Kunnen we een abstract element vinden in de Duitse expressionistische kunst?

Donker. Angstig. Beangstigend. Primitief. Ruw. Dit zijn enkele van de woorden die mensen gebruiken om Duitse Expressionistische kunst te beschrijven. Voor een visuele referentie van wat die mensen bedoelen, stel je De Schreeuw voor, het beroemde schilderij dat meerdere keren is gerecreëerd door de Noorse kunstenaar Edvard Munch, beginnend in 1893. Dat vervormde, emotionele, gruwelijk mooie beeld belichaamt de vele redenen waarom Munch een primaire inspiratie was voor Duitse Expressionistische schilders. Dus wie waren deze kunstenaars, en wat leidde hen tot de ontwikkeling van zo'n dreigende esthetiek? Misschien is een interessantere vraag of hun esthetiek eigenlijk zo dreigend is als het lijkt. Veel mensen vinden de schilderijen van de Duitse Expressionisten spookachtig en evocatief. Sommigen beschouwen ze zelfs als onthullend over de menselijke geest. Misschien zijn er abstracte elementen in de Duitse Expressionistische kunst, die, als we ermee zouden kunnen interageren, ons zouden kunnen leiden naar een dieper begrip van de betekenis van deze werken. Weinig kunstbewegingen zijn zo invloedrijk geweest als het Expressionisme, waarvan de tendensen herhaaldelijk zijn opgedoken in andere bewegingen door de moderne kunstgeschiedenis heen. Als we ons begrip van de nuances en oorsprongen van deze fascinerende beweging kunnen uitbreiden, kunnen we ook beter begrijpen wat Abstract Expressionisme, Neo-Expressionisme en bepaalde huidige ontwikkelingen in de hedendaagse kunst betreft. We kunnen zelfs iets essentieels over onszelf leren.

Zo heel romantisch

De Duitse expressionisme was een kunstbeweging uit de 20e eeuw, die dateert van ongeveer 1905 tot 1920. Maar om de wortels ervan te begrijpen, moeten we iets verder terugkijken. Veel van de meest ingrijpende veranderingen in de geschiedenis van de westerse kunst begonnen in het midden van de 19e eeuw. De reden kan worden samengevat in twee woorden: Industriële Revolutie. Voor ongeveer 1760 leefden de meeste mensen in de westerse wereld ofwel een landelijk of een ambachtelijk leven. Ze bewerkten ofwel het land of een niet-geautomatiseerd ambacht. Maar tijdens een periode van 90 jaar tussen ruwweg 1760 en 1850 veranderde die langdurige realiteit van het leven dramatisch dankzij de snelle vooruitgang van technologie en machines.

Tegen het midden van de 19e eeuw hadden veranderingen in chemische en productieprocessen de meeste van de agrarische en ambachtelijke beroepsbevolking verouderd gemaakt. Maar de stedelijke industriële activiteit nam exponentieel toe. In een mate die nog nooit eerder was gezien, verschoof de bevolking van het platteland naar de stad, en daarmee veranderde de levensstijl van de typische mens op radicale manieren. Er waren voordelen, zoals schoon water en betaalbaar voedsel en kleding, maar ook uitdagingen, zoals vervuiling en overbevolking. Het meest ontwrichtend was de zelfzuchtigheid van de stedelijkheid, die de manier waarop gemiddelde mensen zich tot elkaar verhouden veranderde.

Egon Schiele - Self-Portrait with Black Vase and Spread Fingers, 1911, 34 x 27.5 cm, Kunsthistorisches Museum, Vienna, Austria

Artistieke impressies

De eerste artistieke beweging die voortkwam uit de Industriële Revolutie was het Romantisme. Het ontstond toen die tientallen miljoenen nieuwe stedelingen zich realiseerden dat ze verlangden naar de bucolische, agrarische manieren van hun voorouders. Romantische kunstenaars portretteerden de schoonheid van de natuurlijke wereld en de elegantie van vervlogen tijden. Na de Romantici kwamen de Impressionisten. Deze kunstenaars richtten zich ook op enigszins idyllische onderwerpen, maar stylistisch zetten ze gedurfde stappen richting wat uiteindelijk abstractie zou worden. In plaats van precies realistische beelden te schilderen, gebruikten ze nieuwe technieken en overdrijven ze hun kleurenpaletten om op een prachtige en meesterlijke manier de indruk van hun onderwerpen over te brengen, met een bijzondere nadruk op het vastleggen van de kwaliteiten van licht.

