentoonstelling hint ook op iets nog belangrijkers: het idee dat de Zero-kunstbeweging misschien nooit echt begonnen is. Het was wellicht geen beweging die op één plaats en tijd werd uitgevonden, maar maakte eigenlijk deel uit van een veel groter continuüm dat oneindig teruggaat, tot het eerste moment dat mensen verlangden visuele verschijnselen te gebruiken om voorbij zichzelf te reiken naar iets puurs en nieuws. De werken in ZERO bij MONA zijn zo fris en zo levendig, zelfs nu, dat ze mij inspireren te geloven dat ZERO misschien zelfs vandaag voortduurt, telkens wanneer groepen kunstenaars samenkomen om samen te werken aan esthetische creaties die verder gaan dan wat verwacht wordt, of wat al bekend is. Op dit moment is deze tentoonstelling en de boodschap die het uitzendt essentieel. Het herinnert ons aan dat kernbeginsel van Zero-kunst: dat kunst gaat over ervaringen en relaties tussen mensen, hun omgeving en hun gezamenlijke inspanningen om een betere toekomst te bedenken. ZERO bij MONA is te zien tot 22 april 2019.

Afbeelding uitgelicht: Gianni Colombo - Spazio elastico, (Elastische Ruimte), 1967–68. Collectie Gianni Colombo Archief, Milaan © Gianni Colombo Archief. Afbeelding met dank aan Museum of Old and New Art (Mona)

Door Phillip Barcio