Een museum in Tasmanië verzamelt de oprichters van de Zero Kunstbeweging

De Australische kunstverzamelaar en gokmagnaat David Walsh heeft onlangs een belangrijke tentoonstelling van de Zero kunstbeweging geopend in zijn Museum of Old and New Art (MONA) in Hobart, Tasmanië. Getiteld ZERO, bevat de tentoonstelling werken van 16 kunstenaars uit zeven landen, waarvan verschillende voor het eerst zijn geïnstalleerd sinds hun debuut meer dan een halve eeuw geleden. Voor bezoekers biedt de omgeving waarin deze monumentale tentoonstelling plaatsvindt nog meer drama en meer reden om de reis naar deze afgelegen locatie te maken. MONA is grotendeels ondergronds. Het gebouw is enkele verdiepingen onder een paar markante gebouwen van de Australische modernistische architect Roy Grounds gebouwd. In tegenstelling tot de meeste andere musea, die natuurlijk licht verwelkomen en proberen bezoekers het gevoel te geven dat ze zich in een open, gastvrije ruimte bevinden, is MONA beslist onnatuurlijk en soms zelfs een beetje onwelkom. Bij binnenkomst dalen bezoekers af in een enigszins vreemde omgeving waar de kracht van de architectuur vaak concurreert met de kunst die het bedoeld is te ondersteunen. Toch drijft de ruimte ook kijkers om comfort bij elkaar en bij het werk te zoeken. Op een bepaalde manier is de setting ideaal voor het tonen van het werk van de Zero-kunstenaars, omdat het twee van hun essentiële ideeën belichaamt: dat kunst gaat over mogelijkheden en het onbekende, en dat het echte ervaringen tussen mensen, materialen en ruimte moet omvatten.

Gered door Nul

De Zero-beweging werd in 1957 opgericht door Heinz Mack en Otto Piene uit een verlangen om opnieuw te beginnen. Net als veel van hun tijdgenoten streefden Mack en Piene ernaar om aan het verleden te ontsnappen en weg te komen van het egoïsme en de emotie die zoveel van de kunst van hun tijd in handen hadden genomen. In Düsseldorf, waar ze woonden en werkten, waren er weinig kunstgalerijen. En elders neigden de smaken van de markt naar kunstwerken die een soort "cult van individualiteit" uitdrukten, belichaamd door esthetische posities die persoonlijke emotie uitdrukten, zoals Tachisme, Art Informel, en Abstract Expressionisme. Mack en Piene beschouwden samenwerking als belangrijker dan individualisme. Ze geloofden dat de waarde van kunst lag in de ervaring die het kon opwekken tussen makers, kijkers, materialen en omgevingen. Ze voelden dat het traditionele, enkelvoudige, door de kunstenaar gemaakte object dood was, en ze wilden een nieuw startpunt creëren van waaruit ze de toekomst konden laten wortelen.

Otto Piene - Pirouetten (Pirouettes), jaren 1960; opnieuw gemaakt in 2012. Collectie More Sky © Otto Piene. VG Bild-Kunst/ Copyright Agency, 2018. Afbeelding met dank aan Museum of Old and New Art (Mona)

Mack en Piene hielden op 11 april 1957 hun eerste tentoonstelling van wat zij beschouwden als de toekomst van de kunst, in hun studio. Het was een eenmalige gebeurtenis die bedoeld was om ephemeriteit te omarmen. De tentoonstelling genereerde enorme belangstelling en werd snel gevolgd door verschillende andere experimentele, eenmalige tentoonstellingen. Maar pas na hun vierde tentoonstelling, in september 1957, kwamen ze op het idee om het woord Zero te gebruiken om hun samenwerking te beschrijven. Het woord was bedoeld om het idee over te brengen dat het verleden officieel was geëindigd - het was een startpunt voor de toekomst. Zoals Piene het beschreef: “We beschouwden de term... als een woord dat een zone van stilte en pure mogelijkheden voor een nieuw begin aangeeft, zoals bij de aftelling wanneer raketten opstijgen - nul is de onmeetbare zone waarin de oude staat overgaat in de nieuwe.”