Maar tegen het begin van de eeuw kwam er weer een nieuwe generatie kunstenaars op, een generatie die geen verbinding had met het agrarische verleden en geen verlangen had om bestaande esthetische tradities voort te zetten. Dit waren de kinderen van de kinderen van de Industriële Revolutie. Ze waren volledig vervreemd van welke idealistische wereld dan ook die de Impressionisten, laat staan de Romantici, probeerden te vertegenwoordigen. Deze kunstenaars waren vol angst. Hun schilderijen weergaven niet de objectieve buitenwereld. In plaats daarvan drukten ze de subjectieve innerlijke wereld van emoties en levenservaringen uit.

Oskar Kokoschka - De Bruid van de Wind, 1913 - 1914, Olieverf op doek, 181 cm × 220 cm (71 in × 87 in), Kunstmuseum Basel

De Duitse Expressionisten

Die subjectieve levenservaringen werden gedomineerd door angst, vrees, vervreemding van de natuur en vervreemding van andere mensen. Aangezien deze ervaring alomtegenwoordig was in de geïndustrialiseerde wereld, manifesteerden verschillende versies van de expressionistische tendens zich in verschillende landen, allemaal rond dezelfde tijd. Niettemin, wanneer de meeste historici naar expressionisme verwijzen, bedoelen ze in eerste instantie Duits expressionisme, aangezien de kunstenaars die de meeste belangrijke esthetische trends van de beweging vestigden, in Duitsland leefden of werkten op het hoogtepunt van de periode.

Wanneer je op zoek bent naar abstracte tendensen in het werk van die Duitse Expressionisten, helpt het om de twee schilders te analyseren die hen het meest beïnvloed hebben. De eerste, zoals we eerder hebben vermeld, was Edvard Munch. Zijn weelderige, donkere, dramatische en zeer evocatieve schilderstijl ving de vervreemde gevoeligheid van het stadsleven aan het begin van de eeuw. Zijn overdreven gebaren en extreme kleurenpalet wekten emotie op bij de kijkers en verbonden hen met de gevoelens van de schilder. Gustav Klimt was de andere schilder die de Expressionisten inspireerde, maar hij deed dit op een andere manier. Klimt werd beïnvloed door de Symbolisten. Hij gebruikte mythische, nachtmerrieachtige figuren in zijn werk en incorporeerde duister symbolische beelden. Zijn doeken bevatten grote velden van geabstraheerde beelden, en de figuratieve elementen waren grof vervormd om drama en emotie te maximaliseren.

Gustav Klimt - The Three Ages of Woman, 1905, Oil on canvas, 1.8m x 1.8m, Galleria Nazionale d’Arte Moderna, Rome, Italy

De brug

Twee belangrijke scholen van de Duitse expressionisme kwamen uiteindelijk naar voren, en ze weerspiegelden de verschillende invloeden van Munch en Klimt. De eerste was een groep van vier aspirant-schilders, Ernst Kirchner, Erich Heckel, Karl Schmidt-Rottluff en Fritz Bleyl, die zichzelf De Brug noemden. Hun naam was geïnspireerd op een citaat uit het boek Zo sprak Zarathoestra: Een boek voor allen en voor niemand, van Friedrich Nietzsche, dat luidt: “Wat groot is in de mens is dat hij een brug is en geen einde.”

Vervormde figuren en extreme kleurenpaletten verenigden de kunstenaars van De Brug; directe invloeden van Edvard Munch. De figuren in de houtsneden van Erich Heckel zijn geïsoleerd, stoïcijns en disconnected. Hun brute gezichten lijken dierlijk. Ze verschijnen als wandelende skeletten. In de schokkende, neon, stedelijke landschappen van Ernest Kirchner zijn alle figuren geïsoleerd, anoniem, alleen in hun strijd, behalve de prostituees die gelukkig lijken, maar die de ultieme commercialisering en vernietiging van de menselijke geest vertegenwoordigen.

Ernst Ludwig Kirchner - Straat, Berlijn, 1913, Olieverf op doek, 47 1/2 x 35 7/8 in, 120,6 x 91,1 cm, MoMA Collectie

De Blauwe Ruiters

De andere belangrijkste Duitse expressionistische groep heette De Blauwe Ruiter. Het omvatte Wassily Kandinsky, Franz Marc en Paul Klee, naast verschillende anderen. Ze waren vernoemd naar een figuur in een schilderij van Kandinsky genaamd Het Laatste Oordeel. Het schilderij was afgewezen voor een tentoonstelling op grond van de abstracte inhoud, en daarom riep Kandinsky het schilderij in als een symbolische verwijzing.

In het schilderij symboliseerde de Blauwe Ruiter de overgang van het objectieve naar de mystieke wereld, die Kandinsky zag als analoog aan de overgang die hij en de anderen probeerden te bereiken met hun kunst. De schilders van De Blauwe Ruiter vertrouwden minder op vorm en figuur, en meer op formele kwaliteiten zoals kleur om emotionele toestanden over te brengen. Hun composities waren dramatisch, levendig en chaotisch. Ze communiceerden een gevoel van geweld en angst, maar hintten ook naar kosmische schittering en de onderliggende harmonieën van het spirituele rijk.

Wassily Kandinsky - Het Laatste Oordeel, 1912, Olieverf op doek, Privécollectie

Abstractie in het Expressionisme

Duidelijk omarmden veel Duitse expressionisten volledig de abstractie in hun werk. Ze scheidden kleur, vorm en lijn van objectieve representatie, en gebruikten deze om emotionele toestanden over te brengen en emotionele reacties van kijkers op te roepen. Maar wat kunnen we zeggen dat abstract is aan het meer figuratieve expressionistische werk? Een abstract element is zeker de reducerende kwaliteit van hun schilderijen. Alles wat niet noodzakelijk is voor de compositie valt weg. Dit drukt rechtstreeks de angst van de vroege 20e eeuw uit. Industrie en oorlog lieten veel mensen voelen dat de mensheid slechts een massa anonieme, groteske schaduwfiguren was. Iedereen die niet noodzakelijk was, leek weg te vallen. Misschien is dat wat mensen bedoelen als ze zeggen dat Duitse expressionistische kunst donker, angstig, beangstigend, primitiever of ruw is.

Maar een ander abstract element van de Duitse expressionisme zendt de tegenovergestelde boodschap. Dit element straalt uit de draaiende penseelstreken en de gecodificeerde, symbolische beelden. Zo veel figuren in deze schilderijen lijken opgeslokt te zijn in een wereld zonder betekenis. Ze zijn in beweging, maar omringd door onzekerheid. Toch zijn ze emotioneel. Dat communiceert iets, zij het alleen abstract. Het zegt dat de emoties van een enkel persoon ertoe doen. Of het nu de emotie van de schilder is, zoals bij de schilderijen van Wassily Kandinsky en Franz Marc, of de emoties van de figuur in het werk, zoals bij de schilderijen van Edvard Munch, Erich Heckel en Ernst Kirchner, de expressionisten communiceerden dat ondanks de neiging van de moderniteit om ons gedehumaniseerd te laten voelen, de individuele menselijke geest ertoe doet. Dat is onoverwinnelijkheid. Het is een geloof dat jezelf uitdrukken altijd relevant is. Het is wat de Abstracte Expressionisten en de Neo-Expressionisten inspireerde, en wat kunstenaars vandaag de dag blijft inspireren. En het is wat Ernst Kirchner bedoelde toen hij over de expressionisten zei: “Iedereen die direct en eerlijk weergeeft wat hem drijft om te creëren, is een van ons.”

Uitgelichte afbeelding: Edvard Munch - De Schreeuw, 1893, Olie, tempera en pastel op karton, 91 cm × 73,5 cm, 36 in × 28,9 in, Nationaal Museum, Oslo, Noorwegen
Alle afbeeldingen zijn alleen ter illustratie.
Door Phillip Barcio