Adolf Luther - Flaschenzerschlagungsraum, (Bottle Smashing Room), 1961; opnieuw gemaakt in 2018. Collectie Adolf Luther Stiftung, Krefeld. Auteursrecht: Adolf Luther Stiftung. Afbeelding met dank aan Museum of Old and New Art (Mona)

NUL, niet nul

Ondanks de openheid van de beweging, hadden Mack en Piene één vreemde conceit. Ze stipuleerden dat wanneer er over hen geschreven werd, de oprichters als "Zero" moesten worden aangeduid, terwijl andere geassocieerde kunstenaars als "ZERO" moesten worden aangeduid. Dit is de reden waarom de tentoonstelling bij MONA alleen hoofdletters gebruikt—omdat het voornamelijk werken van het grotere internationale netwerk van kunstenaars die zich associëren met de filosofie bevat. Niettemin, zoals ZERO bij MONA duidelijk maakt, waren er geen buitenstaanders in de beweging. Iedereen was welkom. Er was geen Zero-manifest en er was geen officiële lidmaatschap. Deze houding resulteerde in een enorme verscheidenheid aan werk dat werd gecreëerd door ZERO-kunstenaars, belichaamd in deze tentoonstelling door de recreatie van zulke belangrijke ZERO-werken als "Bottle Smashing Room" (1961) van Adolf Luthor, en "Mirror Environment" (1963) van Christian Megert. De verwelkomende houding van de beweging wordt ook in deze tentoonstelling aangetoond door de opname van kunstenaars uit de vele andere internationale bewegingen die Zero hielp inspireren, zoals de Gutai Group in Japan, tot Nouveau Realisme in Parijs, tot Light and Space in de Verenigde Staten, tot de internationale beweging die bekend staat als Fluxus. Zeldzame werken van Marcel Duchamp, Roy Lichtenstein en Yayoi Kusama, bijvoorbeeld, demonstreren deze verbindingen en benadrukken aspecten van hun praktijk die heel anders zijn dan het werk waarvoor ze voornamelijk bekend zijn.

Roy Lichtenstein - Zeelandschap II, 1965. Collectie Kern, Großmaischeid. Auteursrecht: Erfenis van Roy Lichtenstein/Auteursrechtenbureau, 2018. Afbeelding met dank aan de kunstenaar en Museum of Old and New Art (Mona)

Een van de belangrijkste aspecten van deze tentoonstelling is dat het de hedendaagse aandacht opnieuw richt op de noodzaak om hedendaagse kunst te vernieuwen. Hoewel de oprichters van Zero officieel in 1966 zijn ontbonden, is de beweging die ze zijn begonnen nooit echt geëindigd. En deze tentoonstelling hint ook op iets nog belangrijkers: het idee dat de Zero-kunstbeweging misschien nooit echt is begonnen. Het was misschien geen beweging die op één plek op één moment is uitgevonden, maar maakte eigenlijk deel uit van een veel groter continuüm dat oneindig teruggaat, naar het eerste moment dat mensen verlangden naar het gebruik van visuele fenomenen om verder te reiken dan henzelf, naar iets puur en nieuws. De werken in ZERo bij MONA zijn zo fris en zo vitaal, zelfs nu nog, dat ze me inspireren om te geloven dat ZERO misschien zelfs vandaag de dag voortduurt, wanneer groepen kunstenaars samenkomen om samen te werken aan esthetische creaties die verder gaan dan wat verwacht wordt, of wat al bekend is. Op dit moment is deze tentoonstelling en de boodschap die het uitzendt essentieel. Het herinnert ons aan dat sleutelprincipe van Zero-kunst: dat kunst gaat over ervaringen en relaties tussen mensen, hun omgeving en hun gezamenlijke inspanningen om een betere toekomst te verbeelden. ZERO bij MONA is te zien tot 22 april 2019.

Uitgelichte afbeelding: Gianni Colombo - Spazio elastico, (Elastische Ruimte), 1967–68. Collectie Gianni Colombo Archief, Milaan © Gianni Colombo Archief. Afbeelding met dank aan Museum of Old and New Art (Mona)

Door Phillip Barcio